284 Gallery Brasil

28/06/2026

AMANHÃ FICAMOS TRISTES. HOJE NÃO.
Olinda Mota

Existe uma estranha habilidade humana de negociar com o tempo. Adiamos conversas, decisões, despedidas. Também adiamos a tristeza, como se fosse possível negociar com ela mais um dia: hoje ainda não.

Essa escolha encontra forma na pintura de Olinda Mota. Nada permanece submetido à estabilidade do corpo. Olhos pertencem a tempos diferentes, mãos multiplicam gestos, planos se cruzam sem procurar uma ordem definitiva. A figura deixa de representar alguém para tornar visível uma condição profundamente humana: jamais somos uma única versão de nós mesmos.

No pastel seco, o pigmento preserva sua aspereza e faz da cor uma matéria em estado de atrito. Azuis, amarelos, vermelhos e verdes convivem numa intensidade que desafia o peso anunciado pelo título. Cada contraste prolonga a vida da imagem, como se a própria superfície recusasse entregar-se ao abatimento.

Adiar a tristeza não significa negá-la. Significa reconhecer que até o sofrimento possui um tempo próprio. A liberdade começa quando compreendemos que nem toda verdade precisa acontecer imediatamente.

Adriana Scartaris
Curadora e mentora

28/11/2025

01/06/2025

Falta de informação ou ilusão?
Por Adriana Scartaris 1 de junho de 2025

Artista, você acredita nisso por ser ingênuo ou mal-informado, ou por acreditar estar levando vantagem?

É lamentável ver certas práticas se repetirem impunemente. Quando envolvem crianças, então, tornam-se ainda mais revoltantes. Pais iludidos, filhos usados como vitrine — tudo isso me entristece profundamente. Essas chamadas “crianças-prodígio” muitas vezes são submetidas a pressões que comprometem seu desenvolvimento e colocam em risco o futuro artístico e emocional que poderiam construir com mais liberdade e consciência. É um estrago silencioso.

Quando o artista adulto decide, de forma consciente, participar de uma feira pouco prestigiada, pagando para expor visando tentar vender, não há problema. É uma escolha legítima em uma estratégia comercial. Alguns até obtêm bons resultados — embora sejam exceções. No entanto, é preciso saber que isso pouco contribui para a consolidação de um currículo artístico sólido.

Outro fenômeno recorrente são as exposições no exterior organizadas por galerias que, na prática, apenas "vendem parede". São eventos rápidos, com grande número de artistas reunidos e uma abertura cuidadosamente encenada, com fotos, brindes e a impressão de prestígio. Contudo, raramente há cobertura na mídia especializada, tampouco presença de colecionadores ou agentes culturais relevantes. O artista que não pode estar presente perde inclusive a chance de networking. F**a apenas com uma fotografia e a ilusão de ter se projetado internacionalmente — quase sempre a um custo alto, maior do que sua realidade permite.

Você não vai expor no Louvre. Sua obra estará afixada em uma parede de stand, em meio a dezenas de outras, coladas umas às outras, sem qualquer diálogo curatorial — e, em muitos casos, ao lado de trabalhos sem a mínima qualidade técnica. O público que circula por esse tipo de feira é, majoritariamente, leigo e pouco qualificado para aquisição ou valorização crítica da arte. Dizer que “expôs no Louvre”, quando, na verdade, participou de uma feira comercial instalada em seu subsolo, não só compromete muito sua credibilidade como pode se tornar motivo de piada nos meios profissionais. Esse tipo de participação jamais deve constar em um currículo sério. Quem organiza esses eventos, normalmente, paga entre cinco e seis mil euros por um espaço e o preenche vendendo “paredes” para dezenas de artistas — muitas vezes sem qualquer curadoria — faturando dezenas de milhares de euros com base em promessas sedutoras.

