Galeria Rodrigo Rivero Lake

14/04/2026

Lo que ves no es solo un objeto, sino el rastro de una fascinante historia de globalización temprana. Entre los siglos XVI y XVIII, el Galeón de Manila —o Nao de China— iniciado por los barcos enviados por Hernán Cortés en 1528 desde las costas de Zihuatanejo, ruta que conectó a tres continentes Asia, América y Europa durante más de 250 años mediante esta ruta comercial transoceánica. Así a México nos llegaron gente, costumbres, especias, sedas, porcelanas, lacas y marfiles tallados de lejanos lugares de Asia. Lo más interesante es que las piezas talladas en marfil el cual en su mayoría provenía de África, era trabajado en talleres asiáticos, tanto en China, India, Siam o Manila. En China, los artesanos de diversas comarcas elaboraban figuras religiosas destinadas a diversos mercados, tanto americanos como europeos . Muchos de estos talladores no conocían el dogma cristiano, por lo que se guiaban por estampas y grabados europeos para reproducir figuras, creando esculturas que tenian facciones y rasgos propios, con un estilo híbrido. Esto hacia que estas piezas tuvieran algo distinto: rostros planos, pliegues decorativos y una fisonomía que reflejaba la mezcla cultural. Algunas vírgenes incluso recuerdan formalmente a Guanyin, diosa china de la misericordia. Manila fue el gran punto de acopio desde donde estas obras viajaban a Acapulco y de allí al resto del mundo. Estos marfiles no pertenecen a un solo lugar: son de su procedencia africanos en lo material, chinos en su técnica y algunos europeos en su iconografía. En esa fusión nace una de las grandes maravillas del arte novohispano, pues tenemos como aquí mostramos , por ejemplo figuras con caras europeas y otras totalmente chinescas y eso demuestra los diversos lugares y talleres de manufactura en Asia.
Rodrigo Rivero Lake
This is not just an object; it is a trace of a fascinating history of early globalization. Between the 16th and 18th centuries, the Manila Galleon—or China Nao—began with the ships sent by Hernán Cortés in 1528 from the coast of Zihuatanejo, a route that connected three continents—Asia, the Americas, and Europe—for more than 250 years through this transoceanic trade route. Thus, people, customs, spices, silks, porcelain, lacquerware, and carved ivory from distant parts of Asia reached Mexico. Most interestingly, the ivory carvings—most of which came from Africa—were crafted in Asian workshops, including those in China, India, Siam, and Manila. In China, artisans from various regions crafted religious figures intended for diverse markets, both American and European. Many of these carvers were unfamiliar with Christian doctrine, so they relied on European prints and engravings to reproduce figures, creating sculptures with their own distinct features and facial expressions, in a hybrid style. This gave these pieces a distinctive quality: flat faces, decorative folds, and features that reflected the cultural blend. Some Virgin Marys even formally resemble Guanyin, the Chinese goddess of mercy. Manila served as the major hub from which these works traveled to Acapulco and from there to the rest of the world.
These ivory pieces do not originate from a single place: they are African in material, Chinese in technique, and some are European in iconography. This fusion gave rise to one of the great wonders of New Spain art, as we can see here, for example, in figures with European faces and others with distinctly Chinese features, which attests to the diverse locations and workshops where they were crafted in Asia.
Rodrigo Rivero Lake

01/04/2026

La obra de Pedro Friedeberg no solo se contempla: se reconoce. Hay algo en sus imágenes que parece venir de un lugar previo, como si ya hubieran habitado en nuestra memoria o en ese territorio difuso donde lo onírico se mezcla con lo íntimo.
En esta pieza, realizada en acuarela, el artista nos introduce a su universo simbólico a través de la simetría. Pero aquí la simetría no es un recurso técnico, es un lenguaje. Dos figuras aparecen frente a frente: no se duplican, se desdoblan. No son gemelos, sino reflejos de una misma conciencia que se observa, se mide, tal vez incluso se cuestiona.
El mosaico vibrante que las compone no es decorativo. Cada patrón, cada color, construye una identidad. En Friedeberg, el color no reviste: define. Su obra funciona como una arquitectura visual donde todo tiene un lugar preciso, casi ritual.
Y sin embargo, hay algo que rompe con la solemnidad: un gesto, una ligera ironía, un humor sutil que atraviesa la imagen. Porque en su trabajo, incluso lo más estructurado tiene un dejo de juego. Nunca se entrega por completo; siempre guarda una complicidad con quien mira.
Pero es en la dedicatoria donde la pieza cambia de dimensión:
“Para Jaime, en su cumpleaños.”
Ese pequeño gesto contrae todo el universo simbólico en algo profundamente humano. La obra deja de ser únicamente estética y se convierte en vínculo. Ya no habla solo del artista, sino también de la relación, del afecto, del instante compartido.
Ahí reside su fuerza. Mientras muchas obras buscan lo eterno en lo monumental, Friedeberg lo encuentra en lo personal. Convierte un cumpleaños en un acto estético y eleva lo cotidiano a la categoría de lo memorable.
Esta obra no solo se conserva: se transmite. Y en ese gesto íntimo, casi invisible, pero profundamente humano… Friedeberg permanece.
Rodrigo Rivero Lake

