水曜日 13:00 - 18:00 木曜日 13:00 - 18:00 金曜日 13:00 - 18:00 土曜日 13:00 - 19:00

Kana Kawanishi Gallery, KANA KAWANISHI GALLERY: 江東区白河4-7/6, Koto-ku (2026)

19/08/2026

[Opening on August 29 (Sat) | Tamami Iinuma “Salut, Mr Bruno Taut” | KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY]

KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY is pleased to present a solo exhibition by Tamami Iinuma titled “Salut, Mr Bruno Taut,” beginning Saturday, August 29, 2026.

This exhibition commemorates the publication of Tamami Iinuma’s photo book of the same title, “Salut, Mr Bruno Taut.” Based in Leipzig, Paris, and Tokyo, Iinuma has presented her work by logically constructing the media of architecture, photography, and publishing through her own physical experience. In this series, she presents works photographed in Berlin and Magdeburg between 2010 and 2014, focusing on the “Siedlungen” (housing estates) designed by architect Bruno Taut in Germany in the 1920s and 1930s.

After moving to Berlin in 2008, Iinuma spent a long time photographing these landscapes while visiting the apartment complexes scattered throughout the city’s outskirts. Her focus is not merely on documenting the forms and structures of modern architecture. She captures the colors of the walls, the atmosphere around the windows, parked cars, traces of repainting, and the trees that have grown alongside the buildings over time. Through these details, the passage of time—during which the architecture has continued to be used in people’s daily lives—and the nature of that accumulation come to light.

For Iinuma, these photographs are like letters or postcards sent to Taut, conveying the message, “Your buildings are being lived in like this now.” The locations chosen for the photographs are places where a dialogue with the buildings can take place. Taken with the intention of sending a message to Taut while distancing themselves from conventional “architectural photography,” these images can be described as sketches of architecture. A sketch is a one-time creation; there is no second attempt at redrawing or finalizing it—and this sense lends each photograph its own unique immediacy.

Berlin has many overcast days, and the photography was often conducted under thick clouds. As a result, a pleasing contrast emerges between the soft brightness of the sky and the vivid colors applied to the buildings. The fact that these colors have existed in this city from the 1930s to the present was a source of pure surprise and elation for Iinuma. It is a landscape that resonates with Taut’s intention to weather Berlin’s harsh winters with a little more vitality through these vivid colors.

In the early stages of the project, Iinuma used the “Mamiya RZ67,” a medium-format camera often employed for portrait photography. She explains that, to her, architecture appeared not merely as a structure, but as a subject possessing a presence equal to that of a human being. However, after repeated instances of film malfunctions and development issues in sub-zero Berlin, the project gradually shifted to digital photography. This shift in photographic technique is also etched into the series as part of the passage of time it captures.

In this work, the trees planted on the premises serve as subjects just as important as the buildings themselves. Planted after the buildings were completed and having grown over many years, these trees stand there like actors narrating the architecture’s history. The building facades, the trees, and the shadows and sense of distance they create go beyond mere visual information to engage the viewer’s physical senses. After finishing a photo book that feels like an accumulation of wall surfaces, stepping out onto the street can feel as though the actual walls are closing in on you—this tactile quality is also one of the defining features of this series.

The title “Salut, Mr Bruno Taut,” which blends English and French, reflects Iinuma’s own linguistic sensibility, rooted in her experiences in cosmopolitan contemporary Berlin, where she has engaged in conversations—using imperfect, mixed languages—not only with Germans but with people from diverse backgrounds. Furthermore, in this work centered on the German architect Bruno Taut—who had deep ties to Japan—the title embodies the intention to capture not a unification into a single language, but rather the very state of multiple languages intersecting.

Bruno Taut, who sought asylum in Japan and harbored a deep interest in Japanese culture, and Iinuma, who was born and raised in Tokyo before moving to Berlin. The perspectives of these two individuals, who lived in different eras and places, intersect through the landscapes of architecture and the city. The layers of time preserved in architectural and urban landscapes, the lives of the people who have lived within them, and the one-of-a-kind sketches born from a dialogue with the buildings. We cordially invite all to experience Taut’s architecture and the Berlin landscape—which continues to breathe even after the passage of time—as brought to life through Tamami Iinuma’s photographs.

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Tamami Iinuma “Salut, Mr Bruno Taut”
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▼OPENING RECEPTION
August 29th (Sat) | 17:00-18:00

■Period
August 29 (Sat), 2026 - September 26 (Sat), 2026
Wed-Sat 13:00-18:00
(closed on Sun, Mon, Tue, and National Holidays)

■Venue
KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY
2-7-5-5F Nishiazabu, Minato-ku, Tokyo 106-0031

■Exhibition Details
https://www.kanakawanishi.com/en-exhibition-ph-038-tamami-iinuma

▼Monograph: “Salut, Mr Bruno Taut”

photographs/edit: Tamami Iinuma
text: Thibaut du Ruyter, Tamami Iinuma
design: Kenta Shibano
printing: Live Art Books Inc.
publisher: House of Architecture
size/spec: 191×144mm, 64p, 40 photographs, saddle stitch binding
ISBN：978-4-9911475-5-5
5,500 JPY (tax incl.)

□Organizer: Kana Kawanishi Art Office LLC.