O mesmo vale para as chamadas “exposições internacionais” promovidas por galerias que operam como espaços de aluguel e não como instituições comprometidas com a trajetória artística de seus expositores. Antes de investir tempo, energia e recursos com a expectativa de se tornar um “artista internacional”, é fundamental questionar: trata-se, de fato, de uma galeria reconhecida no circuito, com presença em feiras relevantes, colecionadores ativos, representação séria e visibilidade em meios especializados? Ou estamos falando nada muito além de um espaço comercial que organiza eventos para lucrar com o desejo legítimo, mas muitas vezes ingênuo, de artistas que buscam projeção?

Não se trata de condenar essas iniciativas. O que proponho é um olhar mais maduro, lúcido e estratégico. É preciso alinhar expectativas, entender a lógica do mercado e lembrar que, do outro lado, muitas vezes, está alguém que simplesmente quer fechar um negócio. Sem romantismo e sem ingenuidade.

Adriana Scartaris | Designer, curadora e mentora | Fundadora do Clube de Artistas e da 284 Gallery

24/09/2024

Participe! Projeto "Oceanar é Preciso"
4 exposições
3 vagas disponíveis para integrar o elenco.

Entre em contato por mensagem e saiba como enviar a sua candidatura.

🔹️🔹️Oceanar é Preciso : Uma Exploração Transoceânica na Arte Brasileira 🔹️🔹️

A utilização do neologismo “Oceanar” nesta exposição não é apenas uma escolha lexical, mas simboliza uma abordagem contemporânea e inclusiva para com a temática marítima. A palavra, que combina o substantivo “oceano” com o verbo “navegar”, evoca não apenas a ideia de explorar as águas vastas e misteriosas, mas também sugere uma ação ativa e dinâmica de interação com esse ambiente tão rico e diversificado.

Dessa forma, “Oceanar é Preciso” não apenas nomeia a exposição, mas também encapsula sua essência: a necessidade imperativa de mergulhar, de navegar, de interagir e de compreender as profundezas do oceano não apenas como um espaço físico, mas como um símbolo poderoso de conexão, descoberta e renovação criativa.

Os artistas nos presenteiam com uma diversidade de perspectivas sobre o oceano, desde as paisagens serenas e contemplativas até as representações abstratas e provocativas das forças incontroláveis da natureza. Cada pincelada, cada forma, cada textura nos conduz por uma viagem sensorial e emocional, despertando nossa curiosidade, nosso alerta e nossa admiração pela vastidão azul que cobre nosso planeta e nossas emoções.

Nesta coleção cuidadosamente curada, mergulhamos nas profundezas dos oceanos internos e externos, explorando não apenas as águas que separam continentes, mas também as correntes culturais, relações humanas, a preservação da biodiversidade, a ancestralidade e a sedução dos muitos oceanos possíveis e imaginários. Cada obra selecionada neste cenário meticulosamente concebido revela um diálogo íntimo entre os artistas e o tema marítimo, proporcionando uma experiência imersiva que transcende as fronteiras geográficas.

Oceanar é mais do que uma necessidade; é uma busca contínua pela compreensão e pela união em um mundo cada vez mais interconectado.

Adriana Scartaris - curadora

18/09/2024

🎨✨ Venham explorar a nova temporada do projeto "O Poder da Cor" em 2025! Sob a curadoria de Adriana Scartaris, a exposição deste ano traz o tema "𝕆 ℙ𝕠𝕕𝕖𝕣 𝕕𝕒 ℂ𝕠𝕣: 𝔸 𝕃𝕚𝕟𝕘𝕦𝕒𝕘𝕖𝕞 𝕕𝕠 𝕀𝕟𝕧𝕚𝕤í𝕧𝕖𝕝 𝕢𝕦𝕖 𝕤𝕖 𝕧ê". Preparem-se para uma imersão sensorial que nos leva a desvendar as nuances que as cores oferecem além do que podemos ver!