The work of Pedro Friedeberg is not only meant to be seen—it is recognized. There is something in his images that feels as though it comes from a prior place, as if it had already lived in our memory, or in that uncertain territory where the dreamlike blends with the intimate.
In this watercolor piece, the artist draws us into his symbolic universe through symmetry. But here, symmetry is not a technical device—it is a language. Two figures face one another: they do not duplicate, they unfold. They are not twins, but reflections of a single consciousness observing, measuring, perhaps even questioning itself.
The vibrant mosaic that composes them is not decorative. Every pattern, every color, builds identity. In Friedeberg’s work, color does not cover—it defines. His compositions operate like a visual architecture where everything has a precise, almost ritual place.
And yet, something disrupts the solemnity: a gesture, a quiet irony, a subtle humor that runs through the image. Because in his work, even the most structured forms carry a sense of play. It never fully reveals itself; it always holds a quiet complicity with the viewer.
But it is in the dedication where the piece shifts dimension:
“For Jaime, on his birthday.”
That small gesture collapses the entire symbolic universe into something deeply human. The work becomes more than aesthetic—it becomes a bond. It speaks not only of the artist, but of a relationship, an affection, a shared moment.
That is where its strength lies. While many works seek the eternal through the monumental, Friedeberg finds it in the personal. He transforms a birthday into an aesthetic act, elevating the everyday into something lasting.
This work is not only preserved—it is passed on. And in that intimate, almost invisible, yet profoundly human gesture… Friedeberg remains.
Rodrigo Rivero Lake

17/03/2026

Los objetos no solo nos hablan del pasado… también nos cuentan quiénes somos.

Piensen, por ejemplo, en Irán. Un país con una historia milenaria, lleno de cambios políticos, culturales y religiosos. Después de la llegada del islam en el siglo VII surgió una tradición muy particular: en ciertos contextos religiosos se evitaba representar figuras humanas para no caer en la idolatría.

Pero en Irán ocurrió algo fascinante.

La imagen no desapareció… se transformó.

En la ciudad de Isfahán, especialmente durante el reinado del shah Abbas I, surgió una forma de pintura muy delicada: figuras elegantes, aisladas sobre el papel, trazadas con apenas unas cuantas líneas. No buscaban contar grandes batallas ni historias épicas, sino capturar momentos de contemplación.

Muchas de estas obras formaban parte de álbumes llamados muraqqa, donde los coleccionistas reunían imágenes, caligrafías y hasta influencias europeas que los persas llamaban farangi.

Y eso es lo extraordinario: cada una de estas pequeñas pinturas guarda un instante suspendido en el tiempo… como si el mundo se detuviera por un momento para invitarnos simplemente a mirar.
Investigación por Santiago Ruiz Ruiz

18/02/2026

El coco se introdujo en la Nueva España alrededor de 1569 a través del Galeón de Manila desde las Islas Salomón, aclimatándose en la costa del Pacífico. Durante el virreinato, el fruto fue fundamental para la elaboración del "vino de cocos" por filipinos, una bebida prohibida por competir con los vinos de Castilla. Además, su cáscara pulida y montada en plata, conocida como " coco chocolatero " se convirtió en un objeto de lujo para beber chocolate en la alta sociedad .
El coco chocolatero fue un objeto fundamental en la cultura del chocolate durante el Virreinato de la Nueva España. Estas piezas se elaboraron principalmente entre los siglos XVII y XVIII a partir de la corteza del coco, material resistente que ayudaba a conservar el calor de la bebida.
La superficie se pulía y decoraba mediante esgrafiado con motivos vegetales y geométricos. Posteriormente, el recipiente se montaba en estructuras de plata —asas, borde y pedestal— realizadas por plateros especializados. En muchos casos, el pie incluía inscripciones con el nombre del propietario, lugar y fecha de manufactura.
Los primeros ejemplares se realizaron con cocos asiáticos llegados por la Nao de China; más adelante se emplearon cocos de regiones como Chiapas, Oaxaca y Guerrero. Su producción se extendió por distintos territorios del mundo hispánico e incluso Europa.
El auge de estas piezas coincide con la transformación del consumo del cacao: de bebida fría mesoamericana a preparación caliente con leche, azúcar y especias. El coco chocolatero testimonia así la fusión de tradiciones indígenas y europeas, así como la relevancia social del chocolate.

