Muzeul de Arta Vizuala Galati

Muzeul de Arta Vizuala Galati Muzeul de Arta Vizuala din Galati este primul muzeu de arta contemporana romaneasca din tara.

Expoziția 𝗜𝗱𝗲𝗹 𝗜𝗮𝗻𝗰𝗵𝗲𝗹𝗲𝘃𝗶𝗰𝗶. 𝗟𝗶𝗻𝗶𝗮 𝘀̦𝗶 𝘃𝗼𝗹𝘂𝗺𝘂𝗹 s-a încheiat duminică prin proiecția documentarului 𝙄𝙖𝙣𝙘𝙝𝙚𝙡𝙚𝙫𝙞𝙘𝙞, 𝙪𝙣𝙚 𝙫𝙞𝙚...
18/08/2026

Expoziția 𝗜𝗱𝗲𝗹 𝗜𝗮𝗻𝗰𝗵𝗲𝗹𝗲𝘃𝗶𝗰𝗶. 𝗟𝗶𝗻𝗶𝗮 𝘀̦𝗶 𝘃𝗼𝗹𝘂𝗺𝘂𝗹 s-a încheiat duminică prin proiecția documentarului 𝙄𝙖𝙣𝙘𝙝𝙚𝙡𝙚𝙫𝙞𝙘𝙞, 𝙪𝙣𝙚 𝙫𝙞𝙚 𝙖̀ 𝙡’𝙤𝙚𝙪𝙫𝙧𝙚, realizat de Bernard Balteau și Yvon Lammens.

După un parcurs construit în jurul sculpturilor, desenelor și documentelor păstrate în patrimoniul Muzeului de Artă Vizuală Galați, filmul a adus în spațiul expoziției imaginea în mișcare, vocea artistului, atelierul, lucrările și pe oamenii care i-au fost aproape.
Un ultim context pentru întâlnirea cu opera lui Ianchelevici ce a completat, dintr-o perspectivă documentară, direcțiile urmărite în expoziție — de la linie și construcția formei la figură, relație, comunitate și apropierea de natură.

𝗜𝗱𝗲𝗹 𝗜𝗮𝗻𝗰𝗵𝗲𝗹𝗲𝘃𝗶𝗰𝗶. 𝗟𝗶𝗻𝗶𝗮 𝘀̦𝗶 𝘃𝗼𝗹𝘂𝗺𝘂𝗹 a reunit lucrări și documente din fondul păstrat de Muzeul de Artă Vizuală Galați și a fost deschisă publicului în perioada 24 iunie – 16 august 2026, curator - Cristiana Culiță, muzeograf.

Mulțumim celor care au fost alături de noi la proiecție și pe parcursul întregii expoziții.


Fotografii: ©️ Muzeul de Artă Vizuală Galați (Eduard Wischegg)

LUCRAREA SĂPTĂMÂNII Gheorghe AnghelCap de femeie ​În sculptura românească a secolului al XX-lea, Gheorghe Anghel ocupă o...
17/08/2026

LUCRAREA SĂPTĂMÂNII

Gheorghe Anghel
Cap de femeie

​În sculptura românească a secolului al XX-lea, Gheorghe Anghel ocupă o poziție distinctă, configurată la întâlnirea dintre observarea atentă a realității, rigoarea construcției și căutarea unei expresivități esențializate. Interesul său constant pentru figura umană s-a manifestat cu precădere în portret, gen în care particularitatea trăsăturilor devine punctul de plecare al unei investigații asupra dimensiunii psihologice a modelului. Lucrarea „Cap de femeie”, realizată în 1951 și aflată în patrimoniul Muzeului de Artă Vizuală Galați, ilustrează această orientare prin echilibrul dintre redarea detaliilor individuale și sinteza formei.