Cada artista nos convida a um diálogo visual, onde as tonalidades não são apenas estéticas, mas sim agentes de transformação emocional e intelectual. Como as cores impactam a sua percepção e sentimentos? 💭✨

Queremos saber: qual cor mais ressoa com você e por quê? Compartilhe suas experiências e reflexões nos comentários! Vamos juntos celebrar o poder expressivo da cor e suas verdades profundas! 🌈❤️

11/01/2024

Found in Translation: Uma Jornada nas Translações do Tempo e da Arte

Encontramo-nos no jogo da translação, onde o tempo, como um elo invisível, tece o fazer artístico de Iolanda Teixeira e Nuno Quaresma.
A exposição “Found in Translation” é a convergência de duas almas criadoras, dançando em harmonia através do tempo e do espaço, na qual os artistas, de maneira engenhosa, escolhem transcender o clichê do “lost in translation” e nos convidam à partilha da investigação onde a tradução ao invés de perder a essência, provoca o encontro.
A geometria euclidiana, fundamenta que o ponto é uma entidade independente e uma linha é uma coleção infinita de pontos que se estende indefinidamente em ambas as direções. Evocada por eles, torna-se o mapa que guia os espectadores por um espaço-tempo compartilhado, onde cada obra é uma estação nesse percurso e deve ser saboreada em todas as leituras possíveis e impensadas.

A nossa viagem parte de um ponto emblemático no qual Nuno Quaresma, se propõe a desvelar as camadas da história humana, subvertendo o tempo e revelando Adão e Eva nos corpos “frágeis-perplexos-perdidos-contemporâneos-comuns”, expulsos do paraíso para iniciar a jornada.
Quantos de nós somos Adão e Eva, exatamente assim e neste espaço-tempo?
Suas obras, como “Caim e Abel”, provocam interpretações e sensações que vão do desconforto ao êxtase, abordando questões como homofobia, traição, racismo, fantasia, erotismo e opressão. Mitos como Afrodite e Super-Homem são apresentados como pessoas comuns, criando um caleidoscópio de possibilidades entre deuses e humanos, entre a mitologia judaico-cristã e a realidade cotidiana de Lisboa.

Iolanda Teixeira, por sua vez, com suas pinturas digitais e colagens digitais e analógicas, apresenta um mergulho profundo no cotidiano lisboeta e no imaginário do qual emergem olhares e atitudes femininas ícones, como as de Amália Rodrigues, Bette Davis e Frida Kahlo. Seus retratos, marcados pela força do olhar, narram uma história de atitude e autossuficiência da mulher, enquanto a calçada típica portuguesa se funde ao corpo feminino, revelando a fusão harmoniosa da realidade com a imaginação da alma feminina da cidade e lançando a provocação expressa no título da obra.
É uma calçada ou uma mulher? Quantos de nós pisaríamos?
Suas obras são pontos que dançam na linha traçada entre o azulejo português e o elétrico, entrelaçando o comum e o extraordinário.

O diálogo entre as obras dos dois criadores, uma tradução visual de signos que emergiram nos últimos 365 dias, 5 horas, 48 minutos e 45 segundos, é a essência da exposição. Cada peça é um ponto em uma transformação geométrica, movendo-se pela mesma distância em direção a um entendimento mais profundo da condição humana. Os paraísos encontrados e perdidos, as caixas de segredos, tudo se desdobra em uma reviravolta ao redor do astro-rei, sem filtros ou tabus, à mercê da testemunha silente, o sol, que ilumina essa narrativa.
Todos os pontos desta linha se entrelaçam na mitologia judaico-cristã, no cotidiano e no imaginário, desencadeando reflexões sobre homofobia, traição, erotismo, nudez, racismo, tradições e opressão em um caleidoscópio que conta as complexas relações humanas desde Adão e Eva até o elétrico lisboeta.

Embalados pelos sons de Lisboa, cuidadosamente transformados em música conceitual para esta exposição, somos convidados a transcender o tempo e as barreiras, clamando o planeta, a cidade, o ecossistema e a vulnerabilidade da existência humana. “Found in Translation” propõe um convite a comungar do mistério e explorar muitos mundos inteligíveis no infinito intraduzível das muitas possibilidades de cada ponto.
E deixo a todos a pergunta final:
O que acontece na sua linha traçada entre Adão e Eva e o elétrico?

Adriana Scartaris
curadora