What are the opening hours?

Tuesday 10:00 - 17:00 Wednesday 10:00 - 17:00 Thursday 10:00 - 15:00 Friday 10:00 - 17:00 Saturday 10:00 - 17:00 Sunday 10:00 - 17:00

毓繡美術館

Name: 毓繡美術館
Address: 南投縣草屯鎮平林里健行路150巷26號, Nantou, 542, TW
Telephone: 049-2572999
Price range: Not applicable
Rating: 4.9

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Nantou
毓繡美術館

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採預約制入館，免費參觀，請事先線上預約。

預約系統全年無休、24 小時開放，開放預約「60 天內」的參觀時段。

當日參觀也能即時預約，建議先加入會員，預約流程會更快速順暢。

線上預約系統｜https://www.yu-hsiu.org/
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毓繡美術館是目前全世界第一間以「當代寫實藝術」為定位的私人美術館，由企業家侯英蓂先生、葉毓繡女士賢伉儷出資興建。希望透過展覽、典藏、研究、教學、駐村等方式，提升台灣藝術創作水準及美感教育，更期望能將台灣年輕藝術家推向國際。

為提供優質的美術館經驗，本館採預約參觀制，以限額的參觀人數，維持館內觀展品質，俾使觀眾能在舒適的空間裡，悠然穿行，享受藝術之美，化眼目的驚豔歡欣為生命中獨特而美好的記憶。歡迎來電 049-2572999 預約參觀。

05/10/2026

框裡框外｜想像的拼貼工作坊
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創作沒有標準答案，也不需描繪具體對象。
它可以是一片風景、一段記憶、一種當下的感受，或是只存在於你想像中的心靈畫面。
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《想像的質地》展覽透過五位藝術家的作品，重新思考當代寫實繪畫如何觀看真實、轉化圖像，以及想像如何在畫面之中發生。作品不只是對現實的再現，也透過選擇、重組、遮蔽與留白，產生不同的聯想與觀看可能。

本次工作坊邀請藝術家吳芊頤，帶領參與者從展出作品出發，重新觀看眼前的圖像，並將觀看過程中的風景、記憶、感受與想像，轉化為獨一無二的個人創作。

活動以「框」作為創作的起點。
參與者將運用紙膠帶、色紙、透明材料等多元素材，在預先製作的白色立體框架中，進行剪、撕、摺、疊與拼貼，讓平面的材料逐漸突破畫面邊界，延伸為具有空間感與光影層次的作品。
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框裡框外｜想像的拼貼工作坊
時間｜2026/10/31(六)13:30-16:30
地點｜毓繡美術館百書咖啡
費用｜單人800元，兩人同行優惠1,500元 (費用含創作材料、甜點及飲品乙份)

04/10/2026

想像的質地｜藝術家｜艾蜜莉‧沃爾夫 Emily Wolfe

⟣ 在紙張與地層之間，重新觀看風景 ⟢

在老物店與跳蚤市場裡，艾蜜莉‧沃爾夫長年蒐集舊版畫，尤其關注紙張本身的磨損、褪色與霉斑。這些紙張承載著圖像，也留下時間經過的痕跡，成為她創作的重要素材。

沃爾夫來自紐西蘭奧克蘭，於奧克蘭大學伊拉姆美術學院（Elam School of Fine Arts, University of Auckland）及倫敦大學學院斯萊德美術學院（Slade School of Fine Art, University College London）學習。她也曾在倫敦參與考古遺址的挖掘工作。白天面對地層，晚上回到工作室繪畫，她逐漸發現兩者之間的聯繫：挖掘一層層移除土壤，繪畫則一層層累積顏料。以描圖紙記錄不同地層的方式，也啟發她重新思考圖像的層次與空間。

她的繪畫從拼貼開始，再經由攝影轉化到畫布上。圖像在反覆複製與轉譯中，逐漸離開原來的情境。即使畫面中出現天空、樹木與山景，她仍將自己視為描繪物件的人：紙張是具有厚度與位置的物件，紙上的風景則與它同時存在，使靜物與風景的界線變得模糊。

