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PARRA & ROMERO

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WELCOME TO PARRA & ROMERO GALLERY

MADRID
C/ Claudio Coello, 14
28001
Tel. +34 91 576 28 13
Fax: +34 91 577 42 46

HORARIO / HOURS:
L-V: 10:30 - 19:30
S: 11:00 - 14:00

AUGUST CLOSED

IBIZA
Carretera de San Miguel Km 2,300
Santa Gertrudis, Ibiza

And by appoinment: +34 679447733

HORARIO / HOURS
L-S: 18:00 - 22:00
JUNE - SEPTEMBER

21/10/2026

Las obras de la serie Attaccaglie del dúo italiano Ornaghi & Prestinari están compuestas de varios fragmentos de madera pintada unidos con herrajes de latón previamente cortados y moldeados a mano.

Attaccaglie reflexiona sobre el soporte, no como una necesidad física, sino como una condición conceptual. Los conectores pierden su función práctica y dejan de ser un simple mecanismo utilitario para convertirse en parte de la obra. De esta manera se genera una tensión entre el fragmento y aquello que lo mantiene unido, entre lo que está presente y lo que falta y esperamos encontrar.

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The works in the Attaccaglie series by the Italian duo Ornaghi & Prestinari are composed of various fragments of painted wood joined together with brass connectors or joints that have been pre-cut and hand-shaped.

Attaccaglie reflects on the support, not as a physical necessity, but as a conceptual condition. The connectors lose their practical function and cease to be mere utilitarian mechanisms, becoming instead part of the artwork. This creates a tension between the fragment and what holds it together, between what is present and what is missing—and what we hope to find.

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Ornaghi & Prestinari Attacaglie, 2025-2026 Madera pintada y latón / Painted wood and brass 100 x 100 x 1,5 cm

Esta obra se puede ver actualmente en la viewing room de la galería de Madrid / The work is currently on view at Parra & Romero’s Madrid viewing room.

Credits: ©️ Ornaghi & Prestinari / ©️ Parra & Romero

&Prestinari Ornaghi & Prestinari

19/10/2026

“Diagramas de Coherencia” de 𝖠𝗇𝖺 𝖬𝗈𝗇𝗍𝗂𝖾𝗅 se inscribe dentro de Topologies of Existence (TOE), un proyecto paraguas cuyo acrónimo es un guiño deliberado a la Theory of Everything, esa llave maestra quimérica que la física busca sin haber encontrado, y alrededor de cuya posibilidad orbitan todas las ramas del proyecto.

Esta exposición en concreto parte de una pregunta simple en su formulación y profunda en sus implicaciones:

¿Puede un cambio interior producir un cambio real en la realidad que habitamos?

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Ana Montiel’s “Coherence Diagrams” is part of Topologies of Existence (TOE), an umbrella project whose acronym deliberately alludes to the Theory of Everything—the elusive master key that physics continues to seek without having found, and around whose possibility all branches of the project orbit.

This particular exhibition begins with a question that is simple in its formulation yet profound in its implications:

Can an inner transformation produce a real change in the reality we inhabit?

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Ana Montiel Qualia / The Language of Birds, 2026
Acrylic, oil pastel and colored pencils on canvas
112 x 125 cm

On view at Ana Montiel: Coherence Diagrams
Until November 14th, 2026. Madrid.

Credits: ©️ Ana Montiel / ©️ Parra & Romero
Photos: Roberto Ruiz Roberto Ruiz

18/10/2026

La escultura es uno de los pilares de la trayectoria de Heinz Mack (Lollar, 1931) y el medio a través del cual ha profundizado más en su investigación sobre la luz, y el ritmo.

Desde principios de los 1960’s se fue centrando en la creación de estructuras tridimensionales realizadas en aluminio, acero inoxidable, acrílico y otros materiales industriales.

Lejos de concebir la escultura como un objeto estático, Mack la entiende como un dispositivo capaz de transformar la luz en una experiencia visual en constante cambio, en la que los reflejos, las vibraciones ópticas y las variaciones atmosféricas convierten cada obra en una realidad siempre cambiante.

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 Sculpture is one of the cornerstones of Heinz Mackˇs (Lollar, 1931) career and the medium through which he has most deeply explored his research into light and rhythm.

Since the early 1960s, he gradually focused on creating three-dimensional structures made of aluminum, stainless steel, acrylic glass, and other industrial materials.

Far from conceiving of sculpture as a static object, Mack understands it as a device capable of transforming light into an ever-changing visual experience, in which reflections, optical vibrations, and atmospheric variations turn each work into an ever-changing reality.

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Heinz Mack Exotic Leaf, 2004
Polished brass
103,5 x 15 x 15 cm 
Credits: ©️ Heinz Mack / ©️ Mack Foundation / ©️ Parra & Romero

16/10/2026

El tiempo y la memoria son los dos temas centrales de la obra del italiano Claudio Parmiggiani.