​Gheorghe Anghel s-a născut la 22 august 1904, la Turnu Severin. În anii 1923 - 1924 a frecventat Școala Națională de Arte Frumoase din București, la clasa lui Dimitrie Paciurea, una dintre personalitățile care au contribuit decisiv la înnoirea sculpturii românești. Experiența formativă bucureșteană a fost urmată de o perioadă îndelungată petrecută la Paris, între 1924 și 1937. Aici a frecventat atelierul sculptorului Antoine Injalbert de la Ecole Nationale des Beaux-Arts, a lucrat pentru scurt timp în atelierul lui Constantin Brâncuși și și-a însușit experiența practică a sculpturii decorative în atelierele Minazzoli și Alexandru Delanof. Parcursul său parizian s-a desfășurat astfel între mediul academic, practica meșteșugului și contactul direct cu tendințele moderne ale sculpturii europene.

​Revenit în România, Gheorghe Anghel s-a afirmat în 1943, cu prilejul primei sale expoziții bucureștene, prezentând personaje modelate în lut ars și portrete în care echilibrul clasic al construcției se asocia unei interpretări atente a fizionomiei, orientată spre surprinderea universului interior al modelului. Creația sa, relativ restrânsă ca număr de lucrări, se organizează în jurul câtorva teme majore: portretul, maternitatea și reprezentarea personalităților culturale. Printre figurile care i-au atras atenția se numără Mihai Eminescu, George Enescu, Theodor Pallady, Ștefan Luchian, Nicolae Bălcescu și Emil Racoviță. Pentru Anghel, portretul reprezintă o modalitate de a descoperi o structură lăuntrică, exprimată prin organizarea trăsăturilor, atitudine și ritmul general al formelor. Sculptorul a încetat din viață la București, la 7 aprilie 1966, ultima sa lucrare fiind statuia lui Mihai Eminescu amplasată în fața Ateneului Român.

​Petru Comarnescu surprinde caracterul complex al acestei concepții sculpturale, afirmând că: „Viziunea lui Anghel tinde către o monumentalitate clasică, înțeleasă însă în mod complex, cu rădăcini în hieratismul egiptean și bizantin, în tensiunea interioară a goticului, în simplitatea și stilizarea artei populare românești.” Observația criticului oferă un reper relevant pentru înțelegerea lucrării „Cap de femeie”, în care monumentalitatea derivă din arhitectura interioară a compoziției, iar expresia individuală este integrată și subordonată acestei logici constructive. Realizată în bronz, sculptura se construiește pe o dominantă verticală care ordonează întreaga compoziție. Orientarea frontală a portretului, simetria controlată a chipului și alungirea gâtului conferă ansamblului stabilitate, solemnitate și un discret impuls ascensional. Trăsăturile distinctive - pomeții proeminenți, ochii alungiți și conturul ferm al buzelor - sunt integrate unei construcții unitare, în care planurile ample și modelajul reținut concentrează expresia. Privirea, orientată dincolo de spațiul imediat, către un orizont ipotetic, amplifică gravitatea și caracterul meditativ al reprezentării.

​În perspectiva formulată de Petru Comarnescu, hieratismul egiptean și bizantin se regăsește în frontalitatea și ordinea axială a portretului, iar tensiunea interioară asociată goticului se exprimă prin verticalitatea accentuată și continuitatea ascensională a formei. Prin convergența acestor elemente, lucrarea dobândește o monumentalitate clasică, definită prin rigoarea construcției, simplitatea mijloacelor și sobrietatea expresiei. Suprafața bronzului participă activ la definirea portretului. Urmele modelajului sunt estompate într-o suprafață relativ calmă, iar patina întunecată conferă chipului densitate și gravitate. Materia păstrează memoria gestului sculptural, integrând variațiile suprafeței într-o formulă unitară.

​Lucrarea relevă astfel un clasicism modern, întemeiat pe echilibru, măsură și claritate structurală, dar îmbogățit prin asimilarea unor surse culturale diverse. Lecția lui Dimitrie Paciurea poate fi recunoscută în importanța acordată expresiei interioare, în timp ce experiența pariziană se reflectă în simplificarea planurilor și în rigoarea articulării compoziționale. Gheorghe Anghel își dezvoltă o concepție proprie asupra sintezei, păstrând figura umană și caracterul individual al modelului în centrul demersului său.

