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Le Mont Art Space, 新興區中正三路120號, Kaohsiung (2026)

04/05/2026

So glad TTV News came by and featured “We Mustn’t Make Too Much Noise” at LeMont Art Space during the opening.

This project has never been just about a single exhibition,
but about slowly shaping a space where different voices, experiences, and visual languages can meet.

Through what we do, we hope to build a meaningful connection between Kaohsiung and the wider international cultural landscape.

Bringing together artists and perspectives from different contexts, and letting these exchanges unfold over time.

We’re grateful for every moment, every conversation, and everyone who’s been part of this.

27/04/2026

《We Mustn’t Make Too Much Noise》開展當天，現場聚集了眾多朋友與藏家，
在同一個空間裡，一起觀看、交流，
也一起感受這次展覽所帶來的能量。

這次我們從海外帶來七位極具潛力與代表性的藝術家，
首次在台灣展出於 LeMont Art Space。

他們長期活躍於國際藝術場域，
作品持續在重要畫廊體系中推進且進入他們藝術生涯上升階段。

當這些作品同時出現在這個 LeMont 空間裡，
不只是一次展覽，
更像是一個將國際視野帶入高雄的瞬間。

謝謝當天到場的每一位，
讓這個 opening 不只是熱鬧，
而是有溫度、有交流、有真正被感受的存在。

希望 LeMont Art Space 可以透過藝術，讓高雄變成跟國際文化接軌的橋樑。

On the opening day of We Mustn’t Make Too Much Noise,
we had a great turnout of friends and collectors,
all coming together in the space to view the works, connect,
and experience the energy of the show.

For this exhibition, we brought in seven highly promising and distinctive artists from overseas,
presented in Taiwan for the first time at LeMont Art Space.
All of them are actively developing within the international gallery system,
with their work continuing to gain traction
as they move into an important rising phase of their careers.

Seeing these works come together in the LeMont space,
it feels like more than just an exhibition—
but a moment where an international perspective meets Kaohsiung.

Thank you to everyone who joined us that day.
It wasn’t just an opening,
but something with real presence, real exchange, and something you could actually feel.

Through art,
LeMont Art Space hopes to become a bridge
connecting Kaohsiung with the international cultural scene.

25/04/2026

Le Mont Art Space 於 2026 年 4 月 17 日起呈現國際群展
《We Mustn’t Make Too Much Noise》

本展由 Michael Lee 與荷蘭策展人 Thom Oosterhof 共同策劃，
匯聚七位活躍於國際藝術場域的藝術家：
Gabe Cortese、Noelia Towers、Caroline Absher、Effie Wanyi Li、Dana James、Kathryn Kampovsky、Iva Gueorguieva。

來自不同文化背景與創作脈絡的他們，
持續於國際畫廊體系中推進，
並逐步進入美術館與藝術機構的收藏與討論。
每一位藝術家，皆處於清晰且持續上升的創作軌道之中。

《We Mustn’t Make Too Much Noise》並不試圖以強烈聲量吸引注意，
而是在節制與內斂之中，
讓作品本身形成穩定而深層的張力。

當這些創作在同一空間中並置，
所呈現的，是一種彼此牽引、持續生成的狀態。

我們誠摯邀請你，走進這個空間，
感受這些作品在安靜之中所帶出的力量。

—

Opening｜2026.04.17 — 2026.06.15
Hours｜14:00 – 18:00（預約參觀）
Venue｜Le Mont Art Space
高雄市新興區中正三路120號