⟣ ⟣ ⟢ ⟢

對沃爾夫而言，繪畫讓她得以理解另一個人如何感知與詮釋世界。即使面對數百年前的畫作，她仍能感受到創作者留下的人性與經驗；這份跨越時間的交流，也是她持續選擇繪畫的原因。

此次《想像的質地》（Imaginative Reality）中的作品，以繪畫呈現不同風景片段與紙張交疊的樣貌，留下被遮蔽、斷開或尚未確定的部分。她將這些畫面理解為介於觀察到的現實與想像經驗之間，邀請觀眾帶入自己的記憶與聯想，連接線索，補足畫面中的缺口。

02/10/2026

「玻璃成形以前，是流動的。」

在高溫裡，它變得柔軟，可以拉長、彎曲、堆疊，也會順著自身的重量緩緩垂下。有些變化來自雙手，有些則來自溫度、重力，以及材料自己的選擇。

陳思妏把玻璃拉成細線，讓白色游進透明之中；
將不同的色彩層層疊合，看它們在高溫裡交融。
有時留下氣泡，有時讓原本筆直的線條稍稍偏離。

「玻璃並不總是完全聽話。」

不同的顏色，有著不同的熔融狀態；透明與不透明彼此交疊，也會產生原先沒有預想到的色澤與厚度。

藝術家能做的，是控制它，
也在某些時候，讓它發生。
直到溫度慢慢降下來⋯

那些原本還在流動的線、微微傾斜的輪廓、彼此交疊的顏色，就停在那裡。有些像編織，有些像正在下墜的途中。

玻璃冷卻了，
時間卻留在裡面。

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光をなぞる｜浮現的形
陳思妏 May Chen

#光をなぞる #浮現的形 #陳思妏 #毓繡美術館

01/10/2026

「光をなぞる」。
「浮現的形」。

如果試著翻譯，會發現它們說的並不是同一句話。
這是陳思妏刻意留下的距離。

「可是，光要怎麼描繪呢？」

日文的「なぞる」，有描摹、循著輪廓描繪的意思。
可是光沒有固定的形狀，也無法被握在手中，直到它穿過玻璃。

透明與不透明之間，原本藏在裡面的線條、色彩與氣泡，才慢慢顯露。有時是窗外進來的日光。有時，只是回到家後亮起的一盞黃燈。不同的時間、不同的位置，玻璃也有了不同的樣子。

像是循著一道無法真正捕捉的光，慢慢描摹⋯

到了中文，陳思妏沒有選擇直譯。她想的是，當一件玻璃來到一個空間，遇見光，也遇見觀看它的人，那些原本還看不見的形，才在某個瞬間浮現。

於是有了另一個名字「浮現的形」。

兩種語言之間，留下了一點沒有被翻譯的地方。
也像光一樣，等待我們自己看見。

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光をなぞる｜浮現的形
陳思妏 May Chen

#光をなぞる #浮現的形 #陳思妏 #毓繡美術館

30/09/2026

#想像的質地 #策展概念
「想像，如何發生在再現現實的過程中？」

《想像的質地》從圖像的「不確定」出發，進一步關注：當藝術家改變了事物原有的情境與關係，畫面如何引出新的聯想？而觀者的經驗，又如何參與其中？

在這個展覽裡，再現與想像緊密相連。藝術家對現實的觀察，經過記憶、感知與思考，形成作品；觀者再從作品提供的線索出發，建立自己與圖像的關係。

✲ 從描繪對象，到創造意象 ✲

在策展人宋曉明的思考中，當代寫實繪畫值得探究的，是作品如何透過圖像產生聯想與投射。

當事物的原始情境被消除，畫面細節被簡化，觀看便無法只依靠辨認對象來完成。藝術家所描繪的事物，與作品可能引出的意義之間，留下了一段可以思考與想像的空間。

Emily Wolfe（艾蜜莉・沃爾夫）將風景圖像經過擷取、拼貼，再轉譯為繪畫；Cameron Martin（卡麥隆・馬丁）以合成圖像描繪虛構的自然景觀。兩人的創作都讓風景經歷重新建構，使畫面與原有來源之間的關係產生變化。