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【8/29（土）からKANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY（西麻布）にて開催｜飯沼珠実個展『Salut, Mr Bruno Taut』】

KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHYは、2026年8月29日（土）より飯沼珠実個展『Salut, Mr Bruno Taut』を開催いたします。

本展は、飯沼珠実による同名写真集『Salut, Mr Bruno Taut』の刊行記念展覧会です。飯沼は、ライプツィヒ／パリ／東京の三都市に活動拠点をおき、建築／写真／出版のメディウムを自身の身体を通して論理的に構築しながら、発表活動を行ってきました。本シリーズでは、建築家ブルーノ・タウトが1920〜30年代にドイツで手がけた「ジードルング（集合住宅）」を被写体に、2010年から2014年にかけてベルリンおよびマクデブルクで撮影された作品を発表します。

2008年にベルリンへ移住した飯沼は、市内の周縁部に点在する集合住宅を訪ね歩きながら、長い時間をかけてその風景を撮影していきました。そこで見つめられているのは、近代建築の造形や構造を記録することだけではありません。壁面の色彩、窓辺の気配、駐車された車、塗り替えられた跡、そして建物とともに時を重ねてきた木々。そうした細部を通して、建築が今日まで人々の暮らしのなかで使われ続けてきた時間と、その蓄積のありようが浮かび上がります。

飯沼にとってこれらの写真は、タウトに向けて「あなたの建物は、いまこのように住まわれています」と伝える手紙やポストカードのようなものでもあります。撮影場所として選ばれたのは、建物とのあいだに会話が成立する場所。既存のいわゆる「建築写真」から距離を取りながら、タウトに一枚の便りを届けるように撮影された写真は、いわば建築をめぐるスケッチといえるでしょう。スケッチは最初の一度きりのものであり、二度目の描き直しや清書は成立しない—その感覚が、一枚一枚の写真に固有の即時性を与えています。

ベルリンでは曇天の日が多く、撮影はしばしば厚い雲の下で行われました。その結果、空の柔らかな明るさと、建物に施された鮮やかな色彩とのあいだに、心地よいコントラストが生まれています。それらの色彩が、1930年代から現在までこの街に存在していたという事実は、飯沼にとって純粋な驚きであり、高揚でもありました。厳しいベルリンの冬を、鮮やかな色彩によって少しでも元気に乗り越えていこうとしたタウトの意図とも響き合う風景です。

撮影初期には、ポートレート撮影に用いられることの多い中判カメラ「Mamiya RZ67」が使用されていました。飯沼にとって建築は、単なる構造物ではなく、人と等しい存在感を持つ対象として立ち現れていたといいます。一方で、氷点下のベルリンで繰り返されたフィルムの不調や現像トラブルを経て、制作は次第にデジタルへと移行していきました。こうした撮影手法の変化もまた、本シリーズに流れる時間の一部として刻まれています。

本作において、建物と並んで重要な被写体となっているのが、敷地内に植えられた木々です。建物の完成後に植えられ、長い年月を経て成長したそれらの木々は、建築の歴史を語る役者のように、その場に佇んでいます。建物の壁面や樹木、そこに生じた陰影や距離感は、視覚的な情報にとどまらず、見る者の身体感覚にも働きかけます。壁面が集積されたような写真集を読み終えたあと、街に出ると、実際の壁がこちらへ迫ってくるように感じられる—そのような触覚性もまた、本シリーズの特徴のひとつです。

英語とフランス語が混在するタイトル『Salut, Mr Bruno Taut』には、国際色豊かな現代ベルリンで、ドイツのみならずさまざまな背景を持つ人々と、不完全な複数の言語を交えながら会話を重ねてきた、飯沼自身の経験にもとづく言語感覚が反映されています。また、日本とも深い縁を持つドイツの建築家タウトをめぐる本作において、ひとつの言語に統一するのではなく、複数の言語が交差する状態そのものをタイトルに残したいという意図も込められています。

日本への亡命経験を持ち、日本文化への深い関心を抱いていたブルーノ・タウトと、東京に生まれ育ちベルリンへ渡った飯沼。異なる時代と土地を生きた二人の視線は、建築と都市の風景を介して交差していきます。建築や都市の風景に残された時間の層、そのなかで営まれてきた人々の暮らし、そして建物との対話から生まれた一度きりのスケッチ。飯沼珠実の写真を通して立ち上がる、タウトの建築と、時を経てなお息づくベルリンの風景を、ぜひご覧ください。

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飯沼珠実個展
『Salut, Mr Bruno Taut』
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▼オープニングレセプション
8月29日（土）17:00〜18:00

■会場
KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY
〒106-0031 東京都港区西麻布2-7-5 ハウス西麻布5F

■会期
2026年8月29日（土）〜 9月26日（土）
水曜日〜土曜日 13:00〜18:00 （日・月・火・祝休廊）

■展覧会詳細
https://www.kanakawanishi.com/exhibition-ph-038-tamami-iinuma

▼作品集『Salut, Mr Bruno Taut』

著・写真・編集：飯沼珠実
文章：Thibaut du Ruyter、飯沼珠実
デザイン：芝野健太
印刷：株式会社ライブアートブックス
発行：建築の建築
サイズ：191×144mm (A5変型)
仕様：64頁、写真40点収録、4C、三つ目綴じ
ISBN：978-4-9911475-5-5
¥5,500（税込）

□主催：カナカワニシアートオフィス合同会社

August 29 (Sat) - September 26 (Sat), 2026

28/07/2026

[Opening on August 8 (Sat) at KANA KAWANISHI GALLERY | Hogalee Solo Exhibition “Liminal”]

KANA KAWANISHI GALLERY is pleased to present Hogalee’s solo exhibition, “Liminal,” beginning Saturday, August 8, 2026.

Hogalee is an artist who continues to create works featuring the motif of a “girl”—symbolized through manga-style line art—as a mirror reflecting the contemporary world. In addition to canvas works layered with the context of contemporary art, he creates murals using acrylic paint and masking tape, treating the tape itself as a support that transcends the boundaries of a traditional painting frame. By consistently repeating a single motif while freely crossing genres and media, he has established a truly unique artistic presence.

This exhibition, his second solo show at KANA KAWANISHI GALLERY in four years, is titled “Liminal.” The term “liminal” originally refers to a “threshold” or “boundary” and denotes the ambiguous boundaries in space, time, and psychological states—such as “being both here and there” or “being neither yet nor already.” In architecture, it refers to spaces “between staying and moving”—such as doors, hallways, staircases, and lobbies—designed for people to pass through. In recent internet culture, it has been consumed and shared as “liminal spaces,” exemplified by “The Backrooms” and “The Exit 8,” where it is unclear whether people are present and where nostalgia and eeriness coexist. There lies a multi-layered fluctuation of sensations—where reality and fiction, security and anxiety, the sacred and the profane overlap—as if “presence emerges from absence.”