15/04/2026

在 Gabe Cortese 的畫面裡，人物從來不是完整的。他們總是被拉扯、延展、重疊，像是在時間與情感之間被不斷揉捏過的存在。身體在他的作品中並不是穩定的結構，而是一種可以被改寫、被滲透、甚至被他人佔據的容器。
他並不單純在描繪「兩個人」，而是在描繪一種關係—一種介於親密與距離之間、渴望與失落之間的狀態。那些看似擁抱的身體，其實往往帶著微妙的不協調：肢體過長、關節錯位、姿態既親近又疏離。這些變形不是風格選擇，而是一種心理現實的呈現—當愛與慾望無法被完全回應時，身體本身就開始失去穩定性。
他經常將自己與伴侶的形象融合成一個模糊的「角色」，這個角色既是自我，也不是自我；既是對方，也不是對方。在這樣的處理之中，「個體」逐漸消失，只剩下一種關係的殘影。觀者看到的不是肖像，而是一段關係的情緒記錄——一種被時間壓縮過的親密經驗。
這樣的處理，使他的作品帶有一種非常特的張力：
它們看起來柔軟、甚至溫柔，但內部卻充滿不安與拉扯。

• 出生：約1990年代（美國）
基地：美國（紐約洛杉磯系統活動）
• 媒材：油畫（以具象為主）
Gabe的創作主題重點會放在：
•室內場景
• 身體人物片段
• 親密關係與距離
•靜態情緒
Education
•MFA-University of Central Florida (2021)
• BFA— University of Central Florida （2017）
Cortese 的畫面往往帶有一種近似宗教繪畫的戲劇性，但這種戲劇性並不來自敘事事件，而是來自身體本身。他借用了文藝復興與矯飾主義（Mannerism）中對人體的誇張處理—拉長的比例、扭曲的姿態、非自然的動勢一但他將這種語言從宗教神話中抽離，轉而放入當代的情感與身份議題之中。
如果說古典人體藝術是為了表達神性，那麼 Cortese 的人體藝術，則是在處理「脆弱」。
他的身體不是理想的，而是容易崩解的；不是穩固的，而是流動的。
他對色彩的使用也非常關鍵。畫面中經常出現柔和卻不安定的色調—粉色、藍色、灰紫色—這些顏色一方面營造出親密與溫柔的氛圍，但另一方面也讓畫面失去現實的重量，像是一段記憶，而不是一個當下。這種色彩策略，使他的作品總是帶著一種「已經發生過」的距離感。
在筆觸上，他保留了大量的修正痕跡（pentimento），讓觀者可以看到畫面被反覆建構的過程。這些痕跡不是瑕疵，而是時間的證據一一每一層覆蓋，都是一種情緒的改寫
猶豫與修正後的殘

15/04/2026

Kathryn Kampovsky是一位以自學方式建立創作語言的藝術家，目前活躍於美國與歐洲畫廊體系之中。她的繪畫並不依附於傳統學院脈絡，而是直接從個人經驗與心理狀態出發，發展出具有高度辨識度的視覺語言。
她以油彩與壓克力進行多層堆疊創作，讓畫面保留時間累積的痕跡。這些層次並非單純形式，而是一種將「過程」留在作品中的方式，使畫面呈現出介於完成與變動之間的狀態。
在創作上，她關注人如何在不穩定的環境中建立心理位置。畫面中的身體經常處於扭曲、滲透與與空間融合的狀態，使「內在與外在」的界線被打破。她的作品並非描繪人物，而是將情緒、記憶與身體感受轉化為一種可被觀看的心理結構。
• 出生：1997（約28歲）
• 出生地：美國 Atlanta
• 現居地：Atlanta, USA
• 背景：自學（Self-taught）

Kampovsky 透過層層堆疊的繪畫語言，將情緒、記憶與身體感轉化為一種介於人物與空間之間、持續愛動且帶有心理張力的視覺結構。
Kampovsky於2021年在倫敦 Pontone Gallery 舉辦個展《Do No Harm》，正式進入歐洲畫廊體系；2023年於美國 Scott Miller Projects 舉辦個展《Trust Fall》，持續擴展其國際曝光。
其後參與多項國際群展（洛杉磯、斯圖加特、羅馬、阿姆斯特丹等），並入選《New AmericanPaintings》，逐步進入當代繪畫的觀察名單。
目前她與 Pontone Gallery（倫敦）、Scott Miller Projects（美國）及 Johnson Lowe Gallery
（亞特蘭大）合作，已進入國際畫廊網絡