Nicholas Middleton（尼古拉斯・米德爾頓）透過單色影像與畫面邊界，使人留意圖像之內與之外的關係；Greet Van Autgaerden（格蕾特・范・奧特加登）將置身自然的感知轉化為色彩與筆觸；宋曉明則以簡化的色塊與逼真的紙膠帶描繪，將記憶與視覺經驗凝結成難以被單一解讀的圖像。

這些作品以不同方式，讓繪畫超越對既有事物的描述。它們保留與現實的聯繫，也透過創作，改變我們理解現實的途徑。

✲ 觀看，也參與了意義的形成 ✲

當作品不再交代完整的情境，觀者便會動用自身的經驗來理解畫面。一道邊緣可能讓人意識到畫外的空間，一處遮蔽可能引發對缺席事物的聯想，而幾個色塊之間的關係，也可能喚起某段記憶。

這些聯想未必相同。觀看從來都帶著個人的經驗與感受，圖像的意義也因此保有開放的可能。

展覽中，各樓層在主要展出的作品之間，穿插其他藝術家的畫作，使這些差異形成具體的對照。同樣的風景、遮蔽或邊界，在相鄰作品中呈現不同的作用，也讓觀者得以重新檢視自己的觀看方式。

✲ 再現現實，也創造理解現實的方式 ✲

對宋曉明而言，當代寫實藝術中的「真實」，存在於理性觀察、感性創造與真實世界的交匯之中。藝術家如何看待世界，以及觀者如何感受作品，都與這份真實有關。

《想像的質地》由此提出：繪畫的價值，可以從它所創造的意象、關係與觀看經驗中被理解。

當現實經由創作成為圖像，圖像又在觀看中引發聯想，再現與想像便持續交會。這也是展覽希望展開的思考——當代寫實繪畫為我們再現了什麼，又在這個過程中，創造了什麼？

29/09/2026

#想像的質地 #策展概念
「當圖像如此熟悉，我們為什麼仍無法確定眼前所見？」

一幅風景、一個日常物件，經過細緻描繪，似乎就能讓我們靠近真實。然而，當它們被抽離原有情境、重新組合，或只留下部分線索，熟悉的樣貌也可能變得難以理解。

由宋曉明策展的《想像的質地》，從當代繪畫中的「不確定」出發，探問圖像與現實之間的關係：當我們認出畫中的事物，是否也就理解了它所呈現的世界？

✲ 在今日，繪畫如何回應現實？ ✲

捕捉「當下」的視覺感知，是寫實主義的重要觀點。隨著時代改變，藝術家所面對的現實，也包含愈來愈複雜的圖像經驗。照片、廣告、電影與既有的藝術作品，持續影響我們如何認識世界，也進入藝術家的創作思考。

在這樣的環境中，寫實繪畫的意義，逐漸延伸至描繪對象背後的現實。畫面中的片段、疏離與不穩定，也可能更貼近當代生活的感受。

《想像的質地》關注的，正是藝術家如何回應這些經驗。他們選擇什麼題材、保留多少細節，如何安排構圖與比例，都使畫中的現實帶有個人的觀點。看似客觀的描繪，其實已經經過主觀思考的介入。

✲ 摘要式的描繪 ✲

策展人宋曉明以「摘要式的描繪」，形容當代寫實繪畫中的一種特質：創作如同過濾器，將藝術家接收到的大量訊息加以精煉，形成畫面中的現實。

這種「摘要」可以保有精細的繪畫技術，同時簡化事物的背景、抽離原始情境，或減少敘事的線索。一片紙張可以被畫得十分逼真，我們卻未必知道它遮住了什麼；一處風景可以清楚可辨，卻無法被對應到某個確切的地方。