Hogalee has superimposed this liminal sensibility onto the symbolic female figure of “girl,” which epitomizes contemporary visual culture. In his canvas works, the simultaneous emergence of flat, symbolic manga-style line art and physical layers built with acrylic paint and masking tape allows him to traverse the boundaries between plane and space, canvas and wall, and object and image. Furthermore, in murals and public projects where the artwork extends beyond the gallery, by bringing “girl” to life at the boundary between “the street” and “the artwork,” and between “the everyday” and “the extraordinary,” he has subtly yet decisively shifted the viewer’s everyday perspective into “another mode.”

The new work “Line II,” which occupies a central position in this exhibition, was conceived as an homage to Andreas Gursky’s masterpiece Rhein II. Rhein II, a photographic work that drastically simplified the image into several band-like layers through horizontal stretching, revealed that this very simplicity was a form of fiction (digital editing) designed to most accurately depict a “contemporary river landscape.” By intentionally removing elements such as a figure walking a dog or factory buildings, Gursky creates a paradoxical image of “the most realistic landscape that should not actually exist in that place.” Hogalee’s “Line II,” while embracing that composition and concept, superimposes the silhouetted outline of a “girl” onto the abstracted horizontal layers, thereby depicting a new liminal space where an “anonymous landscape” and a “characteristic body” coexist.

In Hogalee’s solo exhibition “Liminal,” we also encounter a “girl” who has been reconstructed by fluidly moving between multiple contexts—such as “liminal” as a rite of passage, “liminal space” as an internet meme, and “liminal zone” as an urban interstice. The work evokes an ambiguity reminiscent of a quantum state of “both/neither” and a sense of unease bordering on the uncanny valley. We cordially invite all to this exhibition, which gracefully embraces this duality while quietly reflecting our own “existence as a boundary” as we navigate the contemporary world.

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Hogalee Solo Exhibition “Liminal”
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▼OPENING RECEPTION
August 8th (Saturday), 2026 | 17:00-18:00

■Venue　　　
KANA KAWANISHI GALLERY
4-7-6 Shirakawa, Koto-ku, Tokyo 135-0021 JAPAN

■Period
August 8 (Sat) - September 12 (Sat), 2026
Wed - Sat 13:00 - 18:00
(closed on Sun, Mon, Tue, and National Holidays)
*summer vacation: August 12 (Wed) - 15 (Sat)

■Exhibition Details
https://www.kanakawanishi.com/en-exhibition-064-hogalee

□Organizer: Kana Kawanishi Art Office LLC.

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【8/8（土）から開催｜KANA KAWANISHI GALLERY（清澄白河）Hogalee 個展『Liminal』】*English in comment section

KANA KAWANISHI GALLERYは、2026年8月8日（土）よりHogalee 個展『Liminal』を開催いたします。

Hogalee（ホガリー）は、現代を映す鏡として、漫画描写の線画にて記号化された『girl』をモチーフに描き続けてきたアーティスト。現代アートの文脈をレイヤーにしたキャンバス作品の他、タブローの枠を超えた支持体としてアクリルペイントやマスキングテープ自体で壁画制作を行うなど、ジャンルやメディウムを縦横無尽に越えながら、ひとつのモチーフを繰り返し描く姿勢を貫くことで、唯一無二の存在感を放ってきました。

KANA KAWANISHI GALLERYで4年振り、二度目の個展となる本展タイトルである「Liminal（リミナル）」とは、本来「敷居」や「閾（いき）」を意味し、空間や時間、心理状態における「ここでもあり、あそこでもある」「まだでもあり、すでにでもある」といった曖昧な境界を指す言葉です。建築においては、扉や廊下、階段、ロビーなど、人が通過するために設けられた「滞在と移動のあいだ」の空間を指し、近年のネットカルチャーにおいては、「The Backrooms」や「８番出口」に代表されるような、人気（ひとけ）があるのかないのか判然とせず、郷愁と不気味さが同居する「リミナルスペース」として消費・共有されてきました。そこには、「不在のなかに在が立ち上がる」ような、現実と虚構、安心と不安、聖性と俗性が重なり合う、複層的な感覚のゆらぎが横たわっています。

Hogaleeは、そうしたリミナルな感覚を、現代の視覚文化を象徴する「girl」という記号的な女性像に重ね合わせてきました。キャンバス作品においては、マンガ的線描によるフラットな記号性と、アクリルペイントやマスキングテープを用いた物理的なレイヤーが同時に立ち現れることで、平面と空間、画面と壁、オブジェとイメージの境界を横断します。また、アートワークがギャラリーの外へと拡張する壁画やパブリックプロジェクトにおいても、「通り」と「作品」、「日常」と「非日常」の境目に『girl』を立ち上がらせることで、鑑賞者の日常的な視界を、ささやかに、しかし決定的に「別のモード」へとずらしてきました。

本展において重要な位置を占める新作《Line II》は、アンドレアス・グルスキーの代表作《Rhein II》へのオマージュとして構想された作品です。《Rhein II》は、水平に横たわるラインによって画面をいくつかの帯状の層へと極端に単純化しつつも、その単純さ自体が「現代の河川風景」を最も正確に示すための、ある種のフィクション（デジタル編集）であることを明らかにした写真作品でした。グルスキーは、犬の散歩をする人影や工場建築などの要素を意図的に取り除くことで、「その場所に実際には存在しないはずの最もリアルな風景」という逆説的な像を立ち上げています。Hogaleeの《Line II》は、その構図とコンセプトを受け止めつつ、抽象化された水平のレイヤーのなかに、記号化された『girl』の輪郭を重ね合わせることで、「匿名的な風景」と「キャラクター的な身体」が同居する新たなリミナルな場を描き出します。

Hogalee個展『Liminal』では、このほかにも、通過儀礼としての「リミナル」、ネットミームとしての「リミナルスペース」、都市のスキマとしての「リミナルゾーン」など、複数の文脈を自在に往還しながら再構築された『girl』たちが登場します。量子的な「どちらでもあり／どちらでもない」状態を思わせる曖昧さと、不気味の谷に近似する違和感。その両義性を軽やかにまといながら、現代を生きる私たち自身の「境界としての存在」をも静かに映し出す本展を、この機会にぜひご高覧ください。