Solo Exhibitions
2023: Trust Fall Scott Miller Projects (USA)
2021 : Do No Harm Pontone Gallery (London)
Group Exhibitions
2026
We Mant Make Too Much Noice Lemont Art Space (Taiwan)
2025
Encounters: Johnson Lowe Gallery (Atlanta)
2024
Affection (curated by Thom Oosterhof) - Amsterdam
Residency - Primary Projects (Miami)
2023
Hat Trick - Los Angeles
Daily Poison - Stuttgart, Germany
Untitled / Art Fair（相關平台：David Zwirner network）
2022
Femininity - Los Angeles
Exit 26 - Rome
Touch Wood - London
Water is Not for Sale - Montreal

14/04/2026

Effie WanYi Li
Effie 的創作核心在於探討「身體、感知、情緒」三者間的內在聯繫：
身體作為知覺場域：她不將身體視為靜止的物件，而是一個動態的容器。她關注肉體在極端情緒（如焦慮、慾望、創傷）下的生理反應，並將這些隱形的力量轉化為具象的繪畫語言。
暫停與流動的張力：作品中常出現類似組織、肌肉或液體的流動感，象徵情緒在體內流淌。她透過精確的筆觸模擬「貼近身體」的感覺，引發觀者的觸覺共鳴。
內在景觀的轉化：她試圖從「身體」的存在意識中深化思考層次，將幽微的心理狀態（如心理陰影、自我修復）描繪成帶有超現實色彩的生物形態或器官感景觀。

Effie Wanyi Li（李婉怡），1995年生於中國，現居住並創作於倫敦。她是當代新銳繪畫界中，極少數能將英倫學院派理論與高度感官化繪畫語言結合的藝術家。
2023：英國皇家藝術學院（Royal College of Art, RCA）繪畫碩士（MA）。
2019：倫敦中央聖馬丁藝術與設計學院（Central Saint Martins, CSM）美術學士（BA）。
。藝術市場中，學歷不僅是名片，更是抗跌保證。先後取得CSM 學士與 RCA 碩士，代表其創作邏輯經過嚴謹的英系現象學訓練。這種背景的藝術家通常具備長達30年以上的創作生命週期，不易受短期市場流行色調或題材汰換而崩盤。
◎ 她同時獲得羅馬（T293）與北京（SPURS Gallery）等重點畫廊的認可。這種「全球同步上升」的態勢極為罕見，代表其視覺語彙（身體、感知、情緒）具有普世性，能同時吸引東西方頂級藏家的青睞，流動性（Liquidity）極高。
◎ 在當代具象繪畫大熱的趨勢下，許多人模仿數位濾鏡，但 Effie 真正做到了從「身體內部」出發的器官感繪畫。那種流動、結狀、帶有疼痛與修復感的筆觸，已形成強烈的標誌性（Signaturity）。在藝術市場中，「一眼就能認出是誰的作品」是增值最快的核心動力。
• 雖然年輕但目前她已成功打入 Thaddaeus Ropac 與 Perrotin 等藍籌畫廊的群展名單。依照此路徑，未來2-3年內，預計會有歐洲或亞洲的中型私人美術館（如龍美術館、余德耀美術館或歐洲非營利藝術基金會）為其舉辦專題個展。一旦進入美術館個展階段，其一級市場單價將迎來爆發式跳升。
•她正從「貼近身體」轉向「深化思考層次」。未來作品可能會結合更多關於生命政治、創傷修復與生物科學的跨界討論，這將提升其作品在學術界的「被引用率」，進而鞏固其作為「思想型藝術家」的地位

