Galerie Gilles Drouault

31/08/2026

RICHARD PRINCE
En 2010, Richard Prince réalise un dessin en référence au Barefoot Bandit et le confie à la Galerie des Multiples pour l’édition d’une serigraphie en 50 exemplaires. The Barefoot Bandit, l’adolescent téméraire et insaisissable, ainsi nommé parce qu’il opérait souvent pieds-nus, déchaîna les chroniques américaines à l’aube de années 2010.
Né en 1991 dans l’État de Washington, Barefoot Bandit est devenu à 19 ans l’un des fugitifs les plus célèbres d’Amérique.
Très jeune, il vole, fugue, cambriole et apprend surtout à disparaître.
En 2008, à 17 ans, il s’évade d’un centre pour mineurs et commence une cavale qui durera plus de deux ans.
Il dort dans des maisons vides, se cache dans les forêts et se déplace la nuit.
Il vole de la nourriture, des voitures, des bateaux — puis des avions.
Sans licence et sans véritable formation, il apprend seul les rudiments du pilotage à partir de livres, d’Internet et de simulateurs.
Il décolle avec plusieurs appareils volés, les pose comme il peut, les abandonne et disparaît à nouveau.
Parce qu’il opère souvent pieds nus, la presse l’a baptisé The Barefoot Bandit.
Insaisissable, téméraire, suivi par des milliers de fans sur Internet il est traqué par le FBI.
À l’été 2010, il vole un avion dans l’Indiana et rejoint les Bahamas.
La police le poursuit d’île en île avant de l’arrêter, le 11 juillet, après une dernière fuite en bateau.
Condamné pour ses nombreux vols et cambriolages, il passera environ six années derrière les barreaux.
Hollywood achète les droits de son histoire pour plus d’un million de dollars, argent qui servira à indemniser ses victimes.
Libéré en 2016, celui qui avait fait de la fuite un mode de vie disparaît presque entièrement de la scène publique.

28/08/2026

ORLAN
À la Biennale de Venise et à La Galerie des Multiples (lagaleriedesmultiples.com)
European Cultural Centre Italy
La galerie des multiples
ORLAN

ORLAN est artiste majeure de l’art corporel. Depuis les années 1960, elle fait de son propre corps à la fois un matériau, une image et un lieu de transformation.

Sa pratique ne se limite cependant à aucun médium : performance, photographie, sculpture, vidéo, installations, biotechnologies, réalité augmentée, intelligence artificielle et robotique se succèdent au gré de ses projets. ORLAN utilise notamment les technologies contemporaines pour montrer la manière dont les corps sont construits, représentés et transformés par les modèles sociaux, culturels et scientifiques.

Figure majeure de ce qu’elle a elle-même nommé « l’Art Charnel », ORLAN a présenté son travail dans de très nombreuses institutions internationales. Une importante rétrospective, ORLAN en capitales, lui a notamment été consacrée à la Maison Européenne de la Photographie à Paris en 2017. Elle est Chevalière de l’Ordre des Arts et des Lettres, de l’Ordre national du Mérite et de la Légion d’honneur.

Les photographies pour la Galerie des Multiples

Les trois photographies choisies par ORLAN pour la Galerie des Multiples montrent des fragments de l’ORLANoïde, robot humanoïde créé par l’artiste à son image. Présenté notamment en 2018 dans l’exposition Artistes & Robots au Grand Palais à Paris, ce robot possède le visage d’ORLAN et parle avec sa voix. Doté d’intelligence artificielle, il constitue une sorte de double technologique de l’artiste.

27/08/2026

RODOLPHE PROVERBIO

Cette édition de Rodolphe Proverbio pour la Collection 100 % s’inscrit dans la continuité de ses recherches sur l’ Esthétique de l’eau, commencées au milieu des années 1960. L’artiste explore les rapports entre l’eau et la lumière et les transformations de formes qu’ils produisent.