​În lucrarea „Cap de femeie”, particularitatea modelului este integrată unei imagini cu semnificație mai largă. Se conturează astfel o feminitate sobră și interiorizată, detașată de accente decorative sau narative. Prin sinteza trăsăturilor, rigoarea construcției și sobrietatea atitudinii, chipul depășește datele imediate ale asemănării și devine expresia unei stări lăuntrice meditative. Capacitatea de a integra expresia individuală în arhitectura compoziției definește viziunea personală a lui Gheorghe Anghel asupra portretului și îi conferă o poziție distinctă în modernitatea figurativă românească.

Eduard Costandache
muzeograf

Relația lui Idel Ianchelevici cu natura începe încă din copilăria petrecută în Basarabia, într-un mediu rural în care câ...
14/08/2026

Relația lui Idel Ianchelevici cu natura începe încă din copilăria petrecută în Basarabia, într-un mediu rural în care câmpurile, animalele și viața agricolă făceau parte din experiența cotidiană. Familiaritatea cu lumea animală, mai ales cu universul ecvestru, va reveni constant în desen și sculptură.

În lucrări precum 𝗗𝗼𝗶 𝗰𝗮̆𝗹𝗮̆𝗿𝗲𝘁̦𝗶, omul și animalul sunt cuprinși de aceeași linie continuă, fără diferențe de tratament care să îi separe. În sculptura 𝗕𝘂𝗰𝘂𝗿𝗶𝗲, apropierea devine și mai evidentă, corpurile organizându-se într-un ansamblu comun, în care mișcarea calului și prezența figurii umane se susțin reciproc.
Păsările ocupă, la rândul lor, un loc important în creația artistului. În 𝗟𝗲𝗯𝗲𝗱𝗲𝗹𝗲, relația cu lumea animală capătă o dimensiune afectivă, legată de grijă, maternitate și transmiterea vieții.

Omul, animalul și peisajul sunt prezente în secțiunea 𝗣𝗿𝗼𝘅𝗶𝗺𝗶𝘁𝗮𝘁𝗲𝗮 𝗻𝗮𝘁𝘂𝗿𝗶𝗶 ca părți ale aceluiași univers. Desenul și sculptura reduc formele la raporturi esențiale și fac vizibilă aceeași ordine a mișcării. Natura apare ca spațiu al conviețuirii, iar relațiile dintre ființe devin una dintre modalitățile prin care Ianchelevici construiește imaginea unui univers comun.


𝗜𝗱𝗲𝗹 𝗜𝗮𝗻𝗰𝗵𝗲𝗹𝗲𝘃𝗶𝗰𝗶. 𝗟𝗶𝗻𝗶𝗮 𝘀̦𝗶 𝘃𝗼𝗹𝘂𝗺𝘂𝗹
Muzeul de Artă Vizuală Galați
Până la 16 august 2026.

În ultima zi a expoziției 𝗜𝗱𝗲𝗹 𝗜𝗮𝗻𝗰𝗵𝗲𝗹𝗲𝘃𝗶𝗰𝗶. 𝗟𝗶𝗻𝗶𝗮 𝘀̦𝗶 𝘃𝗼𝗹𝘂𝗺𝘂𝗹, Muzeul de Artă Vizuală Galați vă invită la proiecția fil...
12/08/2026

În ultima zi a expoziției 𝗜𝗱𝗲𝗹 𝗜𝗮𝗻𝗰𝗵𝗲𝗹𝗲𝘃𝗶𝗰𝗶. 𝗟𝗶𝗻𝗶𝗮 𝘀̦𝗶 𝘃𝗼𝗹𝘂𝗺𝘂𝗹, Muzeul de Artă Vizuală Galați vă invită la proiecția filmului documentar 𝙄𝙖𝙣𝙘𝙝𝙚𝙡𝙚𝙫𝙞𝙘𝙞, 𝙪𝙣𝙚 𝙫𝙞𝙚 𝙖̀ 𝙡’𝙤𝙚𝙪𝙫𝙧𝙚, realizat în 2009 de Bernard Balteau și Yvon Lammens.