個展
2025
“線鎖，線索”，馬刺畫廊，北京，中國2024
"Yet Always Blooming"
，T293 Gallery，羅馬，意大利
群展
2026
We Musn't Make Too Much Noice, Lemont Art Space Taiwan
2025
“Modern Nature”，William Hine Gallery，倫敦，英國 “Fragments of Reality” ，VinVin Gallery，維也納，奥地利
“Cell Struggles"，Foundry Seoul，首爾，韓國“捕雲者”，貝浩登，上海，中國2024“Holidays”，Harper’s Gallery，紐約，美國
"Embodied Form: Painting Now" › Thaddaeus Ropac• t • "Metamorphosis" › F2T Gallery • *
蘭，意大利
"Embodied Perspective: A Dialogue in Forms"
，Bremond Capela，巴黎
2023
“How Things Hold”，T293 Gallery，羅馬，意大利 “London Calling”，Unit London，倫敦，英國

14/04/2026

Caroline Absher成長於美國南方，目前工作與生活於紐約布魯克林。她畢業於紐約的 PrattInstitute，屬於當代繪畫中典型的紐約學院體系背景。這樣的訓練，使她在創作初期即建立起穩定的繪畫基礎，同時也讓她的作品能夠快速進入國際畫廊與藝博會體系。
Absher 的創作主要以油畫為核心，畫面往往從抽象的筆觸與色塊開始，在繪畫過程中逐漸生成人物與形體。這種「從抽象生成具象」的方式，使她的作品始終處於一種流動的狀態—人物並非被明確描繪，而是像從情緒與顏料之中浮現出來。她的畫面因此帶有強烈的直覺性與生成感，而非預先設計的構圖。
在主題上，Absher 長期關注潛意識、情緒以及女性主體的內在狀態。她筆下的人物經常呈現出一種既凝視又內縮的狀態，彷彿同時存在於外在世界與自身心理之間。這些身體並不穩定，時而溶解、時而重組，與背景的自然元素或色彩場域交織在一起，使畫面形成一種介於人物、風景與情緒之間的混合空間。
出生：1994
出生地：美國 North Carolina
（南卡北卡成長背景）
現居地：Brooklyn, New York
學歷：BFA（或相關藝術學位）
Pratt Institute
Caroline Absher 的創作來自直覺，而不是結構。她通常從抽象開始，讓畫面在過程中自然生成人物與情緒形體。
她在乎的是
• 潛意識與情緒狀態
• 女性身份與內在凝視
• 人與自然/靈性之間的關係
她的繪畫不是在描繪人物，而是在讓情緒自己長出形體
她的繪畫並不試圖提供敘事或明確解釋，而是透過顏色、筆觸與形體的流動，讓觀者直接進入一種感知狀態。這種處理方式，使她的作品在當代繪畫中佔據一個重要位置—一種結合抽象語言與具象感知、同時具備市場接受度與藝術深度的中間區域。
在展覽與市場發展上，Absher 已經建立起相對成熟的國際基礎。她於紐約 Fredericks & Freiser 舉辦多次個展，包括《Back to Oz》（2023）與《Persona》（2025），並於 The Journal Gallery（紐約與洛杉磯）推出個展《TheSilver Cord》（2025）。此外，她亦曾於芬蘭 Makasiini Contemporary 舉辦個展《Earthbound》（2022），顯示其創作已進入歐洲與美國的畫廊網絡。
值得注意的是，Absher 的作品已被 Portland Museum of Art納入收藏，這代表她已正式進入機構系統。相較於許多年輕藝術家仍停留在畫廊與市場階段，她已跨越至被美術館認可的層級，顯示其創作已具備一定程度的歷史與文化價值判斷。

