Lunes 09:00 - 20:00 Martes 10:00 - 19:00 Miércoles 10:00 - 19:00 Jueves 10:00 - 19:00 Viernes 10:00 - 19:00 Sábado 10:00 - 14:30

Río & Meñaka

Casa
España
Madrid
Río & Meñaka

Contemporary Art Gallery

RÍO & MEÑAKA, con sedes en Madrid, Barcelona y Carabanchel, es una galería de arte contemporáneo nacida en 2018 para representar una nueva generación de artistas y dar voz a una nueva generación de coleccionistas. Con una extensa programación multidisciplinar compuesta por prestigiosos artistas con proyección internacional, la galería apuesta por una gran diversidad de lenguajes y pluralidad de di

scursos. Además, cuenta con un programa de mecenazgo de becas internacionales para residencias de artistas y un innovador programa universitario de formación en arte y coleccionismo.

03/09/2026

INAUGURACIÓN Julia Llerena “Página 180” APERTURA 2026 . 10 septiembre 19-22H.

"Página 180" es un proyecto desarrollado durante la residencia semestral para artistas visuales 2026 del de . Podéis ver la entrevista completa de en el canal de YouTube de

"Página 180" explora la tensión entre maternidad y creación tomando como punto de partida un libro íntimo e inacabado escrito por la madre de la artista. La interrupción abrupta del manuscrito en la página 180, provocada por la enfermedad de su autora, evidencia la dimensión física del acto de escribir —resonando con la noción de Marguerite Duras sobre la fuerza corporal que exige la escritura—. A través de una combinación de pintura y cerámica, la propuesta transforma esta ausencia en estructura mediante la transposición material de dos archivos: el íntimo y el teórico de referencia, apoyado en “Maternidad y creación” de Moyra Davey. Finalmente, al convertir las frecuencias acústicas del lenguaje en patrones visibles y formas tridimensionales, la exposición restituye simbólicamente la pausa del texto, elevando la vivencia personal hacia una dimensión colectiva.

La práctica de Julia Llerena se articula como una investigación sobre la fragilidad del orden y la relación simbólica entre el objeto y el espacio que habita. A través de la instalación, el ensamblaje, la pintura y el uso de materiales encontrados, busca visibilizar las estructuras invisibles que sostienen nuestra percepción de la realidad, deteniéndose especialmente en la idea del fragmento como unidad mínima de sentido. Sus piezas no se inscriben en una lógica representacional, más bien emergen como despliegues sensoriales, una operación donde la forma no es otra cosa que la consecuencia de una serie de encuentros y desintegraciones.

25/08/2026

Summer Institutional Exhibitions → A major new commission and solo installation by London-based Spanish artist Saelia Aparicio. Using installation, sculpture and large-scale mural drawings to weave together narrative, science fiction and ecological speculation, ‘A Joyful Parasite’ explores the complex entanglements between bodies, environments and systems of care. The installation will be reconfigured for each location and for Southwark Park Galleries a new sculptural work will respond to the distinctive architecture of Dilston Gallery, a deconsecrated Grade II Listed church, and our position within the park.

Commissioned by Baltic Centre for Contemporary Art, Gateshead (until 8 March 2026), in partnership with Southwark Park Galleries, London, and The Burton at Bideford, North Devon (opening late 2026).
This exhibition is generously supported by Foundation Foundation, the Paul & Louise Cooke Endowment, Henry Moore Foundation, Arts Council England and made possible thanks to the support of Acción Cultural Española (AC/E).

Saelia Aparicio (b. 1982, Valladolid, Spain; based in London) has had recent solo exhibitions with blink of collapse, 36th Ljubljana Biennial of Graphic Arts, Slovenia (2025); MUSAC, León, Spain (2022); FUMI, London (2022); The Ryder, Madrid, Spain (2019); and TURF Projects, Croydon (2017). In 2021 her work was selected for Survey II, a touring exhibition across Jerwood Space, London; G39, Cardiff; and Site Gallery, Sheffield (2020–22). Aparicio was recipient of the Generaciones 2019, one of the most prestigious awards for emerging artists in Europe, and was commissioned by Serpentine Galleries for their General Ecology programme. She has delivered public programming at Open School East (2022), CA2M Madrid (2023) and EBC, Bristol (2024).