Dès le début des années 1960, il développe un travail photographique expérimental fondé notamment sur le photogramme et sur l’utilisation directe de la lumière. Dans l’obscurité, il manipule différentes sources lumineuses devant le papier photosensible ou devant un appareil maintenu en pose longue, faisant du déplacement de la lumière et du geste les éléments constitutifs de l’image. Ces recherches donnent naissance à ce qu’il désigne comme ses « peintures de lumière ».

Proverbio participe au mouvement français de photographie expérimentale d’après-guerre Libre Expression, aux côtés notamment d’Étienne Bertrand Weill, Jean-Claude Gautrand et Jean Dieuzaide. Son travail des années 1960 s’inscrit dans un contexte où se croisent abstraction géométrique, art non figuratif, art optique et recherches cinétiques. La lumière y est envisagée moins comme un moyen d’éclairer un sujet que comme un matériau permettant de produire directement la forme photographique.

À partir du milieu des années 1960, ses expérimentations s’étendent également à l’eau. Sous le titre « Esthétique de l’eau », il photographie notamment des formes géométriques observées à travers l’eau et utilise les déformations produites par celle-ci pour faire apparaître des formes organiques et mouvantes.

Son œuvre a notamment été présentée en 2016 à Paris par la Galerie Maria Wettergren dans le cadre de PhotoSaintGermain, conjointement avec celle d’Étienne Bertrand Weill. En 2019, elle figure dans l’exposition Le diable au corps. Quand l’Op Art électrise le cinéma au Musée d’Art moderne et d’Art contemporain de Nice.

05/08/2026

Matthieu Laurette
Collection 100%
100 artistes, 100 exemplaires, 100 euros

Pour la Collection 100 %, Matthieu Laurette a rempli et photographié un chèque de 100 euros, signé de sa main. L’acquéreur échange ainsi cent euros contre l’image d’un chèque du même montant, rempli et signé par l’artiste.
Le chèque, contrairement à un billet de banque, ne constitue pas une valeur monétaire en lui-même : il est un instrument de paiement. En entrant dans le champ de l’art, il change de statut. Sans que sa forme soit modifiée, il cesse d’être un simple document bancaire pour devenir une œuvre dont la valeur coïncide avec son montant... sans s’y réduire.
L’œuvre de Matthieu Laurette, dans le cadre même de la Collection 100 %, fait coïncider le prix de l’œuvre avec le montant du chèque. Mais cette égalité apparente ne supprime pas la valeur artistique ; elle la rend au contraire visible. Le collectionneur n’achète pas cent euros : il acquiert le moment précis où un instrument financier devient une œuvre d’art. C’est ce déplacement de statut, presque imperceptible, qui constitue l’œuvre.

ǝʇʇǝɹnɐ˥ nǝᴉɥʇʇɐW ™

31/07/2026

Julio Le Parc
La création en mouvement…

La première fois que je me suis rendu dans l’atelier de Julio Le Parc, à Clamart, c’est Yamil, son fils, qui m’a accueilli.
J’ai compris rapidement que Yamil organisait l’atelier autant qu’il protégeait Julio.

Une fois que nous avions vu ensemble les détails de l’édition, Yamil me guida jusqu’à l’étage où Julio travaillait ; son repaire et son atelier.

Julio est sans doute l’artiste le plus drôle que j’aie rencontré, le plus facétieux.

Sollicité à un autre étage, Yamil nous laissa, Julio et moi, poursuivre une longue conversation sur les œuvres de Julio, sur l’art, sur l’art contemporain, sur l’évolution de l’art.
À l’issue de notre conversation, Julio sortit une feuille de papier et prit son crayon pour écrire manuellement les termes de notre accord pour une édition. Il garda une photocopie ; j’emportai l’original, daté et signé.
Un accord « à l’ancienne », sans échange d’e-mails, sans contrat vérifié par un avocat.

J’ai souvent croisé Julio après cette rencontre… la même vivacité, le même humour, toujours.

Nous vivions ces moments partagés autour d’un café, remplis de discussions qui mêlaient autant l’histoire de l’art que l’histoire de l’artiste, avec plaisir. Sans que saisisse totalement la préciosité de ces instants. De ces instants qui justifient les choix de vie du galeriste.