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Hogalee 個展『Liminal』
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▼オープニングレセプション
8月8日（土）17:00〜18:00

■会期
2026年8月8日（土）〜 2026年9月12日（土）
水曜日〜土曜日 13:00〜18:00　※17:45最終入場
（日・月・火・祝　休廊）
※8/12（水）〜15（土）夏季休廊

■会場
KANA KAWANISHI GALLERY
〒135-0021 東京都江東区白河4-7-6
※ギャラリー前に車をお停めいただけます

■展覧会詳細
https://www.kanakawanishi.com/exhibition-064-hogalee

□主催：カナカワニシアートオフィス合同会社

August 8 (Sat), 2026 - September 12 (Sat), 2026

02/06/2026

【6/3（水）台風接近による臨時休廊のお知らせ｜井村一登、出垣内愛二人展『battery』｜KANA KAWANISHI GALLERY（清澄白河）】 *English follows Japanese

KANA KAWANISHI GALLERYにて現在開催中の井村一登、出垣内愛による二人展『battery』は台風第6号接近に伴い、6/3（水）は臨時休廊とさせていただきます。

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井村一登、出垣内愛二人展
『battery』
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■会期
2026年5月16日（土）〜 2026年6月20日（土）
水曜日〜土曜日 13:00〜18:00
（日・月・火・祝　休廊）
※6/3（水）台風接近により臨時休廊
※17:45迄の最終入場にご協力ください

■会場
KANA KAWANISHI GALLERY
〒135-0021 東京都江東区白河4-7-6
※ギャラリー前に車をお停めいただけます

■展覧会詳細
https://www.kanakawanishi.com/exhibition-062-imura-degaito

▼トークイベント
2026年6月13日（土）14:00〜15:30頃
（イベント終了後、17:00頃までレセプション）

登壇者：
きりとりめでる（美術批評家）
吉田山（アート・アンプリファイア）
井村一登（アーティスト）
出垣内愛（アーティスト）

入場無料／ご予約不要（先着20名程度着席）
※満席の場合は、立見や入場制限となる場合がありますので、ご了承ください

□主催：カナカワニシアートオフィス合同会社

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[June 3 (Wed): Temporary closure for approaching typhoon | Kazuto Imura, Ai Degaito “battery” | KANA KAWANISHI GALLERY]

The current exhibition “battery” by Kazuto Imura and Ai Degaito on view at KANA KAWANISHI GALLERY will be temporarily closed on June 3 (Wed), due to Typhoon No. 6 approaching Tokyo.

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Kazuto Imura, Ai Degaito
“battery”
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■Venue　　　
KANA KAWANISHI GALLERY
4-7-6 Shirakawa, Koto-ku, Tokyo 135-0021 JAPAN

■Period
May 16 (Sat) - June 20 (Sat), 2026
Wed - Sat 13:00 - 18:00
(closed on Sun, Mon, Tue, and National Holidays)
*June 3 (Wed): Temporary closure for approaching typhoon

■Exhibition Details
https://www.kanakawanishi.com/en-exhibition-062-imura-degaito

□Organizer: Kana Kawanishi Art Office LLC.

May 16th (Sat) - June 20 (Sat), 2026

08/05/2026

[From May 16 (Sat) at KANA KAWANISHI GALLERY | Kazuto Imura, Ai Degaito “battery”]

KANA KAWANISHI GALLERY is pleased to present “battery,” a two-person exhibition featuring Kazuto Imura and Ai Degaito, opening Saturday, May 16, 2026.

Kazuto Imura’s practice began with deconstructing and reconstructing the structure of mirrors. From obsidian mirrors dating back to 620 BCE to modern v***r deposition techniques that bond metal to glass, he comprehensively explores the history of mirrors, their materials, and techniques. To him, a mirror is not merely a device, but an intelligence that has walked alongside humanity. By unraveling the history of mirrors through structural analysis, materials, and techniques, he can be said to serve as a spokesperson for all mirrors.

Ai Degaito has been familiar with ceramics and glazes since childhood and majored in materials thermochemistry, applied chemistry, and ceramics at university. After graduation, she honed her skills in ceramic-producing regions such as Shigaraki and Okinawa. Witnessing firsthand the reality of “eternity that does not return to the earth”—where pottery, once fired by flame, cannot return to the earth and is instead discarded in mountains of waste—she began exploring sustainability in ceramic expression. Through material selection and the glazing process, she pursues a unique form of expression that fixes and represents “communication with others” and “the memory of materials” within the glaze.

This exhibition features an all-new collection of works and is structured around a framework of mutual reference: “Imura curates Degaito, and Degaito curates Imura.” Through this structure—which offers a meta-perspective on the “mirror” that Imura continually pursues—the two artists resonate with each other’s essence. By allowing their works to be “shaped by the material,” they generate a new chemical reaction in artistic expression.

Imura’s new work, “a solid fountain,” incorporates the mythical imagery of Narcissus—which he has been exploring in recent years—into his established mirror in the rough series, which uses discarded glass blocks that failed to become mirrors in the factory. Degaito applies heat treatment to the glass blocks in a kiln, gently softening the entire piece to remove scratches and stains while preserving its original shape and characteristics. Through further polishing and a mirror finish, the glass is finally transformed into a mirror. Imura comments on this work as follows:

“This mirror is a solid fountain. It exists as a water surface for Narcissus. The redemption of glass that could not become a mirror and the redemption of preventing Narcissus from drowning in the water are bound together within a single structure.”

Degaito’s new work, “Legacy System,” originates from the clinic once run by her grandfather. By sealing fragments of various materials fired by Degaito into a pill-packaging machine left behind in the clinic—which once dispensed prescriptions on-site—the installation assumes a narrative quality, as if each material were stored in its own pouch, waiting to be opened.

We cordially invite all to this exhibition, where two artists who have deeply engaged with materials and the act of creation draw out new power through the curation of each other’s work.