Expoziția a propus un parcurs construit în jurul unor direcții recurente în opera lui Ianchelevici, reunind sculpturi, desene și documente din patrimoniul muzeului. De la 𝗟𝗶𝗻𝗶𝗲, unde desenul urmărește apariția formei, la 𝗙𝗶𝗴𝘂𝗿𝗮̆, 𝗥𝗲𝗹𝗮𝘁̦𝗶𝗲 și 𝗖𝗼𝗺𝘂𝗻𝗶𝘁𝗮𝘁𝗲, unde corpul devine spațiul întâlnirii dintre individ și ceilalți, până la 𝗔𝗻𝘁𝗶𝗰𝘂𝗹 𝗽𝗿𝗲𝘇𝗲𝗻𝘁 și 𝗣𝗿𝗼𝘅𝗶𝗺𝗶𝘁𝗮𝘁𝗲𝗮 𝗻𝗮𝘁𝘂𝗿𝗶𝗶, fiecare secțiune a urmărit o idee care traversează creația artistului dincolo de succesiunea strict cronologică a lucrărilor.
Proiecția documentarului prelungește acest parcurs printr-un alt tip de document: imaginea în mișcare. Filmul oferă acces la personalitatea artistului, la mediul său de lucru și la modul în care opera sa a fost privită și păstrată în memoria celor apropiați lui.

𝙄𝙖𝙣𝙘𝙝𝙚𝙡𝙚𝙫𝙞𝙘𝙞, 𝙪𝙣𝙚 𝙫𝙞𝙚 𝙖̀ 𝙡’𝙤𝙚𝙪𝙫𝙧𝙚 este prezentat de „Les amis de Ianchelevici” și realizat în coproducție cu RTBF Antenne-Centre și Musée Ianchelevici.


Duminică, 16 august 2026, ora 15:00
Muzeul de Artă Vizuală Galați

LUCRAREA SĂPTĂMÂNIIȘtefan Popescu - „Vîlcov” (ulei pe pânză, 51x66 cm)Ștefan Popescu (1872–1948) a fost un pictor român ...
10/08/2026

LUCRAREA SĂPTĂMÂNII

Ștefan Popescu - „Vîlcov” (ulei pe pânză, 51x66 cm)

Ștefan Popescu (1872–1948) a fost un pictor român important din prima jumătate a secolului al XX-lea, în creația sa peisajul ocupînd un rol important. Și-a început parcursul artistic ca autodidact, dar la formarea sa artistică au contribuit atât studiile de la Academia Regală de Arte Frumoase din München cât și perioada petrecută la Paris. A călătorit și a pictat în România, Franța, Germania, Italia, Turcia, Maroc, Tunisia și Algeria, locurile întâlnite devenindu-i importante surse de inspirație.

Pentru activitatea sa artistică a fost distins cu Ordinul „Coroana României”, în grad de Comandor și cu Legiunea de Onoare, în grad de Cavaler, acordată de statul francez. În 1935 a fost ales membru de onoare al Academiei Române. Regina Maria s-a numărat printre cei care i-au apreciat lucrările, achiziționând lucrări ale artistului pentru colecția sa.

Realizată în anul 1929, pictura „Vîlcov” surprinde un colț din localitatea cu același nume, situată pe brațul Chilia al Dunării. La data realizării lucrării, Vîlcovul făcea parte din județul Ismail, România, astăzi aparținând Ucrainei. Orașul era renumit pentru rețeaua sa de canale și pentru numeroasele poduri de lemn, ceea ce i-a adus denumirea de „Veneția României” sau „Veneția Deltei”.

În volumul “Dunărea. Călăuză turistică”, publicat în 1935, R. I. Călinescu descria astfel locul: „Vîlcovul este un târgușor ciudat, clădit în parte pe un grind de nisip, în parte pe apă (…) și tăiat în toate părțile de canale mai mici, pe care alunecă încet, pe sub podețe de lemn înălțate pe stâlpi, bărci pescărești pline cu pește...”

Ștefan Popescu redă acest specific al locului printr-o compoziție în care podul de lemn devine elementul ce conduce privirea către biserica din fundal. Silueta acesteia și reflexia sa în apă atrag atenția, devenind un punct de interes al priveliștii, iar lumina puternică ce cade asupra bisericii îi accentuează prezența. Vegetația bogată și suprafața vag neliniștită a apei completează liricul imaginii.
Coloritul, în care se armonizează nuanțe de verde, albastru, brun și ocru, contribuie la crearea unei atmosfere de calm ancestral. Ștefan Popescu nu insistă asupra redării fiecărui detaliu, ci urmărește impresia de ansamblu și caracterul locului. Lucrarea transmite o stare de liniște și contemplare, peisajul devenind adevăratul personaj principal.