En esta escultura, incluida en la exposición “Claudio Parmiggiani” realizada en la galería de Madrid en 2022, encontramos varios objetos quemados, como si hubieran sobrevivido a un acontecimiento destructivo. El fuego los ha transformado y ha dejado únicamente su huella, mientras que un reloj de arena de cristal nos recuerda que el tiempo sigue pasando inevitablemente.

La obra reflexiona sobre cómo todo está destinado a transformarse o desaparecer, pero también cómo su huella y memoria permanecen.

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Time and memory are the two central themes of Italian artist Claudio Parmiggiani’s work.

In this sculpture, included in the “Claudio Parmiggiani” exhibition held at the Madrid gallery in 2022, we find several burned objects, as if they had survived a destructive event. Fire has transformed them, leaving only their imprint, while a clear hourglass reminds us that time continues to pass inexorably.

The work reflects on how everything is destined to be transformed or to disappear, but also how its imprint and memory remain.

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 Claudio Parmiggiani
Sin título, 2016 Cristal, hollín, madera y metal 184 x 86 x 54 cm

📸 Vistas de instalación de “Claudio Parmiggiani” (12 de Febrero - 23 de Abril, 2022), Parra & Romero, Madrid.

©️ Claudio Parmiggiani / ©️ Parra & Romero

14/10/2026

La figura humana surge siguiendo el mismo enfoque de Landon Metz en el proceso. Lejos de suponer un alejamiento de la abstracción, estas obras amplían su investigación sobre cómo las formas se hacen perceptibles sin dejar de ser inseparables de las condiciones de las que surgen.

Cuerpos emergen de amplios campos de color, apareciendo y desapareciendo al mismo tiempo. Más que representar individuos concretos, las figuras se convierten en espacios desde los que explorar cuestiones como la presencia y la ausencia, la individualidad y la interconexión, o la relación entre figura y fondo.

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The human figure emerges from the same process-driven approach that has long defined Landon Metz’s paintings. Rather than marking a departure from abstraction, these works extend an investigation into how forms become perceptible while remaining inseparable from the conditions from which they arise.

Bodies emerge from expansive fields of color, appearing and disappearing simultaneously. Rather than portraying specific individuals, the figures become sites through which questions of presence and absence, individuality and interconnectedness, figure and ground can be explored.

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Untitled, 2026 Pigment on raw canvas 160 x 200 cm

On view at “Landon Metz”, at our Ibiza’s gallery, until October 31.

Credits: ©️ Landon Metz / ©️ Parra & Romero

13/10/2026

𝖠𝗇𝖺 𝖬𝗈𝗇𝗍𝗂𝖾𝗅 se nutre de diversas referencias como la biología cuántica, la psicología de Jung, la filosofía taoísta, la tradición alquímica y el pensamiento estoico. Estas disciplinas convergen en la misma intuición: que el observador y lo observado no son separables, y que transformar la mirada transforma el mundo que esa mirada construye.

Diagramas de Coherencia no ofrece respuestas definitivas sobre estos fenómenos, sino que invita a habitarlos como preguntas activas, a reconocer la percepción como una práctica y a considerar que toda transformación comienza, quizá, con una modificación deliberada de la atención.

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Ana Montiel draws on a wide range of references, including quantum biology, Jungian psychology, Taoist philosophy, the alchemical tradition, and Stoic thought. These disciplines converge around the same intuition: that the observer and the observed are inseparable, and that transforming the way we look transforms the world that this gaze constructs.

Coherence Diagrams does not offer definitive answers to these phenomena; rather, it invites viewers to inhabit them as active questions, to recognize perception as a practice, and to consider that every transformation may begin with a deliberate shift in attention.

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Us / Timeline Tendrils within the Simulation, 2026
Acrylic, oil pastel and colored pencils on canvas
112 x 185 cm

On view at Ana Montiel: Coherence Diagrams
September 10th - November 14th, 2026. Madrid.

Credits: ©️ Ana Montiel / ©️ Parra & Romero
Photos: Roberto Ruiz Roberto Ruiz

FísicaCuántica

09/10/2026

Ugo Mulas trabajó ampliamente con la fotografía en color, aunque mantuvo una relación especialmente estrecha con el blanco y negro, entre otras razones porque podía intervenir personalmente en el proceso de impresión:

“Nunca tuve los medios para organizar un cuarto oscuro para color, porque es una tarea bastante compleja, y hacer fotografías en color para luego enviarlas a revelar a un laboratorio, con un color que no se mantiene hasta el final, no me interesa…” – Ugo Mulas.

El Archivo Ugo Mulas, en Milán, llevó a cabo un largo proceso de recuperación digital de las imágenes en color, respetando sus características cromáticas y tomando como referencia aquellas fotografías que habían conservado sus colores originales. Este trabajo de reorganización, catalogación y restauración fue posible también gracias a la colaboración de estudiantes de la Universidad de Milán.

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Ugo Mulas worked extensively with colour photography, although he maintained a particularly close relationship with black and white, among other reasons because it allowed him to personally intervene in the printing process:

“I never had the means to set up a darkroom for colour, because it is quite a complex task, and taking colour photographs only to send them off to a laboratory to be developed –with colours that cannot be preserved in the end– does not interest me…” – Ugo Mulas.