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Kazuto Imura, Ai Degaito
“battery”
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▼Talk Event
June 13 (Sat)2026 14:00-15:30
(Reception after the talk until 17:00)
*Free / No reservation required (20 seats)
*Please note the talk will be conducted only in Japanese.
*Speaker information will be posted as soon as it is confirmed.

■Venue　　　
KANA KAWANISHI GALLERY
4-7-6 Shirakawa, Koto-ku, Tokyo 135-0021 JAPAN

■Period
May 16 (Sat) - June 20 (Sat), 2026
*No opening reception on May 16
Wed-Sat 13:00-18:00
(closed on Sun, Mon, Tue, and National Holidays)

■Exhibition Details
https://www.kanakawanishi.com/en-exhibition-062-imura-degaito

□Organizer: Kana Kawanishi Art Office LLC.

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【5/16（土）からKANA KAWANISHI GALLERY（清澄白河）にて開催｜井村一登、出垣内愛二人展『battery』】

KANA KAWANISHI GALLERYは、2026年5月16日（土）より井村一登（いむら・かずと）、出垣内愛（でがいと・あい）による二人展『battery』を開催いたします。

井村一登の制作は、鏡の構造を解体し、再構築するプロセスから始まりました。紀元前620年の黒曜石の鏡から、現代のガラスに金属を圧着する蒸着技術に至るまで、彼は鏡の歴史と素材・技法研究を網羅的に探求しています。彼が鏡に感じているのは、ただの装置ではなく、人間とともに歩いてきた知性です。構造学や素材・技法、鏡の歴史を紐解く彼は、すべての鏡の代弁者になっていると言えるでしょう。

出垣内は、幼少期から陶磁器と釉薬に親しみ、大学では材料熱化学・応用化学・陶磁器を専攻。卒業後は信楽や沖縄などの陶磁器生産地で技術を磨いてきました。一度炎を受け加熱された陶器は大地に還ることができず、山のように積み上げられて廃棄されてしまう「土に還らぬ永遠」の現場を目の当たりにし、陶芸表現における持続可能性を探求。素材選定や釉化過程のなかで「他者とのコミュニケーション」や「素材の記憶」を釉薬に定着・表象させる独自の表現を追求しています。

本展はすべて新作を発表すると共に、「井村が出垣内を、出垣内が井村をキュレーションする」という相互参照の構造を軸に構成されます。井村が追求し続ける鏡をメタ的に捉えたこの構造により、互いの本質を響き合わせ「マテリアルに作用されること」で作品が完成する両アーティストによる、新たな表現の化学反応が生まれます。

井村の新作《a solid fountain》は、工場で鏡になることができなかった廃棄のガラス塊を用いる従来の〈mirror in the rough〉シリーズに、近年制作しているナルキッソスの神話的イメージを加えて新たに制作したものです。ガラス塊を、出垣内が窯で熱処理を加えてガラス全体を緩やかに軟化させ、元の形状と特徴を留めながら、傷や汚れを消す。さらに研磨と鏡面塗装を加えることで、ついにガラスは鏡になります。

「この鏡は固体の泉。ナルキッソスのための水面として在る。鏡になれなかったガラスの救済と、ナルキッソスを水中に溺れさせない救済が、一つの構造の中に結ばれている。」

出垣内の新作《Legacy System》は、祖父が営んでいた医院に由来します。かつては院内処方していた診療所に残されていた分包機に、出垣内が焼成した多様な素材の破片を封入することで、それぞれの素材が袋ごとに保管され、開かれるのを待つかのような物語性を持ったインスタレーションとなります。

素材と制作行為に深く向き合ってきた二人が、互いにキュレーションし合うことで新たな力を引き出す本展を、ぜひお見逃しなくご高覧ください。

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井村一登、出垣内愛二人展
『battery』
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▼トークイベント
2026年6月13日（土）14:00〜15:30頃
（イベント終了後、17:00頃までレセプション）

登壇者：
きりとりめでる（美術批評家）
吉田山（アート・アンプリファイア）
井村一登（アーティスト）
出垣内愛（アーティスト）

入場無料／ご予約不要（先着20名程度着席）
※満席の場合は、立見や入場制限となる場合がありますので、ご了承ください

■会期
2026年5月16日（土）〜 2026年6月20日（土）
※5/16はオープニングレセプションを行いません

水曜日〜土曜日 13:00〜18:00
（日・月・火・祝　休廊）
※17:45迄の最終入場にご協力ください

■会場
KANA KAWANISHI GALLERY
〒135-0021 東京都江東区白河4-7-6
※ギャラリー前に車をお停めいただけます

□主催：カナカワニシアートオフィス合同会社

■展覧会詳細
https://www.kanakawanishi.com/exhibition-062-imura-degaito

May 16th (Sat) - June 20 (Sat), 2026

07/04/2026

[Opening on April 18 (Sat) | Kenji Toma “Thinking through Flowers / 11 Individuals” | KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY]

KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY is pleased to present Kenji Toma’s solo exhibition, “Thinking through Flowers / 11 Individuals,” opening Saturday, April 18, 2026.

Kenji Toma has gained international acclaim for his signature series “The Most Beautiful Flowers,” which is rooted in his deep admiration for 19th-century botanical illustration. With the publication of his monograph in Germany and acclaim across diverse cultural spheres, including the United States, the United Kingdom, India, South Korea, and Japan, his works captivate audiences with their realism, lyricism, and timeless aesthetic sensibility.

The new series, “Thinking through Flowers / 11 Individuals,” making its world premiere at this exhibition, vividly captures the ‘aftermath’ of the flowers photographed as subjects for “The Most Beautiful Flowers.” Regarding this work, the artist explains that he intends to look into the depths of existence as an individual who has lived a full life, transcending the superficial notions of life and death.

While the beauty of colorful flowers is undeniable, this series deliberately focuses on withered flowers that have lost their freshness, presented in monochrome as large-format prints. In a world where contemporary life often seeks to challenge the natural order and the passage of time, these works confront these inevitable changes directly, allowing viewers to reflect on the weight and fleeting nature of life, while also evoking a thought-provoking sense of wonder.