Ada-Simona Biriș
educator muzeal

La patru ani poți vedea că muzeul este un loc în care înveți și te și distrezi.Împreună cu ursulețul Martin, copiii au d...
09/08/2026

La patru ani poți vedea că muzeul este un loc în care înveți și te și distrezi.

Împreună cu ursulețul Martin, copiii au descoperit peisaje, portrete, flori, fructe și tot felul de lucruri ascunse în tablouri. Au căutat, au privit cu atenție, au răspuns la întrebări și au fost răsplătiți cu câte o inimioară. ❤️

foto: Mirela Lupu

Realizată în 1951, această figură feminină așezată e un bun exemplu pentru felul în care lucra Idel Ianchelevici: formă ...
07/08/2026

Realizată în 1951, această figură feminină așezată e un bun exemplu pentru felul în care lucra Idel Ianchelevici: formă simplificată, niciodată lipsită de tensiune.
Trunchiul vertical și deschiderea genunchilor dau forță tranziției, în timp ce brațele susțin echilibrul, iar capul ușor înclinat oferă o notă de interiorizare întregii poziții. Suprafețele păstrează urmele modelajului și lumina schimbă lectura bronzului de la un unghi la altul.

Imaginile urmăresc lucrarea din mai multe perspective, cu detalii care în ansamblu pot trece neobservate.


Sculptura este prezentă în expoziția 𝗜𝗱𝗲𝗹 𝗜𝗮𝗻𝗰𝗵𝗲𝗹𝗲𝘃𝗶𝗰𝗶. 𝗟𝗶𝗻𝗶𝗮 𝘀̦𝗶 𝘃𝗼𝗹𝘂𝗺𝘂𝗹, deschisă la Muzeul de Artă Vizuală Galați până la 16 august 2026.

LUCRAREA SĂPTĂMÂNII„Vânzătorul de papagali” [ 1970 ] / up / Vladimir ZAMFIRESCU [1936 Ploiești – 2020 București]Amurgul ...
03/08/2026

LUCRAREA SĂPTĂMÂNII

„Vânzătorul de papagali” [ 1970 ] / up / Vladimir ZAMFIRESCU [1936 Ploiești – 2020 București]

Amurgul zeilor

“Puțini sunt pictorii care trăiesc astăzi, cu sinceritate, destinul adevărat al culturii: speranțele și tulburarea ei, patetica ei descumpănire. Vladimir Zamfirescu e din această categorie ; arta sa este o liturghie închinată amurgului tuturor zeilor și mai cu seamă sfâșietor de frumosului amurg al zeilor picturii. Una dintre temele picturii sale e - nu întâmplător – tocmai virtuozitatea, virtuozitatea aceea rămasă singură atunci când miturile agonizează.” [ Amurgul zeilor de Andrei Pleșu, Ateliere de artiști din București p. 179, Ed. Noimediaprint 2008 ]

Hieratica bizantină și postbizantină asociată liniei delicate a elenismului face un prim impact în întâlnirea cu opera maestrului carismatic ce a cucerit interesul lui Baba și a exercitat o admirație de poveste în rândul colegilor săi artiști.

Personalitate marcantă a picturii românești și europene, prieten bun din copilărie cu marele poet Nichita Stănescu, Mihai Vladimir Zamfirescu, Mirel cm îl numeau apropiații, s-a născut în 1936 la Ploiești, al doilea copil dintr-o familie de industriași, cu tatăl proprietar al rafinăriei Unirea din Ploiești. După un parcurs al unei tinereți cu eșecuri, reușeste să intre la Institutul de Arte Nicolae Grigorescu (1960) într-o perioadă de relaxare a persecuțiilor politice aferente ideologiei epocii. Întâlnirea cu marele pictor Corneliu Baba este inițiată așa cm povestește însuși artistul, de mama acestuia care era îngrijorată și preocupată de eșecurile repetate ale tânărului la examenele de admitere la Institut. Baba îl va asimila imediat pe talentatul tânăr și apoi ii va deveni profesor și îndrumător. În 1991 Vladimir Zamfirescu devine el însuși profesor la Academia de Arte București. Din anul 1971 expune la expoziții romanești și internaționale din : Praga , Paris (Muzeul Marmottan); Stockholom (1980); Londra, Madrid, Barcelona, Palma de Mallorca, Veneția, Monaco, Moscova, Damasc Teheran, New York, Cagnes –Sur – Mer /Franta ; Midelsborough, New Delhi. Lucrările pictorului se găsesc în colecții regale, în mari pinacoteci și în colecțiile unor șefi de stat din Norvegia, Danemarca, Romania, Italia, China, Bulgaria și chiar în Colecția Muzeului de Artă al Vaticanului.