27/07/2026

TANIA MOURAUD

LOOK UP FOR THE WORLD, 2025
Impression jet d’encre sur papier mat
40 x 60 cm
100 exemplaires numérotés et signés
Collection 100%

Réalisée pour la Collection 100 %, LOOK UP FOR THE WORLD s’inscrit dans les recherches que Tania Mouraud mène depuis la fin des années 1980 autour de la typographie et de la lisibilité. L’œuvre se présente d’abord comme une succession de bandes verticales noires et blanches qui relèvent presque de l’abstraction géométrique. Ce n’est qu’après un temps d’observation que le regard parvient à déchiffrer la phrase dissimulée dans l’image.

La phrase LOOK UP FOR THE WORLD fonctionne elle-même comme une injonction ouverte. Fidèle à la pratique de Tania Mouraud, elle n’impose ni slogan ni discours. Elle invite plutôt à une forme d’attention, à une disponibilité du regard autant qu’à une prise de conscience du monde qui nous entoure.

Née en 1942, Tania Mouraud est l’une des figures majeures de l’art contemporain français. Autodidacte, elle développe depuis la fin des années 1960 une œuvre qui associe installation, photographie, vidéo, son, écriture et peinture. Dès les Initiation Rooms (1968), elle conçoit l’œuvre comme une expérience physique et mentale offerte au spectateur. À partir des années 1970, le langage devient l’un des matériaux essentiels de sa pratique. Ses compositions typographiques, dans lesquelles les mots se confondent avec des structures graphiques proches de l’abstraction, convoquent la mémoire, l’histoire, le pouvoir des images et les mécanismes de la perception. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions en France et à l’étranger, notamment d’une importante rétrospective au Centre Pompidou-Metz en 2015. En 2025, elle est élue à l’Académie des beaux-arts. Ses œuvres figurent dans les collections du Centre Pompidou, du Fonds national d’art contemporain, du MAC VAL.



Tania Mouraud

14/07/2026

SERGE ONNEN
Credit Cards Cleaners
Collection 100%
100 artistes / 100 œuvres / 100 euros

tu peux me faire une trad exacte en anglais du texte suivant : Né à Paris en 1965, Serge Onnen vit et travaille entre Amsterdam et Bruxelles. Dessinateur, cinéaste, performeur et éditeur, il développe depuis plus de trente ans une œuvre singulière où le dessin quitte la feuille pour investir l’animation, le livre, la vidéo, la performance ou encore l’installation. Formé à la Rijksakademie d’Amsterdam, il a présenté son travail dans de nombreuses institutions internationales, parmi lesquelles le Drawing Center de New York, le Museum Boijmans Van Beuningen de Rotterdam, le MOCA de Taipei, le Kunsthalle KAdE ou encore le Centre de la gravure de La Louvière.

Le dessin est le cœur de sa pratique.

Pour la Collection 100%, Serge Onnen propose une image où plusieurs mains semblent frotter des cartes bancaires sur une surface plane pour la nettoyer. Avec l’ironie discrète qui caractérise son travail, il transforme un geste absurde en réflexion sur notre rapport à l’argent et... à la consommation.

Born in Paris in 1965, Serge Onnen lives and works between Amsterdam and Brussels. A draftsman, filmmaker, performer and publisher, he has developed over the past three decades a singular body of work in which drawing extends beyond the sheet of paper into animation, artists’ books, video, performance and installation. A graduate of the Rijksakademie in Amsterdam, he has exhibited widely in international institutions, including The Drawing Center in New York, Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam, MOCA Taipei, Kunsthalle KAdE and the Centre de la Gravure et de l’Image Imprimée in La Louvière.
For the 100% Collection, Serge Onnen presents an image in which several hands appear to be scrubbing credit cards across a flat surface as if cleaning it. With the understated irony that characterizes his work, he transforms an absurd gesture into a reflection on our relationship with money, consumption and… the rituals that surround them.