再現的準確與意義的不確定，因此同時存在於畫面之中。

✲ ✲ ✲

《想像的質地》集結五位風格不同的藝術家，正是希望透過他們各自的創作，展開對當代寫實繪畫的探討。他們反覆探索熟悉的題材，也逐步改變這些題材被呈現與理解的方式。

「不確定」由此成為展覽的起點。它使我們停留在辨認與理解之間，重新思考：藝術家如何將現實轉化為圖像，而這個轉化的過程，又為繪畫創造了哪些可能？

27/09/2026

#想像的質地 #當代寫實

「以繪畫的技術，挑戰我們對繪畫的想像。」

眼前看似貼附的紙張與膠帶、近似照片的黑白影像，以及彷彿經過印刷的風景，都讓人想走近一點，確認自己究竟看見了什麼。細緻的繪畫技術，呈現出未必符合我們慣常認知的繪畫樣貌，也讓觀看在辨認景物與確認媒介之間反覆游移。

由宋曉明策展的《想像的質地》，集結來自紐西蘭、美國、英國、比利時與台灣的五位藝術家，從圖像的「不確定」出發，探索繪畫如何在再現現實的過程中，開啟想像。

✲ 五位藝術家，五種觀看的線索 ✲

Emily Wolfe（艾蜜莉・沃爾夫）將老舊版畫與紙片的拼貼構圖轉化為繪畫，讓風景在遮掩與層疊中留下時間與記憶的線索。

Cameron Martin（卡麥隆・馬丁）描繪由廣告圖像合成的虛構風景，使畫面呈現近似攝影或印刷的視覺效果。

Nicholas Middleton（尼古拉斯・米德爾頓）以單色調轉譯日常影像，透過畫面與邊框的關係，提示圖像之外未被呈現的空間。

Greet Van Autgaerden（格蕾特・范・奧特加登）以鮮明的色彩與筆觸，呈現身體置身自然的感知經驗。

宋曉明則以節制的色塊、留白與逼真的紙膠帶描繪，將現實記憶與視覺經驗濃縮為圖像，留下可供辨認、卻難以立即解讀的線索。

✲ 在三個樓層之間，交會與對照 ✲

這些不同的繪畫語言，也在三個樓層之間彼此交會。各樓層在主要展出的作品之間，穿插其他藝術家的畫作，讓色彩、構圖與創作概念相互映照。

同樣的遮蔽手法、邊緣處理或風景題材，在不同藝術家的作品中，發展出各異的觀看經驗。作品之間的並置，也成為理解展覽的重要線索。

再現之中，想像如何發生？

繪畫中的「再現」，包含了想像的介入。藝術家透過擷取、重組、遮蔽與留白，改變熟悉事物的樣貌；觀者則在辨認圖像的過程中，帶入自身的記憶與經驗，對未被描繪的部分產生聯想。

那些看似逼真的細節，既讓人相信眼前所見，也可能動搖我們對真實的判斷。《想像的質地》由此追問：當代寫實繪畫在再現現實的過程中，又創造了什麼？

⋯

展覽開展一週，透過這組展場照片與開幕合照，分享展覽現場，也邀請你走進展場，從作品的細節與彼此的對照之中，探索再現與想像的關係。

25/09/2026

⏾ ⋆.˚月的質地，秋的團聚 ❍⋆˙⟡

願每一次相聚，都是溫暖而美好的記憶。
毓繡美術館祝福大家 2026中秋佳節愉快

想像的質地｜艾蜜莉‧沃爾夫 Emily Wolfe｜半幻日 Half Mock Sun ｜2021｜油彩、麻布｜50 x 40 cm
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𓂃✍︎ 當期展覽 𓂃✍︎
想像的質地｜展覽館
光をなぞる｜浮現的形｜文創空間