美術館/機構：
Portland Museum of Art（永久收藏）
已進入「institutional stage（機構階段）」
Solo Exhibitions
2025: The Silver Cord The Journal Gallery (Los Angeles)
2025
: Persona Fredericks & Freiser (New York)
2023 : Back to Oz Fredericks & Freiser (New York)
2022 : Earthbound Makasiini Contemporary (Finland)
2022 : Tennis Elbow The Journal Gallery (New York)
Group Exhibittion
2026: We Mant Make Too Much Noice Lemont Art Space Taiwan
2024: The Armory Show(2022/2023/2024)
2024: Independent New York
2023: The Armory Show
2022 : The Armory Show
Loyal Gallery (Stockholm)
V1 Gallery (Copenhagen)
Shrine (Los Angeles)
Green Family Art Foundation (Texas)
Thierry Goldberg Gallery (New York)
AM/PM Gallery (London)

13/04/2026

Noelia Towers
美麗與不安的共生
物化與身份：她常將人體呈現為「物件」。透過皮革、繃帶或精細的服飾，她模糊了「保護」與「束縛」之間的界線。
凝視的權力：她的作品中，主體往往不與觀者產生眼神交流（臉部常被遮擋）。這種「去人臉化」迫使觀者將注意力集中在肌理與質感上，引發關於「誰在觀看、誰被擁有」的思考。
材質與觸感：Towers 對於絲滑綢緞與冰冷乳膠的描繪極其逼真，營造出一種既想觸摸又令人感到壓抑的矛盾感。

姓名：Noelia Towers （b.1992）
出生：西班牙巴塞隆納
現居：美國芝加哥教育經歷：
2014 ：芝加哥藝術學院（School of the Art Institute of Chicago, SAIC）美術學士（BFA）
創作特徵：Towers 擅長以冷峻、高精細度的油畫筆觸描繪受限制的肢體、被遮蔽的面孔，以及極具質感的織物（絲網、乳膠、尼龍）。作品風格遊走於超現實主義與當代情慾美學之間。
作品經常描繪「受困、緊張、不安」的女性場景，使用富電影性、夢境般的敘事方式表現人物內心世界。這些作品往往既濃烈又帶有暗示性的故事感，挑戰傳統女性形象的物化與膚淺表徵。
她表示自己多以自我為模特拍攝照片，再以之為繪盡參考，因此每一幅肖像畫既源於自我，也具備深刻的情感共鳴。
探索痛苦與快樂、力量與脆弱之間的張力，尤其對於身體經驗、慾望、親密關係的細膩處理，讓畫面既流露張力又不失美感。
她繪畫中的物件像戒指、珠寶、刀剪等，不只是靜態題材，而是象徵生命、承諾、脆弱與時間的延續，反映個人與集體的歷史與情感。
她提及過受心理学家樂格（Carl Jung）的集體潜意識概念影響，透過畫作營造一種跨文化、跨人格共鳴的象徵語言。
重要機構收減
(Public Collections)
作品收藏與學術認可於：
• Institute of Contemporary Art Miami
• SCAD Museum of Art
• 學術認可：2024年進入 MCA Chicago（芝加哥當代藝術博物館）的展覽名單，代表她已跨出畫廊商業體系，獲得主流美術館的學術關注。
• 機構收藏：她的作品目前主要被美國一線私人收藏基金會（如 Green Family Art Foundation）所納入，這類基金會的收藏動向通常是二級市場（拍賣
主要被美国一線私人收碳基金会（如 Green Fa
行）的風向球。
• 未來定位：隨著她被 Jeffrey Deitch 等權威策展人選中，預計其作品將逐步進入美國與歐洲重要美術館的永久館藏名單。
• 在當代具象繪畫回潮的趨勢中，Towers 的作品具備極高的視覺辨識度。她的風格不僅迎合了傳統收藏家的寫實審美，也觸及了當代性別政治與身分認同的尖銳議題