În 1968 a realizat în frescă, singur, pictura Bisericii din Lunca Asăului (jud. Bacău), iar în 1971 a realizat o compoziție în mozaic la Palatul Administrativ din Ploiești.

Pictorul părăsește spațiul sacralității rămânând totuși conectat cu simbolistica, deși lucrările sale nu se supun canoanelor liturgice ci exprimă un tragism nietzschean, un profil anacronic timpurilor de descoperiri și înnoiri pentru care optează colegii de generație, făcând o figură distinctă în contemporaneitate. Vladimir Zamfirescu ajunge la o sinteză unică a formei, în care anatomismul occidental şi hieroglifa orientală se susţin reciproc.

Muzeul Național al Literaturii Române a gazduit și organizat recent un colcviu dedicat pictorului, la nouăzeci de ani de la nașterea acestuia, eveniment cu participarea colegilor și prietenilor maestrului, personalități marcante ale peisajului artistic , Mircia Dumitrescu, Pavel Șușară și scriitorul Mihai Ispirescu.

Lucrarea “Vânzătorul de papagali”, aflată în expunerea permanentă a Muzeului de Artă Vizuală Galați, datată 1970, obține atenția spectatorului și îl implică de la prima privire. Personajul principal adâncește aura de mister prin relaționarea concentrată cu micuța pasăre pe care o ține profetic pe degetul arătător, în timp ce pare a ignora deliberat prezența umană reprezentată de celălalt personaj realizat într-un mod în care sugerează mișcarea, trecerea, efemerul, în contrast cu stabilitatea studiată a vînzătorului de papagali. Deloc întâmplătoare, lumina face interesul principal al pictorului, folosind atât culoarea aleasă sugestiv cât și traseul compozițional, subtil dar ferm insinuat în arhitectura pânzei, cu o virtuozitate analitică ce amintește de Cranach – Holbein. Roba galbenă de o eleganță mistică pare să capteze lumina de la micuța pasăre profetic dezvăluită prin traseul indicat cursiv, de la privirea personajului trecător, la traseul de lumină centrată ce secționează semicercul din registrul superior al pânzei, sugestiv realizînd doar o jumătate de aură, în așteptarea unui receptor vrednic, detașat de vremelnicia terestrului. Tratarea robei galbene și a portretului –profil dezvăluie o linie care trimite la El Greco. Trăsăturile ingenui sunt concentrate pe privirea personajului a cărui smerenie sugerează privitorului să descopere și să se centreze pe micuța vietate, în sine o promisiune de lumină- i l u m i n a r e. Figura umană așezată supradimensionat într-un peisaj - fundal cu trimitere la pictura renașterii germane sugerează rolul creatorului universal, al artistului creator, noblețea asumării parcursului care luminează, misiunea omului și ceea ce îl ridică din efemer, deasupra pământului. Proporția aleasă de pictor, începând cu verticala predominantă a pânzei și apoi cu raportul dintre cer și pământ, sugerează profund înălțarea omului din condiția lui, din rolul de vânzător de iluzii și în final dirijarea spectatorului către ceea ce este important- pasărea micuță ce simbolizează speranța, mesagerul, bogăția adevărului înaintate de opera artistului. Vânzătorul de papagali, vânzător de iluzii, figura modestă ingenuă, posibil autoportret al pictorului, împrumută roba aurie a cunoașterii prin smerenie în fața artei, prin raportul pictor- opera sa, un raport de subordonare a artistului în fața datoriei de desăvârșire.