9/25（五）中秋節、9/28教師節（一）休館
9/26（六）、9/27（日）正常營業
連續假期參觀人潮較多，建議提早預約參觀：https://www.yu-hsiu.org/visit

24/09/2026

▶ 國定假日休館公告 ◀
9/25（五）、9/28（一）｜休館
9/26（六）、9/27（日）｜照常開放

▶ 目前展出 ◀
想像的質地｜展覽館
光をなぞる｜浮現的形｜文創空間

連續假期參觀人潮較多，建議提早預約參觀：https://www.yu-hsiu.org/visit

17/09/2026

#展演回顧｜當美術館「空」下來，我們看見了什麼？
《 #殘缺的對稱》在上週日落幕。

從9月1日開始，我們暫時讓熟悉的視覺作品退場，讓美術館近乎「空」下來。兩週裡，聲音裝置、環境聲景、錄像與文字譜陸續進入不同空間；十一位來自不同音樂背景的音樂家散布於園區，從一張卡片、一段對話開始，為眼前的一位觀眾演奏3至5分鐘。

有人循著聲音走過平常可能直接經過的轉角，有人在展場裡聽見來自美術館周遭聚落的聲音，也有人坐在一位原本不認識的音樂家面前，聊了一會兒，再聽一段只在彼此之間發生的演奏。

到了最後兩日，作曲家、樂手與合唱團共同走進建築與山林，也讓散布在兩週展演裡的線索逐漸聚集起來。

林芳宜與林桂如共同創作的〈回想／迴響〉，讓幕聲合唱團與大聲室內樂團的演出者散布於草地、建築與樹林之間。沒有固定的觀眾席，也沒有唯一的觀看方向，觀眾跟著聲音移動、停留、轉身，一邊尋找演奏者，一邊看見平常可能匆匆走過的建築轉角、樹木、天空與遠山。

夏末的陽光、汗水與腳步成為演出現場的一部分；作品裡的鳥鳴、石頭敲擊與器樂演奏，又和現場的蟲鳴、風聲、樹葉摩擦彼此疊合。有時候甚至很難分辨，耳中聽見的究竟是作品，還是山林自己發出的聲音。

從戶外走進一樓展場後，CUBE BAND演奏林芳宜《GUA》與安娜・瑪麗亞・路德里格《更細微的意義層次》，樂器、電子聲響與清水模建築的回音再次交疊，空間本身也成為聲音發生的一部分。

回頭整理這兩週的照片，也再次回到這次展演提出的一個問題：「真實」一定要眼見為憑嗎？

毓繡美術館長期從「當代寫實」思考藝術如何觀看、描繪與理解現實。這一次，我們試著把這個問題從視覺延伸到身體與感知：循著看不見來源的聲音移動，以腳步丈量空間，感受戶外的溫度與風，或者接受一位陌生音樂家只為自己演奏。

當熟悉的觀看對象暫時退開，美術館並沒有因此變得「什麼都沒有」。反而是一些原本容易被忽略的事物開始變得清楚：建築裡的回音、山林的聲音、光線與溫度、人的腳步，以及不同的人在同一個地方短暫交會。

這也是我們選擇在十週年讓美術館暫時「空」下來的原因。十年累積的，不只有曾經展出的作品與活動，也包括藝術家、觀眾與工作者在這座建築裡留下的生活痕跡。

隨著《殘缺的對稱》落幕，美術館十週年的階段性回望，也在這裡告一段落。展覽會換，山林還在。接下來也歡迎時常回來走走，在美術館看展、散步，偶爾也讓自己在山林裡充個電。

Address

南投縣草屯鎮平林里健行路150巷26號
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Opening Hours

Tuesday	10:00 - 17:00
Wednesday	10:00 - 17:00
Thursday	10:00 - 15:00
Friday	10:00 - 17:00
Saturday	10:00 - 17:00
Sunday	10:00 - 17:00

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