13/04/2026

Dana James
時間的全景（panorama oftime）」與「視覺日誌（visual diaries）」，她的畫布不只是圖像，而像是一段段內在經驗的切片、記憶的拼貼。這些碎片可能是夢境中的殘影、童年的氣味，或者是一段逝去關係的殘痕。
她的創作不是線性的敘事，而是像時間被剪輯、交錯，產生多重的時態與情緒層次。這使觀眾在觀看時，不是閱讀某個主題，而是進入她主觀時間的流動空間。
Dana 的畫面融合抽象與具象元素，例如她會在色塊與筆觸的抽象場域中藏入模糊的人影、山形、水面或某些符號化的風景。這種方式讓她的作品具有一種詩意的懸浮感：你彷彿能辨識某些東西，卻又不完全確定。
她自己曾說：
"My work is marked by nostalgia... a shifting light in each piece, a literal
'glow'"
（我的作品總帶著懷舊感••⋯每幅畫裡都有光在移動，一種字面上的「發光感」。）這「光」可能是內心的轉折，也可能是時間的殘照。

姓名：Dana James （b.1986）
出生：美國紐約州，現居住於布參克林。
教育經歴：
2008：紐約視覺藝術學院（School of Visual Arts, SVA）美術學士（BFA）。
創作特徵：James 的繪畫常具有「發光」的特質，她擅長將透明的絲綢、染色的織物拼貼在畫布上，並與厚重的顏料或噴漆產生對比。她的風格披評論界視為當代浪漫主義與抽象表現主義的融合。
光影、材料與地質記憶
1.分層與拼貼（Layering & Collage）：她常使用絲網作為畫布的一部分，利用其透光性層層堆疊。對她而言，這種堆疊代表了「時間的沉積」與「記憶的碎片」。
2.自然的抽象化：雖然是抽象畫，但作品中常能感受到地平線、海洋或天空的殘影。她試圖捕捉自然界中轉瞬即逝的光感（如日落、海水的反光）。
3.色彩與情緒的連結：她的色調從深邃的午夜藍到明亮的霓虹粉，反映出她對「美」與「憂鬱」並存的哲學思考。
美術館與機構的介入
• 機構收藏：她的作品已被 Museum ofthe City of New York（紐約市立博物館）納入典藏。
• 學術認可：由於她的作品在技法上具有極高的複雜度，近期頻繁進入 Hollis Taggart與 Perrotin 等兼具學術與市場影響力的畫廊視野，顯示其「學院派抽象」的地位正在提升。
• 機構介入：預計隨著 2024-2025年的密集展覽，其大尺幅作品將開始進入美國東岸重要的區域性美術館（如 Hudson River Museum）的收藏名單。
•UBS（瑞銀）
• Bank of America（美國銀行）
• Lion Tree Capital
• ISLIP 藝術館（紐約）
她也被《Daily Collector》選為「未來十年最值得開注的二十位畫家」之一。

12/04/2026

IVA GUEORGUIEVA(B. 1974）是當代傑出的抽象藝術家，以極具動能、層次複雜的混合媒體繪畫與雕塑聞名。她的作品深受保加利亞移民背景影響，展現出混亂與秩序間的劇烈拉扯。
GUEORGUIEVA 的藝術哲學深受其成長背景影響。1989年保加利亞共產政權倒台時，她正值青少年，親眼目睹了社會體系的徹底瓦解。
混亂與動能（ORCHESTRATED CHAOS）：她認為繪畫不是安排形狀，而是「將身體、記憶與世界帶到表面」。她的作品常呈現一種「狂熱的能量」，反映出當代生活的複雜與動態不安。
情感的地形圖（TOPOGRAPHY OF EMOTION）：她曾描述大型作品是「地方與可能事件的肖像」；
就像面部表情是情緒的地形，她的畫作記錄了社會與物理現實的複雜關係。
敘事與抽象的滲透：儘管畫作初看是完全的抽象，但其中常隱含肢體、建築碎片或神秘機械的殘影，探討關於美、暴力、孤立、性與死亡的故事

