L'arte nella Fede

26/06/2026

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Alessandro Bonvicino detto il Moretto, Nascita di Gesù con San Girolamo e un donatore girolamino [Pala delle Grazie], 1530, olio su tela, 241 × 180 cm, Pinacoteca Tosio Martinengo, Brescia. Il Rinascimento bresciano trova nella produzione sacra di Alessandro Bonvicino detto il Moretto una delle sue espressioni più alte, capace di innestare sul rigore plastico formale una profonda e penetrante sensibilità per il dato naturale. Eseguita nel 1530 - datazione confermata dalla celebrazione della prima Messa sull'altare maggiore della basilica di Santa Maria delle Grazie a Brescia, di cui costituiva la pala d'altare originaria - l'opera fu commissionata dalla Congregazione degli eremiti di San Gerolamo. Il dipinto fu trasferito nelle collezioni civiche nel 1888, in vista delle grandi celebrazioni centenarie in memoria del maestro bresciano, e nel luogo della sua collocazione originaria all'interno del Santuario è oggi visibile una copia moderna che ne perpetua la memoria liturgica e devozionale. Come evidenziato in un'eccellente analisi storico-critica e iconografica a cura di Laura Bazzano, il testo visivo si impone come un caposaldo del naturalismo lombardo del Cinquecento, unendo in un'unica sintesi il misticismo della tradizione locale e una nuova attenzione nella resa fisionomica dei personaggi. L'impianto strutturale si articola secondo una calibrata spazialità, focalizzata in primo piano sull'Adorazione dei pastori, ambientata davanti alle rovine di un'architettura fatiscente invasa dalla vegetazione, simbolo del paganesimo che si sgretola con l'avvento della nascita di Cristo. L'accuratezza iconografica si concentra su un episodio insolito mutuato dai vangeli apocrifi: il miracolo della "levatrice incredula". Punita con l'infermità della mano per aver dubitato della verginità di Maria, la donna viene qui ritratta nel momento del ritrovato uso dell'arto, mentre assiste la Vergine per il primo bagno del Bambino. A questo evento allude il brano di natura morta nella parte inferiore della tela, dove il bacile metallico e la cesta di panni bianchi prefigurano simbolicamente il bianco del sudario e il mistero della Passione. Sulla destra, la composizione accosta alla figura muscolosa e nerboruta di San Girolamo, esempio di pittura pre-caraveggesca, il ritratto del donatore girolamino, identificato in modo quasi fotografico nel profilo di fra Ludovico Barcella da Chiari, già priore del convento. La perizia tecnica del Moretto si esprime nella nitida tornitura delle masse e nella definizione analitica dei dettagli, quali l'intonaco scrostato, i muri in mattoni e i tronchi nodosi, che richiamano la grafica nordica di Albrecht Dürer. La stesura del colore, ricca di accordi argentei e campiture luminose, evidenzia un fare pittorico ricercato che documenta un legame di personale amicizia e ammirazione con Lorenzo Lotto, anch'egli tra i rarissimi autori a confrontarsi con l'iconografia della levatrice apocrifa. Sullo sfondo, un paesaggio collinare di fantasia sfuma in tonalità calde e pastello, dove i nembi grigiastri si fondono con la vegetazione arrampicata sulle pareti per garantire la sintesi ottica della profondità prospettica.

05/04/2026

A Varallo, all’interno della Chiesa di Santa Maria delle Grazie si conserva una delle opere più celebri e ricercate della Valsesia: la grande “Parete Gaudenziana”, un imponente tramezzo affrescato da Gaudenzio Ferrari nel 1513. L’opera raffigura, attraverso una potente narrazione per immagini, alcuni episodi fondamentali della Vita e della Passione di Gesù Cristo, dall’Annunciazione alla Resurrezione, offrendo al fedele una lettura immediata e profondamente coinvolgente del messaggio evangelico. In questa immagine: il Compianto della Vergine sul Cristo morto.