19/08/2026

Summer Institutional Exhibitions → "Había en el fondo del mar" es una intervención de Nuria Mora comisariada por Pilar Rubí, especialmente pensada y concebida para el Casal Solleric, que lo coloniza en distintas ubicaciones para transformarlo en un escenario sumergido, marco en el que descubrir tesoros que establecen vínculos y conexiones con la arquitectura del edificio, con elementos reconocibles de la ciudad y su historia, así como con su entorno más cercano y evidente, la zona marítima. A la vez, apelan directamente al deleite de los sentidos en su dimensión más teatral y barroca. El título del proyecto es un homenaje de la artista al poema homónimo que escribió Luis Cernuda en 1931.

Las tres intervenciones site-specific, que están focalizadas, una, en el patio interior de la casa señorial y, las otras dos, en su fachada (en la loggia o balcón y en la vitrina urbana, llamada showcase), articulan el espacio arquitectónico como un particular y colorido medio submarino, al que la artista nos traslada para desvelarnos un imaginado fondo acuático y lo que allí se halla. Algunos pecios contienen cargamentos muy preciados. Históricamente, su valor puede ser inmenso pues funcionan como cápsulas del tiempo. El conjunto de las instalaciones alude a la idea del mar como presente y memoria, y al pecio como una suerte de genealogía familiar.

El proyecto de Nuria Mora ha conseguido, además, unir en este personal entorno de referencias oceánicas la arquitectura del casal con el paseo del Born, a través de la colaboración con la Gerreria Pere Coll, de Pòrtol. Lo ha hecho, también, conectando la ciudad con el mar a través de la idea de pecio, justo este año en que se ha iniciado la extracción del hallado en Ses Fontanelles, en la bahía de Palma, considerado uno de los descubrimientos subacuáticos más relevantes del Mediterráneo.

04/08/2026

Summer Institutional Exhibitions → Marlon de Azambuja "Fundación". Un proyecto concebido para La Casa Encendida y comisariado por Bruno Leitão, que propone transformar uno de sus espacios en un territorio vivo, atento a la materialidad y al pensamiento que emerge del propio lugar.

Partiendo de una intervención escultórica que reconfigura el espacio, la exposición propone pensar el acto de “fundar”, no como construcción, sino como descenso: una búsqueda de lo que sostiene y, al mismo tiempo, condiciona toda forma de conocimiento. Este gesto inicial revela una voluntad de explorar la materia como pensamiento, de acercarse a lo que la arquitectura oculta bajo su aparente neutralidad.

Desde esta perspectiva, "Fundación" plantea una reflexión crítica sobre el museo como dispositivo epistemológico europeo y propone imaginarlo como un lugar capaz de acoger formas de pensamiento más próximas, situadas y sensibles. A lo largo de su desarrollo, el proyecto será activado por diferentes modos de mirar y de pensar, para reforzar su condición de lugar de permanencia, escucha y diálogo. La arquitectura se pliega, se densifica y adquiere una dimensión orgánica donde el visitante no observa, sino que atraviesa, respira y habita. La instalación interroga así la genealogía formal del medio exposición: su tendencia a la pureza, al equilibrio y a la jerarquía de la mirada. Con una atención radical a la materia, "Fundación" disputa la idea de la exposición como representación y la concibe, en cambio, como un lugar donde el pensamiento se manifiesta a través de la materia, la fricción y la experiencia compartida.

Hasta el 27 de septiembre de 2026

Marlon de Azambuja
La Casa Encendida
Fundación Montemadrida.leitao

Fotos Juan Carlos Quindós

21/07/2026

Save the date | Julia Llerena “Página 180” APERTURA 2026 RÍO & MEÑAKA Arte Madrid. Opening 10 septiembre 2026

"Página 180" explora la tensión entre maternidad y creación tomando como punto de partida un libro íntimo e inacabado escrito por la madre de la artista. La interrupción abrupta del manuscrito en la página 180, provocada por la enfermedad de su autora, evidencia la dimensión física del acto de escribir —resonando con la noción de Marguerite Duras sobre la fuerza corporal que exige la escritura—. A través de una combinación de pintura y cerámica, la propuesta transforma esta ausencia en estructura mediante la transposición material de dos archivos: el íntimo y el teórico de referencia, apoyado en “Maternidad y creación” de Moyra Davey. Finalmente, al convertir las frecuencias acústicas del lenguaje en patrones visibles y formas tridimensionales, la exposición restituye simbólicamente la pausa del texto, elevando la vivencia personal hacia una dimensión colectiva.