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Kenji Toma “Thinking through Flowers / 11 Individuals”
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▼OPENING RECEPTION
April 18 (Sat), 2026 | 17:00-18:00

■Period
April 18 (Sat) - May 23 (Sat), 2026
Wed-Sat 13:00-18:00 (closed on Sun, Mon, Tue, and National Holidays)
*Closed during April 29 (Wed) - May 6 (Wed)

■Venue
KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY
2-7-5-5F Nishiazabu, Minato-ku, Tokyo 106-0031

■Exhibition Details
https://www.kanakawanishi.com/en-exhibition-ph036-kenji-toma

□Organizer: Kana Kawanishi Art Office LLC.

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【4/18（土）からKANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY（西麻布）にて開催｜藤間謙二個展『花を通して考える / 11の個性』】*English follows Japanese

KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHYは、2026年4月18日（土）より藤間謙二個展『花を通して考える／11の個性（11 Individuals）』を開催いたします。

藤間謙二は、19世紀の植物細密画への敬愛を根底に据えた代表作〈The Most Beautiful Flowers〉で国際的な評価を獲得してきました。ドイツでの作品集刊行をはじめ、アメリカ、イギリス、インド、韓国、日本など多様な文化圏で高く評価され、その写実性と抒情性、そして時代を超えた美意識は多くの観覧者を魅了しています。

本展で世界初公開となる新作シリーズ〈花を通して考える／11の個性〉は、〈The Most Beautiful Flowers〉の被写体として撮影された花々の「その後」を克明に捉えたものです。作家は本作について、表層的な「生」「死」を超えて、命を全うした個としての存在の深淵を見つめる意図を語っています。

色彩溢れる花の生命力も確かに美しい一方で、本シリーズは瑞々しさを失い枯れきった花をモノクロームで厳密に写し取り、大判プリントで提示します。現代はしばしば自然の営みや時の流れにあらがうような生き方が求められますが、こうした「抗い得ない変化」を真正面から見据えることで、作品は命の重みと儚さ、そして示唆に富んだ驚きを観る者にもたらすことでしょう。

皆さまのご来場を心よりお待ちしております。

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藤間謙二個展
『花を通して考える / 11の個性』
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▼オープニングレセプション
4月18日（土）17:00〜18:00

■会場
KANA KAWANISHI PHOTOGRAPHY
〒106-0031 東京都港区西麻布2-7-5 ハウス西麻布5F

■会期
2026年4月18日（土）〜2026年5月23日（土）
水曜日〜土曜日 13:00〜18:00 （日・月・火・祝休廊）
※臨時休廊：4/29（水）〜5/6（水）

■展覧会詳細
https://www.kanakawanishi.com/exhibition-ph036-kenji-toma

□主催：カナカワニシアートオフィス合同会社

2026. 4. 18 - 5. 23｜藤間謙二個展『花を通して考える / 11の個性』

17/03/2026

[From March 21 (Sat) at KANA KAWANISHI GALLERY | Houxo Que “Eerie and Beautiful Labors”]

KANA KAWANISHI GALLERY is pleased to present a solo exhibition by Houxo Que titled “Eerie and Beautiful Labors” starting Saturday, March 21, 2026.

Houxo Que began his career as a street artist, creating murals inspired by graffiti. In recent years, he has become known as an artist who expands the possibilities of painting through works such as installations featuring water surfaces—the primordial display—illuminated by light, and displays that flash as they are pierced by steel pipes. This exhibition will present Houxo Que’s new paintings.

An iPhone’s front-facing camera mounted on the wall recognizes the viewer, and the on-screen voice announces their presence. Multiple devices are arranged throughout the space, each using VoiceOver—an accessibility feature—to read aloud information on its screen in different languages. As these multilingual voices overlap, an environment emerges in which multiple voices intertwine. The smartphone screens, layered with fingerprints rendered in transparent acrylic medium, distort the light and blur the viewer’s image.

Smartphones are devices that are constantly touched and remain active throughout our daily lives. Receiving notifications, recognizing faces, speaking, and responding to gaze—it resembles a body performing a certain kind of labor. Such a body is shaped by the mining of rare minerals, complex manufacturing processes, distant server clusters, and the labor of many people. Some of these resources are geographically linked to conflict zones, and electronic technologies, including semiconductors, have a history of dual use, oscillating between civilian and military applications.

Que focuses on the iPhone as a device where the functions of the device, the human body, and the layers of society and history surrounding them intersect. There, the outlines of contemporary culture and the technological environment manifest as a single form. Amid a situation in which the “seeing subject” moves back and forth among the device, the screen, and the body, the iPhone itself—as a visual device—emerges as a supporting medium.

We cordially invite all to this exhibition, where Houxo Que’s new works, created as an attempt to draw this multi-layered device into the form of paintings, are on display.

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Houxo Que Solo Exhibition
“Eerie and Beautiful Labors”
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▼OPENING RECEPTION
March 21 (Saturday), 2026 | 17:00-18:00

■Venue　　　
KANA KAWANISHI GALLERY
4-7-6 Shirakawa, Koto-ku, Tokyo 135-0021 JAPAN

■Period
March 21 (Sat) - April 25 (Sat), 2026
Wed - Sat 13:00 - 18:00
(closed on Sun, Mon, Tue, and National Holidays)

■Exhibition Details
https://www.kanakawanishi.com/en-exhibition-061-houxo-que

□Organizer: Kana Kawanishi Art Office LLC.