12/02/2026

El piteado es una técnica artesanal mexicana de origen virreinal (siglos XVII–XVIII). Consiste en bordar a mano, sobre cuero u otro material, fibra de pita extraída del maguey, creando patrones detallados.
Profundamente ligado hoy a la cultura charra, este arte se perfeccionó en estados como Jalisco (actualmente Colotlán), Michoacán y Guerrero, hasta convertirse en un símbolo de identidad, tradición y lujo de lo muy mexicano.
Aunque el uso de fibras naturales de agave se remonta a la época prehispánica, el piteado como bordado sobre cuero durante la época virreinal, resultado del encuentro entre la herencia indígena y las nuevas necesidades traídas por los hispanos.
Con el auge de la charrería, la técnica cobró gran relevancia. Los charros adoptaron el piteado para decorar monturas, cinturones y atuendos, no solo por su belleza, sino también por su resistencia, elegancia y distinción.
Hoy, el piteado es reconocido como un arte que resguarda el legado cultural de México y que ha trascendido fronteras como un accesorio de lujo y distinción. A pesar de los retos de la producción industrial y las imitaciones en diversos materiales, la técnica sigue viva en cinturones, monturas, vestimentas charras y objetos artísticos y de uso, preservando así una tradición que es bordada, puntada a puntada, con historia y orgullo.
Pieza:
Petaca Piteada
Caña tejida, cuero bordado con hilo de agave.
Chapa y agarraderas de hierro
Cocula, Jalisco, Nueva España
S. XVII
Medidas 31 X 30 X 48

06/02/2026

Estamos en MaCO del 4 al 8 de febrero, nos vemos en el booth SL09 del Salón del Anticuario.
¡Los espero!

Rodrigo Rivero Lake

04/02/2026

La doctrina religiosa y filosófica tanto del budismo como del jainismo nacen en la india en
el siglo VI a.C, basándose el budismo en las enseñanzas de Sidharta Gautama.
El budismo, siendo la representación del iluminado en las escrituras budistas se le atribuyen
32 símbolos o marcas físicas que llevan por nombre Lakshanas, marcas que las escrituras
atribuían al gran hombre. La iconografía también se refiere a sus cualidades psíquicas, una
de las más importantes es la llamada Bhumisparsa Mudra que nos habla del instante en que
Sidhartha Gautama alcanza la Iluminación. En las representaciones de las figuras sagradas
en el Oriente como el hinduismo las posiciones tanto de las manos llamadas mudras, como
las poses y contorciones corporales de las figuras sagradas son mensajes específicos,
imaginemos un Buda en posición sentado, donde su inmutable gesto representa su
persistencia inquebrantable para vencer la tentación del demonio Mara (personificado por
el ego, el deseo y la muerte) para que renuncie a su meditación y así refutar su derecho de
obtener y lograr el trono de la iluminación. En respuesta a esta provocación Buda recurre a
la diosa de la tierra Sthavara extendiendo su mano derecha (mudra) hasta tocar la tierra,
este gesto es representado con la palma de la mano apoyada sobre la rodilla y los dedos casi
tocando la tierra como conexión entre el mundo espiritual y el mundo terrenal. La mano
izquierda reposa con la palma hacia arriba como gesto de meditación y donde se pueden
dejar ofrendas que garanticen que la ayuda de Buda siempre será atendida para las
peticiones del donador.
Su cabello esta caracterizado por pequeños rizos o mil soles que giran en el sentido de las
manecillas del reloj y representan sabiduría e iluminación, lograda después de muchas
vidas vividas en estado de santidad, las cuales se arremolinan llegando a dar una
protuberancia en la parte superior de la cabeza y que simbolizan el haber dominado a los
demonios en muchas otras vidas, esta también sería una de las lakshanas.
La Civara o indumentaria budista como elemento central tiende a imitar los ropajes pobres
de los monjes y varían de acuerdo a la región. La idea de poner pedrería en estas figuras
viene de que, aunque abandono los lujos para tener una vida de renunciación al igual que
sus seguidores, no debe ser representado como un discípulo común sino con las finezas de
un monarca. Las orejas alargadas tienen un significado de sabiduría y compasión que
demuestran la capacidad de escuchar atentamente el sufrimiento humano. Los lóbulos
alargados se asocian a la prosperidad.
Hay un sinnúmero de mensajes en cada figura religiosa que el humano en estado de
iluminación ha creado para representar el poder y la presencia de ese Dios al cual todos en
forma unísona veneramos.