La práctica de Julia Llerena se articula como una investigación sobre la fragilidad del orden y la relación simbólica entre el objeto y el espacio que habita. A través de la instalación, el ensamblaje, la pintura y el uso de materiales encontrados, busca visibilizar las estructuras invisibles que sostienen nuestra percepción de la realidad, deteniéndose especialmente en la idea del fragmento como unidad mínima de sentido. Sus piezas no se inscriben en una lógica representacional, más bien emergen como despliegues sensoriales, una operación donde la forma no es otra cosa que la consecuencia de una serie de encuentros y desintegraciones.

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Page 180 explores the tension between motherhood and artistic creation, taking as its point of departure an intimate, unfinished manuscript written by the artist’s mother. The abrupt interruption of the text on page 180, caused by the author’s illness, reveals the physical dimension of writing itself—echoing Marguerite Duras’s notion of the bodily force that writing demands. Through a combination of painting and ceramics, the project transforms this absence into structure by materially...

11/07/2026

Elegía al piano de Federico González Sosa Federico González - Suricata ABC

Federico González Sosa transforma en la galería Río&Meñaka restos de pianos en una instalación sonora que reflexiona sobre la capacidad del sonido para crear vínculos

Por Javier Rubio Nomblot

08/07/2026

Pablo Merchante “Excelso”. 25 jun - 26 oct., 2026. Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente (Segovia) Museo Esteban Vicente RÍO & MEÑAKA Pablo Merchante

Texto: David Barro

Pablo Merchante es un pintor ambivalente. Su pintura nos llega siempre de manera imprecisa porque se asienta en una realidad desenfocada. El color esquiva la evidencia y el gesto desajusta la imagen, que abraza lo inacabado, para llevar la realidad a una suerte de fuera de campo que actúa como una fisura en nuestra percepción. Todo evidencia una acción deliberada: la de abrazar el error y la borrosidad que genera distancia en lo reconocible de la naturaleza o el objeto. Porque Merchante no pierde de vista la realidad, que siempre es el tema, pero esta se abisma y se convierte en un campo de posibilidades plásticas. Es la pintura como experiencia de lo indecible; siempre deja cosas fuera de su encuadre, como la poesía. El color se impone como excelso enigma.

Es la pintura como rumor, plena en atmósferas indecisas, esquivas. Todo nos mantiene a la espera, como Cézanne en Sainte Victoire. Lo aseveraba en otros términos un escultor muy pictórico como Giacometti: “Es imposible reproducir lo que uno ve”. En otras palabras: es imposible deja algo acabado, máxime cuando la realidad se escurre y la imagen persiste. Giacometti decía que hay que tener valor para dar la pincelada final que hace que todo desaparezca y en sus esculturas, como en la pintura de Pablo Merchante, la materia se deshace y la pincelada nunca semeja ser definitiva.

02/07/2026

Federico González Sosa “Por simpatía III”. 1 julio - 1 agosto, 2026. RÍO & MEÑAKA

Texto por Clement Caballero

El sonido, como la memoria, deja huellas que persisten en la materia. Par Sympathie (III) reúne un conjunto de tablas armónicas provenientes de pianos desmantelados, activadas por transductores que difunden composiciones construidas a partir de archivos sonoros, grabaciones de campo y recolecciones personales. Entre huellas materiales, recuerdos reactivados y resonancias vibratorias, la instalación genera un campo de fuerzas invisible que afecta tanto el espacio como los cuerpos que lo atraviesan. Como una forma de supervivencia, el sonido parece entonces emerger de la propia materia, haciendo aparecer un territorio donde presencia y desaparición, memoria y arquitectura, entran en resonancia.