16/03/2026

Nel cimitero della frazione Villa di Monticello d’Alba sorge l’antichissima ca****la di San Ponzio, dedicata al diacono di Cartagine, attivo nella lotta al paganesimo nel III secolo, celebrato come santo l’8 marzo. Gli affreschi più antichi che ne decorano l’interno, del X-XI secolo, raffigurano san Ponzio e sant’Eligio. Risale invece al periodo terminale del Duecento e quello iniziale del Trecento questa Crocifissione, forse realizzata prima delle infeudazioni dei Malabaila, del 1341, e dei Roero, nel 1376, quando la chiesa di San Ponzio era elencata nel cattedratico del Vescovado di Asti. La scena, semplice e intensa, raggruppa sotto i bracci della croce di Cristo le figure dolenti della Vergine e di san Giovanni, rese con linee di contorno incisive che raggiungono il loro apice nel rivelare il costato del Cristo morente. Al contrario i panneggi rivelano uno studio dei volumi più accurato, simile nel perizoma di Gesù e nel mantello di Giovanni; più articolato nella veste della Vergine con il manto recante il dettaglio della Stella Maris e la veste con un motivo scudato. Interessante notare come la croce, nella sua parte superiore, fuoriesca dal fregio a scacchiera che circonda la scena, come a sfondare la bidimensionalità dell’affresco. Un altro dettaglio degno di nota sono le mani di Cristo che, seppur inchiodate al braccio della croce, mostrano un segno di benedizione. Sopra la traversa della croce compaiono infine il sole e la luna, riferite al passo evangelico di Luca, 23,44-46 con l’improvvisa oscurità che piombò sulla terra al momento della morte di Gesù; ma anche l’immortalità e la resurrezione, con il ruolo di Cristo quale signore del tempo.

16/03/2026

Mattia Preti (Taverna, 1613 – La Valletta, 1699) Negazione di san Pietro, cm. 98×130, coll. privata

16/03/2026

Evangelistario di Matilde di Canossa, Crocifissione, piatto della coperta, argento dorato, XI secolo, Musei Benedettino e Diocesano d’Arte Sacra, Nonantola. Vere e proprie isole culturali, i monasteri benedettini furono luoghi di trasmissione del sapere attraverso i testi manoscritti in pergamena, elaborati nel Medioevo dai monaci amanuensi e miniatori. Oggi restano a Nonantola tre codici minati degli oltre 259 certamente prodotti dai monaci benedettini nel lavoro nello scriptorium monastico. Distruzioni, furti, doni di rappresentanza e trasferimenti voluti dagli stessi abati hanno fatto in modo che il patrimonio dell’antica biblioteca medievale sia oggi dispersa in vari centri culturali europei, specialmente Roma, presso la Biblioteca Nazionale e la Biblioteca Apostolica Vaticana. Dei tre codici ancora custoditi, il primo è l’Evangelistario di Matilde di Canossa, dell’XI secolo, in minuscola carolina, contenente splendidi capilettera e dieci miniature raffiguranti gli episodi fondamentali dell’anno liturgico. Di straordinaria bellezza risultano i due piatti della coperta in argento dorato con Crocifissione e Dio benedicente in mandorla e i simboli dei quattro evangelisti. Nella Crocifissione è da notare la disposizione dei piedi separati nel Cristo morente, forma predominante dell’epoca, derivata da opere di età ottoniana, come la presenza delle due figure dolenti ai lati della croce. La differenza principale da evangelario ed evangelistario risiede nel contenuto: l'evangelario contiene l'intero testo dei quattro Vangeli, mentre l'evangelistario contiene solo le pericopi, ovvero i brani evangelici selezionati per la proclamazione liturgica durante la Messa, spesso ordinati secondo il calendario liturgico.

28/02/2026

Scipione Pulzone detto il Gaetano, Compianto sul Cristo morto, 1593, olio su tela, 289.6x172.7 cm, The Metropolitan Museum of Art, New York. Come per i Carracci, Pulzone unì il ritorno allo studio della natura con gli ideali classici della scultura antica e di Raffaello. Lo stile monumentale e austero di questa importante pala d'altare intendeva integrarsi con la sua destinazione originaria, la ca****la della Passione di Cristo nella Chiesa del Gesù, a Roma. Non è concepita come un soggetto narrativo, ma come un modo per i fedeli di meditare sulla Deposizione di Cristo nel Sepolcro, in linea con gli Esercizi Spirituali di Sant'Ignazio di Loyola, del 1548. Nonostante la sua estrema stilizzazione, alcuni dettagli realistici come le lacrime della Vergine, la corona di spine tenuta da san Giovanni e il pallore del corpo di Cristo erano occasioni per una contemplazione concentrata sul sacrificio di Cristo.