26/01/2026

Queridos amigos,
La Galería Rodrigo Rivero Lake fundada en 1968 forma parte nuevamente de Zona Maco 2026, la feria de arte más importante de Latinoamérica. Participar en este encuentro es una experiencia profundamente enriquecedora: auténtica celebración para apreciar, dialogar y conmemorar el arte en todas sus expresiones a través de los tiempos.
En el booth SL09, dentro del Salón del Anticuario, en MACO 2026 tendremos como siempre un lugar elegante y lleno de piezas únicas desde antigüedades tanto museables, coleccionables y presumibles, que crearán no solo una atmósfera de sofisticación y elegancia que harán un gran cambio tanto en su entorno, cultura y amor a la vida.
Será un verdadero placer reencontrarme con tantos rostros conocidos y conocer a nuevas personas. Para mí es un honor que se tomen el tiempo de visitar el booth, de apreciar el trabajo de toda una vida y la manera en la que hoy lo presento.
Les recuerdo que del 4 al 8 de febrero, nos vemos en ZONA MACO 2026 en el booth SL09 del Salón del Anticuario.
¡Los espero, nos vemos muy pronto!

Rodrigo Rivero Lake

06/01/2026

Día de Reyes
Los nombres de Melchor, Gaspar y Baltasar aparecieron por primera vez en el célebre mosaico del siglo VI de la basílica de San Apolinar, en la ciudad de Rávena. Según un manuscrito del siglo XIII, se creía que al rezar una breve oración al oído de un enfermo de epilepsia, pronunciando el nombre de los tres Reyes, este quedaría curado.
En la Antigüedad se denominaba “magos” a los estudiosos de la astrología, disciplina que desde siempre ha estado ligada a predicciones, conjeturas y fantasías: desde la observación de las constelaciones hasta el presagio del destino de los recién nacidos, el porvenir de las guerras e incluso de los matrimonios y las vidas humanas. Los Reyes Magos siguieron la estrella largamente esperada, convencidos de que su resplandor los conduciría hasta el anuncio de la llegada del Mesías.
El día 6 de enero, en diversos lugares de Europa, se solían inscribir sobre el quicio de las puertas de casas y establos las iniciales M G B, con el fin de invocar su protección sobre personas y animales frente a brujas y demonios.
La Adoración de los Reyes fue un motivo pictórico ampliamente cultivado desde el manierismo y a lo largo de todo el Renacimiento. Grandes maestros como Masaccio, Fra Angelico, Benozzo Gozzoli o Botticelli, en Italia; Van der Weyden, Memling, El Bosco y Rubens, en Flandes; y El Greco, Velázquez, entre otros, en España, recrearon esta célebre escena.
La representación sigue la estricta iconografía del lenguaje pictórico cristiano: tres reyes ataviados con suntuosos trajes dorados, acompañados de exóticos séquitos, arrodillados con sus ofrendas y en actitud de adoración en humilde establo de Belén.
Para conmemorar este maravilloso acontecimiento no puede faltar el dulce por excelencia: la Rosca o Tortell de Reyes. Se trata de un pan en forma de rosca, adornado con fruta escarchada, que originalmente se preparaba con mazapán, aunque hoy en día puede rellenarse de crema, nata o incluso chocolate. Sobre la rosca, en diversas regiones de Europa, se coloca una corona de rey mago que ceñirá al afortunado que encuentre la figurilla escondida en su interior. Por el contrario, a quien descubre el haba no le queda más remedio que pagar el precio del dulce; o, en el caso de México, quien encuentre la figura del Niño deberá llevar los tamales a la celebración de la Candelaria, el 2 de febrero.
A pesar de vivir en la era de la tecnología, hay tradiciones que perduran con el paso del tiempo; por ello, no queda más remedio que acostarse temprano, dejar los zapatos bien limpios, algo de comida para los camellos y un pequeño detalle para Sus Majestades de Oriente.

Rodrigo Rivero Lake

Colección RRL
Reyes Magos
Novohispanos
Talla directa en marfil
S. XVII
6 x 5 cm
5 x 5 cm
5 x 5 cm
5 x 4 cm

24/12/2025

Este 24 de diciembre conmemoramos el nacimiento de Jesús, quien llegó al mundo en la más profunda humildad y, aun así, nos trajo el mayor de los regalos: la esperanza.
Su nacimiento nos recuerda que la riqueza no tiene sentido si no se comparte, y que el verdadero valor está en compartir amor, y mirando a nuestros semejantes abrir el corazón.
Hoy necesitamos llevar ese mensaje en nuestros corazones y permitir que nos guíe hacia un nuevo año lleno de oportunidades, tanto a nivel personal, como a nuestro amado país.
Que sepamos reencontrarnos, reconstruirnos y mirar hacia adelante con fe y responsabilidad compartida.
Estoy convencido de que a través del arte encontramos la cultura, y en la cultura, un camino hacia la paz. El arte nos une, nos recuerda quiénes somos y nos invita a imaginar un futuro más justo y más humanamente compartido.
Que esta Navidad sea un tiempo de reflexión, de generosidad y de esperanza renovada, en donde todos formemos parte importante y constructiva que nos lleve a lograr la meta deseada.

22/12/2025