Muzeograf Liliana Tofan

O cronologie este doar una dintre posibilitățile de a privi opera unui artist. În expoziția 𝗜𝗱𝗲𝗹 𝗜𝗮𝗻𝗰𝗵𝗲𝗹𝗲𝘃𝗶𝗰𝗶. 𝗟𝗶𝗻𝗶𝗮 𝘀̦𝗶...
31/07/2026

O cronologie este doar una dintre posibilitățile de a privi opera unui artist. În expoziția 𝗜𝗱𝗲𝗹 𝗜𝗮𝗻𝗰𝗵𝗲𝗹𝗲𝘃𝗶𝗰𝗶. 𝗟𝗶𝗻𝗶𝗮 𝘀̦𝗶 𝘃𝗼𝗹𝘂𝗺𝘂𝗹 am ales un alt parcurs, construit în jurul unor direcții care traversează întreaga creație a artistului.

De la 𝗟𝗶𝗻𝗶𝗲, unde desenul dezvăluie apariția formei, la 𝗙𝗶𝗴𝘂𝗿𝗮̆, 𝗥𝗲𝗹𝗮𝘁̦𝗶𝗲 și 𝗖𝗼𝗺𝘂𝗻𝗶𝘁𝗮𝘁𝗲, unde corpul devine spațiul întâlnirii dintre individ și ceilalți, până la 𝗔𝗻𝘁𝗶𝗰𝘂𝗹 𝗽𝗿𝗲𝘇𝗲𝗻𝘁 și 𝗣𝗿𝗼𝘅𝗶𝗺𝗶𝘁𝗮𝘁𝗲𝗮 𝗻𝗮𝘁𝘂𝗿𝗶𝗶, fiecare secțiune urmărește o idee prezentă în opera lui Ianchelevici, indiferent de momentul în care lucrările au fost realizate. Sculpturile, desenele și documentele de arhivă devin repere ale unei gândiri plastice care își păstrează coerența de-a lungul întregii creații.



Expoziția 𝗜𝗱𝗲𝗹 𝗜𝗮𝗻𝗰𝗵𝗲𝗹𝗲𝘃𝗶𝗰𝗶. 𝗟𝗶𝗻𝗶𝗮 𝘀̦𝗶 𝘃𝗼𝗹𝘂𝗺𝘂𝗹 poate fi vizitată la Muzeul de Artă Vizuală până la 16 august 2026.

LUCRAREA SĂPTĂMÂNII titlu: Flori de munte▪ tehnică – ulei pe pânză maruflată pe placaj▪ dimensiuni – 41 × 33 cm▪ semnătu...
27/07/2026

LUCRAREA SĂPTĂMÂNII

titlu: Flori de munte

▪ tehnică – ulei pe pânză maruflată pe placaj
▪ dimensiuni – 41 × 33 cm
▪ semnătură – dreapta jos cu gri „Ghiațăˮ
▪ locație – perioada modernă din expunerea permanentă
▪ face parte din – Patrimoniul Muzeului de Artă Vizuală Galați - Colecția Pictură
▪ Clasată la categoria Fond (2021)
autor: Dumitru Ghiață (22 septembrie 1888, Colibaşi, Mehedinţi – 3 iulie 1972, București)

Experiența dobândită în cadrul farmaciei spitalului militar pe parcursul stagiului militar obligatoriu, i-a permis pictorului Dumitru Ghiață să ocupe un post la Institutul de seruri și vaccinuri (București), aflat sub conducerea doctorului Ioan Cantacuzino; acesta îi remarcă lucrările realizate în timpul liber și îl îndrumă către atelierul lui Arthur Verona, pe care îl frecventează de-a lungul a trei ani. În aceeași perioadă studiază istoria artei cu profesorul Alexandru Tzigara-Samurcaș și frecventează cursurile „Universității libere” (sediul liceului „Gheorghe Lazăr”, București).