28/02/2026

Andrea Mantegna, Crocifissione, 1456-1459, tempera su tavola, 76x96 cm, Museo del Louvre, Parigi. Dopo le requisizioni napoleoniche, se i tre pannelli principali della celebre Pala di San Zeno sono ritornati nella collocazione originaria, la veronese Basilica di San Zeno, altrettanto non si può dire per i tre pannelli della predella, ora sostituiti da copie degli originali. Quelli laterali, raffiguranti l’Orazione dell’Orto e la Resurrezione di Cristo, sono conservati entrambi a Tours, nel Musée des Beaux-Arts; quello centrale, con la Crocifissione, è invece collocato al Louvre. È proprio la Crocifissione a mostra la comprensione dell’arte di Donatello, con la profonda penetrazione psicologica dei personaggi - si pensi allo straziante dolore della Vergine - unita all’indifferenza di altri, come i soldati che si spartiscono la veste giocando a dadi o le due mezze figure in primo piano. L'abbigliamento all'antica dei soldati è molto curato e dimostra la volontà di Mantegna di ricreare con precisione l'ambientazione nel mondo classico, con un approccio organico che tende a travalicare la semplice citazione erudita.

08/02/2026

Maestro di Staffolo, Cristo crocifisso con San Giovanni Battista, San Girolamo e San Francesco d'Assisi, 1430-1440 circa, tempera su tavola, 22.3x21.5 cm, Museo d'Arte, Ravenna.

08/02/2026

Nei suoi scritti Paolino di Nola racconta che durante la persecuzione di Decio - del 250-251 - Massimo che era il vescovo di Nola, già vecchio e malato, in un primo momento fece di tutto per difendere i cristiani, poi, di fronte all'inasprirsi della persecuzione, affidò la diocesi a Felice - che aveva designato come successore - e preferì andare a rifugiarsi in un luogo deserto. Felice fu messo in carcere e torturato perché sacrificasse agli dei pagani, ma un giorno gli apparve un angelo che lo liberò e lo condusse da Massimo, che stava morendo di fame e di sete. Felice raccolse da una vite un grappolo di uva maturato miracolosamente fuori stagione, e con il succo di essa rianimò Massimo, poi se lo caricò sulle spalle, lo riportò in città e lo affidò alle cure di una devota cristiana. Massimo morì serenamente qualche tempo dopo. A Firenze la ca****la alla destra dell’altare maggiore della Chiesa di San Felice, c’è traccia di San Massimo da Nola - celebrato il 7 febbraio. Si tratta di un dipinto - fedele al racconto di Paolino - datato all’incirca all’anno 1636 ed attribuito al pittore Giovanni da San Giovanni, che iniziò l’opera, completata successivamente dal Volterrano per la morte del suo maestro, occorsa nel medesimo anno. Giovanni Mannozzi detto Giovanni da San Giovanni fu senza dubbio uno dei più interessanti pittori a fresco del suo tempo: staccandosi dai manieristi toscani, seppe quasi sempre mostrare originalità inventiva e gusto del colore con un senso d'aria, di luce e delicati effetti di mezze tinte. Malgrado le sue qualità non seppe formare una scuola ed ebbe come unico scolaro e anche aiuto Baldassarre Franceschini detto il Volterrano, che poi seguì la corrente di Pietro da Cortona.

08/02/2026

Corrado Giaquinto, San Nicola salva i naufraghi, 1746, olio su tela, 132x97.5 cm, Pinacoteca Corrado Giaquinto, Bari. Qui viene illustrato uno dei miracoli più famosi di san Nicola: nell’opera che costituisce un modelletto che il maestro molfettese, nato l’8 febbraio 1703, preparò per la grande pala [perduta] nella chiesa romana di San Nicola dei Lorenesi. Il Santo, protettore dei marinai, mercanti e naviganti è rappresentato mentre porta in salvo l’intero equipaggio di una barca in balìa delle onde, con l’intercessione della Vergine Immacolata. San Nicola appare dinanzi al mare e placa le acque e la burrasca si va allontanando: le gonfie nubi grigie tendono a squarciarsi, dando posto al sereno, con l'apparizione celeste a chiudere la composizione. Durante il suo periodo romano, lo stile di Giaquinto subì una trasformazione, evolvendo dal rococò, condotto con il consueto stile lirico, verso il neoclassicismo, influenzato in questo dall’arte di Carlo Maratta e da pittori contemporanei come Pompeo Batoni e Pierre Subleyras. La tela è caratterizza da una gestualità misurata delle figure, da un sapiente schema compositivo e dalla pittura luminosa e traslucida.