The Ugo Mulas Archive in Milan undertook a long process of digitally recovering the colour images, respecting their chromatic characteristics and using as a reference those photographs that had preserved their original colours. This process of reorganising, cataloguing and restoring the colour archive was also made possible through the collaboration of students from the University of Milan.

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Image: Ugo Mulas. “Sala di Alberto Giacometti”, 1962. Inkjet print on cotton paper. 60 x 42 cm (paper).

Text translated from “Ugo Mulas. La scena dell’arte. Photocolors”, Electa, 2008.

Credits: ©️ Ugo Mulas estate / ©️ Eredi Mulas / ©️ Parra & Romero

Archivio Ugo Mulas

07/10/2026

Del campo de color al gesto.

La pintura de Landon Metz se construye a partir de formas fluidas y expansivas en las que el pigmento se absorbe directamente en el lienzo, generando bordes suaves, transparencias y variaciones que dependen tanto del control como del azar. En el detalle, la superficie revela pequeñas diferencias de densidad, huellas del movimiento y zonas donde el color parece avanzar y retirarse al mismo tiempo.

Este equilibrio entre presencia y ausencia es esencial en su trabajo: las formas no se imponen sobre el lienzo, sino que aparecen en relación con el espacio que las rodea, dejando que la pintura respire y se expanda más allá de sus propios límites.

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From the field of colour to the gesture.

Landon Metz’s paintings are built through fluid, expansive forms in which pigment is absorbed directly into the canvas, creating soft edges, transparencies and subtle variations shaped by both control and chance. Seen in detail, the surface reveals shifts in density, traces of movement and areas where colour seems to advance and recede at once.

This balance between presence and absence is central to Metz’s practice: forms do not simply sit on the canvas, but emerge in relation to the surrounding space, allowing the painting to breathe and extend beyond its own boundaries.

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Untitled, 2026 Pigment on raw canvas 160 x 200 cm

On view at “Landon Metz” at our Ibiza’s gallery, until October 31.
Credits: ©️ Landon Metz / ©️ Parra & Romero

05/10/2026

Reflexión Avisal Áurea, de Almudena Lobera, fue la obra central de su exposición Secuencia Plano Secuencia (2025) en CentroCentro Madrid y que después itineró al Centre d’Art La Panera en Lleida. Esta instalación es un homenaje a David Lynch y a su célebre metáfora sobre el proceso creativo como la pesca de grandes ideas. Un camino delimitado por un telón de “terciopelo azul”, otro guiño lynchiano, avanza hacia las profundidades, hasta el corazón de la propia conciencia, donde habita un pez dorado que salta y se divide en dos mitades simétricas. La instalación convierte el espacio en un recorrido hacia lo desconocido, entre la intuición, la aparición de una idea y aquello que permanece todavía oculto.

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Abyssal Golden Reflection, by Almudena Lobera, was the centerpiece of her exhibition Secuencia Plano Secuencia (2025) at CentroCentro Madrid, which later traveled to the Centre d’Art La Panera in Lleida. This installation pays homage to David Lynch and his famous metaphor for the creative process as the act of fishing for great ideas. A path delineated by a “blue velvet” curtain—another Lynchian nod—leads into the depths, to the very heart of consciousness itself, where a golden fish dwells, leaping and splitting into two symmetrical halves. The installation thus transforms the space into a journey into the unknown, navigating between intuition, the emergence of an idea, and that which remains hidden.

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Reflexión Avisal Áurea, 2025.
Instalación de medidas variables formada por: escultura de porexpan y poliuretano con acabado lacado mate y brillo, base circular y telón fruncido de terciopelo azul.

02/10/2026

Helmut Federle es uno de los pintores abstractos europeos más respetados de nuestro tiempo. Su obra se caracteriza por formas austeras y geométricamente organizadas.

A través de la abstracción, el artista se inscribe en la tradición del modernismo clásico y en su búsqueda de un contenido espiritual dentro de la forma no objetiva.

«Para mí la geometría es una afirmación de lo que la modernidad tiene de clásica» —Helmut Federle.

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Helmut Federle is one of the most respected European abstract painters of our time. His work is characterized by austere, geometrically organized forms.

Through abstraction, the artist situates his practice within the tradition of classical modernism and its search for spiritual content within non-representational form.

“For me, geometry is an affirmation of the classical aspect of modernity”—Helmut Federle.

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Den Vö**ln gefriert der Gesang, 2008
Lápiz sobre papel / Pencil on paper
29,5 x 21 cm / 51,2 x 41,2 cm (enmarcado/framed)

On view at Parra & Romero’s Madrid office.

Dirección

Claudio Coello 14
Madrid
28001

Horario de apertura

Lunes	10:30 - 19:30
Martes	10:30 - 19:30
Miércoles	10:30 - 19:30
Jueves	10:30 - 19:30
Viernes	10:30 - 19:30
Sábado	11:00 - 14:00

Teléfono

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Página web

http://www.parra-romero.com/

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