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【3/21（土）からKANA KAWANISHI GALLERY（清澄白河）にて開催｜『Houxo Que 個展『不気味で美しい労働』】

KANA KAWANISHI GALLERYは、2026年3月21日（土）よりHouxo Que（ホウコォ・キュウ）個展『不気味で美しい労働』を開催いたします。

Houxo Queは、グラフィティを起点に壁画を制作するストリートアーティストとして活動を開始。近年では、原初のディスプレイである水面が光を受けるインスタレーションや、鉄パイプを貫通させたまま点滅するディスプレイなど、ペインティングをマルチに発展させる作品を展開するアーティストとして知られています。本展では、Houxo Queの新作絵画作品を発表いたします。

壁に固定された iPhoneのインカメラは鑑賞者を認識し、画面の音声がその存在を読み上げます。空間には複数の端末が並び、それぞれ異なる言語で、画面上の情報を読み上げるアクセシビリティ機能である VoiceOver が発話します。多言語の声が重なり合うことで、空間には複数の声が交錯する環境が生まれます。透明なアクリルメディウムによる指の痕跡が重ねられたスマートフォンの画面は光を歪ませ、鑑賞者の像を揺らがせます。

スマートフォンは、日常のなかで絶えず触れられ、働き続けている装置でもあります。通知を受け取り、顔を認識し、声を発し、視線に応答する——それはある種の労働を担う身体のようにも見えます。そうした身体は、希少鉱物の採掘、複雑な製造工程、遠くのサーバー群、そして多くの人間の労働によって形づくられています。資源の一部は紛争地域と地理的に結びつき、半導体をはじめとする電子技術は民生と軍事のあいだを往復するデュアルユースの歴史を持っています。

Queは、装置の働きと人間の身体、そしてそれを取り巻く社会や歴史の層が交錯する地点として、iPhoneという装置に注目しています。そこには、現代の文化や技術環境の輪郭が、ひとつの形として現れています。装置、画面、身体のあいだで「見る主体」が往復する状況のなかで、iPhoneという視覚装置そのものが支持体として立ち上がります。

本展では、そうした複数の層を抱えた装置を「絵画の形式」の中に引き寄せる試みとして制作された、HouxoQueの新作をご高覧ください。

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Houxo Que 個展『不気味で美しい労働』
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▼オープニングレセプション
3月21日（土）17:00〜18:00

■会場
KANA KAWANISHI GALLERY
〒135-0021 東京都江東区白河4-7-6
※ギャラリー前に車をお停めいただけます

■会期
2026年3月21日（土）〜 2026年4月25日（土）
水曜日〜土曜日 13:00〜18:00
（日・月・火・祝　休廊）

■展覧会詳細
https://www.kanakawanishi.com/exhibition-061-houxo-que

□主催：カナカワニシアートオフィス合同会社

March 21 (Sat) - April 25 (Sat), 2026

07/02/2026

[From February 14 (Sat) at KANA KAWANISHI GALLERY | Group Exhibition “Seen, Remembered, Unmake”]

KANA KAWANISHI GALLERY is pleased to present the group exhibition, “Seen, Remembered, Unmake,” opening Saturday, February 14, 2026.

“Seen, Remembered, Unmake” is an exhibition that explores the creation and dissolution of images through acts of extraction, seeing, exploring perspectives, or remembering/tracing memory. Five artists [Naruki Oshima, Kazuhito Tanaka, Atsushi Aizawa, Tamami Iinuma, Rimi Arimoto], each employing their own techniques and languages, weave together their subjects and traces of memory, visualizing the processes of reconstruction and unmaking brought about by seeing and remembering. Memory is not only preserved but also edited, dismantled, and reshaped—the exhibition focuses on these subtle transformations and the spaces between.

Naruki Oshima was born in Osaka in 1963. Guided by the concept of “seeing”—establishing a new relationship with the world—he primarily employs photography as his medium. Through methods that disrupt perspective, he introduces shifts in the interpretation of everyday spaces, creating expressions that amplify the light, color, and tactile sensations that constitute the image of his subjects. This exhibition features works created during his recent extended research residencies in Düsseldorf and Helsinki. Using a close-up photographic technique called the “focus collage,” he exploits differences in depth of field to depict the ‘emergence of parts.’ Through the tactile quality of surfaces and the materialization of light, he presents moments where meanings arise between multiple motifs.

Kazuhito Tanaka was born in Saitama in 1973. After graduating from Meiji University, he moved to the United States and earned a degree from the School of Visual Arts (NY). He creates works exploring the relationship between photography and painting, employing photograms and abstract expression. For this exhibition, he presents the series “PP,” in which color photogram prints are placed on the color fields of abstract paintings on canvas. Through the intersection of photographic traces and painterly composition, he attempts to reorganize memory and vision.

Atsushi Aizawa was born in Kanagawa in 1991. Aizawa studied Japanese painting and media arts at Tama Art University. He continues to visualize invisible forces by incorporating the natural properties of materials, such as magnetism and rust. He has gained attention for his body of work that fuses Japanese painting’s sense of color with media technology, layering the mechanics of nature with layers of memory. For this exhibition, he will present a new magnetic painting created on-site at the gallery.

Tamami Iinuma was born in Tokyo in 1983. She has been presenting her work in both Europe and Japan, logically constructing the mediums of architecture, photography, and publishing through her own body. This exhibition presents a portion of Chapter “4: Gestohlene Erinnerungen wurden erneut zerstört (The memory that was deleted twice)” from the series “Japan in der DDR - Gestohlene Erinnerungen wurden erneut zerstört.” Inspired by an incident in the 1970s in which burglars broke into the construction office of a hotel under construction by Kajima Corporation in East Germany, stealing only the 35mm film while the camera body remained in the safe, Iinuma photographed the surrounding site herself using 35mm film. However, after returning to Japan and sending the film for development, a malfunction in the developing machine caused the photos to fade to white. These two incidents may appear coincidental at first glance, but upon closer inspection, the first was likely carried out by a Stasi spy, given the historical context at the time, and the second was essentially caused by human error. The memory did not naturally disappear but was literally deleted twice.

Rimi Arimoto was born in Kanagawa in 2001. She graduated from Tama Art University’s Department of Painting, Printmaking Major, in 2024 and is currently expected to complete her Master’s program at the same university in 2026. Centered on video works and print expressions, her practice explores concepts such as gaze, time, passage, perception, sensation, and layers. She investigates how discrepancies between observation and memory, and overlapping layers of information, transform the viewer’s perception. In this exhibition, she plans to exhibit video works that reexamine the temporal and layered structure of visual experience.

This exhibition presents expressions extracted from the acts of seeing, remembering, and unmaking, creating a space where the distinct techniques and approaches of five artists intersect. It aims to evoke new perspectives and sensibilities through the very process of unraveling and reorganization—specifically, through the freshness, gaps, and transformations inherent within it.