不只是「畫家」，更是一位「物質的構築者」。
分層與拼貼（LAYERING & COLLAGE）：她會反覆在畫布上黏貼染色的紙張與織物，隨後再進行剪裁、撕裂或磨損。這種「建立後再剝離」的過程，象徵著記憶與身份的層層堆疊。
身體性的介入：創作對她而言是極度消耗體力的行為。她提到創作時「膝蓋會變青紫，畫筆會從手中滑落」，這種身體的疲憊與斷裂感，會轉化為畫布上的痕跡。
跨媒介的共感（SYNESTHESIA）：她致力於探索繪畫、聲音與舞蹈的連結，強調「觸覺性」的介入。對她來說，藝術是一種「感覺得到但聽不見的微弱振動」
* 出生：1974年生於保加利亞索菲亞，1990年移民美國。
* 現居：美國洛杉磯。
* 教育經歴：
* 2000-2001 天普大學（TEMPLE UNIVERSITY）藝術史研究所。
* 2000 泰勒藝術學院（TYLER SCHOOL OF ART）繪畫碩士（MFA）。
* 1997 BFA - TYLER SCHOOL OF ART.
* TYLER SCHOOL OF ART 在美國是很強的繪畫體系學校。
主要展覽紀錄（SELECTED EXHIBITIONS）格奧爾基耶娃與多家國際頂尖藝廊長期合作，展覽足跡遍佈美歐。
* 個展：包含2025年 DEREK ELLER GALLERY（紐約）、2024年 NIGHT GALLERY（洛杉磯）、2022年GAVLAK GALLERY（棕櫚灘）、2020年UTAARTIST SPACE（洛杉磯）及2007年 BENTON MUSEUM OF ART（克萊蒙特）。這些都是當今的藍籌一綫藝廊。
* 群展：曾參與 2014年洛杉磯郡立美術館（LACMA）的 VARIATIONS: ABSTRACT PAINTING 展覽以及 2013年華盛頓特區 LUTHER W.BRADY ARTGALLERY 的展出。

藝術機構與美術館典藏
其作品被多家權威機構永久收藏，確認了其學術地位：
* 洛杉磯郡立美術館（LACMA）
* 洛杉磯富代藝術博物館（MOCA）
* 聖地牙哥當代藝術博物館（MCASD）
* 明尼阿波利斯藝術學院（MIA）
* 本頓美術館（BENTON MUSEUM OF ART / POMONA COLLEGE）
* 加州大學聖塔芭芭拉分校藝術、設計與建築博物館（AD&A MUSEUM）
美術館很受少收藏抽象藝術家的作品，但IVA是少數抽象藝術家被多個美術館跟機構收藏之一

12/04/2026

Le Mont Art Space 將於四月17日呈現國際群展
《We Mustn’t Make Too Much Noise》
由策展人 Michael Lee 與荷蘭策展人 Thom Oosterhof 共同策劃。

本展匯聚七位活躍於國際藝術場域的藝術家：
Gabe Cortese、Noelia Towers、Caroline Absher、Effie Wanyi Li、Dana James、Kathryn Kampovsky、Iva Gueorguieva。

這些藝術家分別來自不同文化與創作脈絡，
其作品持續於國際重要畫廊體系中推進，
並逐步進入美術館與藝術機構的收藏與討論之中。
在各自的創作路徑上，皆展現出明確而持續深化的方向。

《We Mustn’t Make Too Much Noise》並不以張揚為目的，
而是在節制之中，讓作品本身形成穩定而深層的張力。
當這些創作在同一空間中並置，
所呈現的，是一種彼此牽引、持續生成的狀態。

Le Mont Art Space 誠摯邀請您撥冗出席，
與我們一同分享這次展覽所展開的當代視角。

展期時間｜2026.04.17-06.16
地址｜Le Mont Art Space
高雄市新興區中正三路120號

Le Mont Art Space

04/05/2026

27/04/2026

25/04/2026

15/04/2026

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