Ulterior obține o bursă de studii prin Ministerul Instrucțiunii Publice, iar în 1912-13 se înscrie la Academia Rançon și Delécluze din Paris, unde lucrează în atelierele artiștilor André Lavrillier și Lucien Monod, cunoaște lucrările pictorului Ionel Ioanid, Tsuguharu Fujita, sculptorilor Anghel Chiciu, Constantin Brâncuși și tehnicile post-impresioniste, pe care le înglobează în maniera sa picturală.

În 1914, revenind în țară, are prima participare la Salonul Oficial, organizat în una din sălile Ateneului Român. La „Expoziția Artiștilor în Viață” (1915) îl cunoaște pe Jean Alexandru Steriadi, cu care va menține o strânsă colaborare și va înființa (împreună cu I. Cantacacuzino) „Societatea pentru răspândirea gravurii la noi în țară” (1916); este prezent în manifestările artistice organizate de „Arta română” și „Arta”. Apropiați ai artistului sunt și personalități din afara domeniului în care activează, întreținându-se adeseori cu Dimitrie Gusti, Victor Ion Popa, Mihail Ralea.

Printr-un concurs organizat de către Școala de Belle Arti (București, 1922) obține, împreună cu sculptorul Oscar Han, o bursă în Italia. Timpul petrecut în peninsulă îi reconfigurează paleta cromatică în ceea ce recunoaștem astăzi ca fiind specifică artistului.

Printre distincțiile oficiale ce i-au fost acordate se menționează premiul Academiei Române „Elena și Gheorghe M. Vlasto” (1941), titlul de „Maestru emerit al artei” (1957) și cel de „Artist al Poporului din Republica Populară Romînă” (1964) pentru meritele deosebite în desfășurarea activității artistice.

De-a lungul vieții organizează relevante expoziții personale la București (1921, 1925, 1927, 1930, 1935, 1938, 1941, 1943) și participă la numeroase evenimente internaționale: Paris (1925), Bienala de la Veneția (1928, 1958), Moscova (1958), Delhi (1961), Tokyo (1965, 1966).

În 1971 artistul își donează casa și colecția de artă statului român, cu condiția ca aceasta să devină muzeu. Între 1994-99 este accesibil spre vizitare Muzeul „Dumitru și Aurelia Ghiață”, ulterior lucrările fiind trimise la Muzeul Național de Artă.

Prin mențiunea criticului Henri Focillon din cartea sa „La peinture aux XIXe et XXe siècle du réalisme à nos jours” (Paris, 1928) și mai multe aticole din ziare și reviste din afara țării, lucrările sale se află și în muzeele din Lyon sau Paris – Jeu de Paume.

În compoziția ce prezintă un vas cu flori subiectul este deromantizat, acesta fiind un laitmotiv pentru a reda prin propriile caracteristici ale limbajului artistic, „ordinea naturală..formele cu sensurile lor reale”. (V Beneș, 1957).

Structura elementelor indică o linie simplificată cu o unitate cromatică rece – tip frescă, armonizată pe complementarele galben-violet în registrul superior; compoziția este centrată în prim plan, iar forma rigidă, subliniată de o pensulație vizibilă, viguroasă. Din lecțiile cezanniene își însușește paleta cromatică sobră și redarea volumului.

Conturul tipic desenelor lui Ghiață este transpus adeseori și în peisaje, iar în acest exemplu rămâne doar un contur subtil sau se transformă în golurile lăsate în jurul formei. Lucrarea transmite monumentalitate atât prin forma geometrizată, cât și prin fragmentele tratate cu aceeași intensitate. În staticitatea sa, dinamismul este creat prin alternarea volumelor și diagonalele formate de înclinațiile buchetului.

„De la Luchian încoace, cred că e cel mai artistic pictor româm, prin simplitatea rafinată a stilului și paletei sale”. (Corneliu Baba)

Mădălina Ionașcu – muzeograf

Address

Strada Tecuci Nr. 3, Bloc V3B
Galati

Opening Hours

Wednesday 09:00 - 17:00
Thursday 09:00 - 17:00
Friday 09:00 - 17:00
Saturday 09:00 - 17:00
Sunday 09:00 - 17:00

Telephone

+40236312502

Alerts

Be the first to know and let us send you an email when Muzeul de Arta Vizuala Galati posts news and promotions. Your email address will not be used for any other purpose, and you can unsubscribe at any time.

Share

Category