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Group Exhibition
“Seen, Remembered, Unmake”
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▼OPENING RECEPTION
February 14th (Saturday), 2026 | 17:00-18:00

■Artists
Naruki Oshima, Kazuhito Tanaka, Atsushi Aizawa, Tamami Iinuma, Rimi Arimoto

■Venue　　　
KANA KAWANISHI GALLERY
4-7-6 Shirakawa, Koto-ku, Tokyo 135-0021 JAPAN

■Period
February 14 (Sat) - March 7 (Sat), 2026
Wed - Sat 13:00 - 18:00
(closed on Sun, Mon, Tue, and National Holidays)

■Exhibition Details
https://www.kanakawanishi.com/en-exhibition-060-seen-remembere

□Organizer: Kana Kawanishi Art Office LLC.

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【2/14（土）からKANA KAWANISHI GALLERY（清澄白河）にて開催｜『Seen, Remembered, Unmake みる・記憶する・ほどく—視点と痕跡』】

KANA KAWANISHI GALLERYは、2026年2月14日（土）より５人のアーティストによるグループ展『Seen, Remembered, Unmake みる・記憶する・ほどく — 視点と痕跡』を開催いたします。

『Seen, Remembered, Unmake』は、抽出する・みる・視点を探る・記憶する／記憶を辿るといった行為を通じて表出するイメージの生成と消解を探る展覧会です。５人の作家がそれぞれの技法と言語で、対象の表面や記憶の痕跡を織り、みることと記憶することがもたらす再構成とほどき（unmake）のプロセスを可視化します。記憶は保存されるだけでなく、編集され、解体され、別のかたちを得る——その微細な変容や余白に注目します。

大島成己（おおしま・なるき）は、1963年大阪生まれ。“視ること－世界との新たな関係の取り方”という考えのもと、主に写真を表現手段に用い、遠近感を崩していく方法を通じ、日常的な空間解釈にズレを持ち込み、被写体イメージを構成する光・色彩、そして触覚感を増幅させる表現を試みています。本展では、近年デュッセルドルフおよびヘルシンキでの長期研究滞在を経て制作された作品を出品。フォーカスコラージュと呼ばれる接写技法で、被写界深度の差異を利用し「部分の浮かび上がり」を描出し、表面の手触りや光の現象化を通じ、複数モチーフの間で意味が生まれる瞬間を提示します。

田中和人（たなか・かずひと）は、1973年埼玉生まれ。明治大学卒後渡米、School of Visual Arts（NY）卒。写真と絵画の関係性を巡り、フォトグラムや抽象表現を用いた作品を発表。本展では、キャンバス上の抽象絵画の色面にカラーフォトグラムの印画紙を配置するシリーズ〈PP〉を出品し、写真的痕跡と絵画的構成の交差を通して記憶と視覚の再編を試みます。

相澤安嗣志（あいざわ・あつし）は、1991年神奈川生まれ。多摩美術大学で日本画とメディア芸術を学び、磁気や錆など自然界の物質性を取り込みつつ、見えない力を可視化する試みを続けています。日本画的な色彩感覚とメディア技術を融合させ、自然の力学と記憶の層を重ねる作品群で注目されています。本展では、ギャラリーにて現地制作した磁力絵画の新作を出品いたします。

飯沼珠実（いいぬま・たまみ）は、1983年東京生まれ。建築／写真／出版のメディウムを自身の身体を通し論理的に構築しながら、欧州と日本の相互で発表活動を行ってきました。本展では、〈Japan in der DDR - 東ドイツにみつけた三軒の日本の家〉より、「第4章二度消された記憶」の一部を展示します。1970年代、東独で鹿島建設が施工していたホテルの建設事務所に空巣が入り、カメラ本体は金庫内に残されたまま「35ミリフィルムだけが盗まれた」という出来事に着想を得た飯沼は、自ら35ミリで現場周辺を撮影しました。しかし帰国後に現像に出したところ、現像機の不具合で写真が白く消えてしまってました。一見すると偶発的にもみえるこれらの出来事ですが、一度目は時代背景を省みるとシュタージ（秘密警察）のスパイによるものとも考えられ、二度目はいわば人災に起因しており、その記憶はまさに「消えた」と言うより「消され」てしまったのです。

有本理美（ありもと・りみ）は、2001年神奈川生まれ。2024年に多摩美術大学美術学部絵画学科版画専攻を卒業し、現在は同大学大学院修士課程を修了見込み（2026年）。映像作品や印刷表現を軸に、視線・時間・経過・見え方・感じ方・レイヤーといった概念への関心を制作に展開しています。観察と記憶のズレや、重なり合う情報層が鑑賞者の知覚をどのように変容させるかを探り、視覚体験の時間的・層的構造を問い直す映像作品を出品予定です。

５人の作家による異なる技法とアプローチが交差する場として、みること・記憶すること・ほどくことから抽出される表現を提示する本展では、ほどかれ再編される過程そのもの、つまりそこに潜む鮮度や欠落、変容を通じて新たな視座と感受性を喚起することを目指します。是非お見逃しなくご高覧ください。

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『Seen, Remembered, Unmake
みる・記憶する・ほどく—視点と痕跡』
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▼オープニングレセプション
2026年2月14日（土）17:00〜18:00

■参加アーティスト
大島成己・田中和人・相澤安嗣志・飯沼珠実・有本理美

■会場
KANA KAWANISHI GALLERY
〒135-0021 東京都江東区白河4-7-6
※ギャラリー前に車をお停めいただけます

■会期
2026年2月14日（土）～ 2026年3月7日（土）
水曜日〜土曜日 13:00〜18:00
（日・月・火・祝　休廊）

■展覧会詳細
https://www.kanakawanishi.com/exhibition-060-seen-remembered-unmake

□主催：カナカワニシアートオフィス合同会社

February 14 (Sat), 2026 - March 7 (Sat), 2026

Kana Kawanishi Gallery

19/08/2026

28/07/2026

02/06/2026

08/05/2026

07/04/2026

17/03/2026

07/02/2026

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