14/07/2026

SERGE ONNEN
Credit Cards Cleaners
Collection 100%
100 artistes / 100 œuvres / 100 euros

tu peux me faire une trad exacte en anglais du texte suivant : Né à Paris en 1965, Serge Onnen vit et travaille entre Amsterdam et Bruxelles. Dessinateur, cinéaste, performeur et éditeur, il développe depuis plus de trente ans une œuvre singulière où le dessin quitte la feuille pour investir l’animation, le livre, la vidéo, la performance ou encore l’installation. Formé à la Rijksakademie d’Amsterdam, il a présenté son travail dans de nombreuses institutions internationales, parmi lesquelles le Drawing Center de New York, le Museum Boijmans Van Beuningen de Rotterdam, le MOCA de Taipei, le Kunsthalle KAdE ou encore le Centre de la gravure de La Louvière.

Le dessin est le cœur de sa pratique.

Pour la Collection 100%, Serge Onnen propose une image où plusieurs mains semblent frotter des cartes bancaires sur une surface plane pour la nettoyer. Avec l’ironie discrète qui caractérise son travail, il transforme un geste absurde en réflexion sur notre rapport à l’argent et... à la consommation.

anglais naturel de catalogue ou de galerie.

Born in Paris in 1965, Serge Onnen lives and works between Amsterdam and Brussels. A draftsman, filmmaker, performer and publisher, he has developed over the past three decades a singular body of work in which drawing extends beyond the sheet of paper into animation, artists’ books, video, performance and installation. A graduate of the Rijksakademie in Amsterdam, he has exhibited widely in international institutions, including The Drawing Center in New York, Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam, MOCA Taipei, Kunsthalle KAdE and the Centre de la Gravure et de l’Image Imprimée in La Louvière.

Drawing lies at the heart of his practice.

For the 100% Collection, Serge Onnen presents an image in which several hands appear to be scrubbing credit cards across a flat surface as if cleaning it. With the understated irony that characterizes his work, he transforms an absurd gesture into a reflection on our relationship with money, consumption and dependency.

14/07/2026

SERGE ONNEN
Credit Cards Cleaners
Collection 100%
100 artistes / 100 œuvres / 100 euros

tu peux me faire une trad exacte en anglais du texte suivant : Né à Paris en 1965, Serge Onnen vit et travaille entre Amsterdam et Bruxelles. Dessinateur, cinéaste, performeur et éditeur, il développe depuis plus de trente ans une œuvre singulière où le dessin quitte la feuille pour investir l’animation, le livre, la vidéo, la performance ou encore l’installation. Formé à la Rijksakademie d’Amsterdam, il a présenté son travail dans de nombreuses institutions internationales, parmi lesquelles le Drawing Center de New York, le Museum Boijmans Van Beuningen de Rotterdam, le MOCA de Taipei, le Kunsthalle KAdE ou encore le Centre de la gravure de La Louvière.

Le dessin est le cœur de sa pratique.

Pour la Collection 100%, Serge Onnen propose une image où plusieurs mains semblent frotter des cartes bancaires sur une surface plane pour la nettoyer. Avec l’ironie discrète qui caractérise son travail, il transforme un geste absurde en réflexion sur notre rapport à l’argent et... à la consommation.

anglais naturel de catalogue ou de galerie.

Born in Paris in 1965, Serge Onnen lives and works between Amsterdam and Brussels. A draftsman, filmmaker, performer and publisher, he has developed over the past three decades a singular body of work in which drawing extends beyond the sheet of paper into animation, artists’ books, video, performance and installation. A graduate of the Rijksakademie in Amsterdam, he has exhibited widely in international institutions, including The Drawing Center in New York, Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam, MOCA Taipei, Kunsthalle KAdE and the Centre de la Gravure et de l’Image Imprimée in La Louvière.

Drawing lies at the heart of his practice.

For the 100% Collection, Serge Onnen presents an image in which several hands appear to be scrubbing credit cards across a flat surface as if cleaning it. With the understated irony that characterizes his work, he transforms an absurd gesture into a reflection on our relationship with money, consumption and dependency.

05/07/2026