Federico González Sosa (Ciudad de Mexico, 1993) es un músico multidisciplinar y artista sonoro cuya práctica establece puentes entre las tradiciones auditivas indígenas y la música electrónica de vanguardia. La obra de este compositor mexicano explora el papel del sonido en la construcción de la identidad cultural y la transformación social.

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Federico González Sosa By Sympathy III. July 1 - August, 2026.

Text by Clement Caballero

Like memory, sound leaves traces that persist within matter. By Sympathy III brings together a series of soundboards from dismantled pianos, activated by transducers that broadcast compositions constructed from sound archives, field recordings, and personal collections. Through material traces, reactivated memories, and vibrational resonances, the installation generates an invisible field of forces that affects both the space and the bodies moving through it. As a form of survival, sound seems to emerge from matter itself, revealing a territory where presence and disappearance, memory and architecture, resonate with one another.

Federico González Sosa (Mexico City, 1993) is a multidisciplinary musician and sound artist whose practice builds bridges between Indigenous auditory traditions and avant-garde electronic music. This Mexican composer’s body of work explores the role of sound in the..

29/06/2026

INAUGURACIÓN Federico González Sosa “Por simpatía III”. Miércoles, 1 jul., 2026. 19:00-22:00 h.

Texto por Clement Caballero

El sonido, como la memoria, deja huellas que persisten en la materia. Par Sympathie (III) reúne un conjunto de tablas armónicas provenientes de pianos desmantelados, activadas por transductores que difunden composiciones construidas a partir de archivos sonoros, grabaciones de campo y recolecciones personales. Entre huellas materiales, recuerdos reactivados y resonancias vibratorias, la instalación genera un campo de fuerzas invisible que afecta tanto el espacio como los cuerpos que lo atraviesan. Como una forma de supervivencia, el sonido parece entonces emerger de la propia materia, haciendo aparecer un territorio donde presencia y desaparición, memoria y arquitectura, entran en resonancia.

Federico González Sosa (Ciudad de Mexico, 1993) es un músico multidisciplinar y artista sonoro cuya práctica establece puentes entre las tradiciones auditivas indígenas y la música electrónica de vanguardia. La obra de este compositor mexicano explora el papel del sonido en la construcción de la identidad cultural y la transformación social.

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OPENING Federico González Sosa By Sympathy III. Wednesday, July 1, 2026. 7:00–10:00 pm.

Text by Clement Caballero

Like memory, sound leaves traces that persist within matter. By Sympathy III brings together a series of soundboards from dismantled pianos, activated by transducers that broadcast compositions constructed from sound archives, field recordings, and personal collections. Through material traces, reactivated memories, and vibrational resonances, the installation generates an invisible field of forces that affects both the space and the bodies moving through it. As a form of survival, sound seems to emerge from matter itself, revealing a territory where presence and disappearance, memory and architecture, resonate with one another.

Federico González Sosa (Mexico City, 1993) is a multidisciplinary musician and sound artist whose practice builds bridges between Indigenous auditory traditions and avant-garde electronic music. This Mexican composer’s body of work explores the role of sound in the..

25/06/2026

Con motivo de la exposición “Distancia”, de Uxío da Vila, la galería RÍO & MEÑAKA acoge la conversación entre Piluca Baquero, directora del archivo Val del Omar, y el autor de la muestra.

Este encuentro propone un diálogo sobre la fotografía química y el cine como medios experimentales en la actualidad; la construcción de la mirada y la distancia como bases de la fotografía y la creacion audiovisual; el papel de los archivos y la memoria en la creación contemporánea; y los procesos fotográficos como punto de partida. La conversación pondrá también en relación sus respectivas trayectorias en el ámbito profesional y la intersección con sus correspondientes prácticas artísticas e investigadoras.

La conversación tendrá lugar el viernes 26 de junio a las 19:00 h. En la galería RÍO & MEÑAKA, dentro del marco de PHotoEspaña 2026.

Dirección

Conde De Aranda 20
Madrid
28001

Horario de Apertura

Lunes	09:00 - 20:00
Martes	10:00 - 19:00
Miércoles	10:00 - 19:00
Jueves	10:00 - 19:00
Viernes	10:00 - 19:00
Sábado	10:00 - 14:30

Teléfono

91 011 14 51

Página web

http://www.riomenaka.com/

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