International Art Gallery

03/06/2026

François POHU-LEFÈVRE — L'éloge du rebut, ou la révélation de la suBréalité

L'œuvre de François POHU-LEFÈVRE s'inscrit dans une démarche rare : celle qui consiste à déplacer le regard jusqu'à rendre visible ce que notre perception ordinaire condamne à l'inexistence. Depuis plusieurs années, l'artiste explore l'univers des détritus urbains, non comme un sujet documentaire ou sociologique, mais comme un territoire poétique où se joue la métamorphose du réel.

Appartenant au mouvement de la suBréalité, François POHU-LEFÈVRE ne cherche ni à embellir ni à dénoncer. Il invite plutôt à franchir le seuil des apparences. Les fragments abandonnés qu'il recueille — vestiges anonymes de notre consommation quotidienne — deviennent les acteurs d'une expérience visuelle où l'objet perd son identité première pour accéder à une existence nouvelle.

03/06/2026

L'artiste opère ainsi une véritable transfiguration du rebut. Le mégot, le morceau de plastique, le papier froissé ou le déchet organique cessent d'être reconnus pour ce qu'ils sont. Agrandis, isolés, retravaillés par le dispositif photographique, ils se chargent d'une puissance évocatrice inattendue. Le spectateur croit discerner une figure humaine, une créature mythologique, un paysage minéral ou une forme embryonnaire. L'œuvre devient alors un espace de projection mentale où chacun est confronté à sa propre capacité d'invention.

Cette démarche rejoint l'un des principes fondamentaux de la suBréalité : partir du réel pour le déplacer jusqu'à l'étrangeté, sans jamais rompre totalement le lien avec son origine. Le familier devient autre. L'insignifiant devient essentiel. Le déchet devient image. L'image devient apparition.

03/06/2026

Dans une époque saturée d'objets neufs, de flux et d'obsolescence programmée, François POHU-LEFÈVRE accomplit un geste profondément artistique : il restitue une dignité à ce qui a été rejeté. Non par militantisme, mais par une attention radicale portée au monde. Son œuvre rappelle que la beauté n'est pas une qualité attachée aux choses elles-mêmes ; elle naît du regard capable de la révéler. Cette conviction traverse toute sa pratique et fait de chaque photographie une expérience de redécouverte du réel.

Face à ces formes ambiguës, suspendues entre abstraction et figuration, le spectateur est invité à abandonner ses certitudes perceptives. Il ne contemple plus un déchet mais la possibilité même d'un autre regard. Là réside sans doute la force singulière du travail de François POHU-LEFÈVRE : nous montrer que l'extraordinaire ne se trouve pas ailleurs, mais sous nos pas, dans ces fragments oubliés que nous ne prenons plus le temps de voir.

02/06/2026

EXPOSITION PERSONNELLE – François POHU-LEFÈVRE

L'International Art Gallery a le plaisir de vous inviter à découvrir l'univers singulier de François POHU-LEFÈVRE.

À travers son regard de photographe plasticien, l'artiste révèle la poésie insoupçonnée des objets abandonnés et des fragments du quotidien. Ses œuvres nous invitent à dépasser les apparences pour découvrir une beauté inattendue là où nous ne l'attendons pas.

Exposition
Du 1er au 7 juin 2026

Vernissage
Jeudi 4 juin 2026
De 18h à 21h

Entrée libre

30/05/2026

L’art qui attire le regard.

Apportez une touche d’émotion et de modernité à votre intérieur avec ce cœur sculptural signé . Réalisé en impression 3D avec un souci du détail remarquable, il joue avec la lumière et les reliefs pour créer un effet visuel unique.
À la fois objet décoratif et pièce de conversation, il trouve naturellement sa place dans un salon, un bureau ou une chambre, où il apporte une note élégante et contemporaine.

✨ Design original
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Parce que certains objets décorent un espace… et d’autres lui donnent une âme.

29/05/2026

28/05/2026

Gracia Ramírez Juán développe une œuvre profondément sensible où la figure féminine devient un territoire de mémoire, de raffinement et de métamorphose intérieure. À travers ses compositions mêlant acrylique, huile et travail de texture sur toile, l’artiste construit un univers inspiré autant par l’esthétique orientale que par une vision très contemporaine de la féminité. Les visages apparaissent comme des présences silencieuses, presque flottantes, enveloppées de fleurs, d’ornements et de motifs décoratifs qui évoquent la délicatesse des estampes japonaises autant que la richesse du symbolisme européen. Les couleurs poudrées, les roses lumineux et les transparences créent une atmosphère suspendue entre rêve, nostalgie et sensualité.

Ce qui distingue particulièrement Gracia Ramírez Juán est sa capacité à faire fusionner portrait et abstraction émotionnelle. La matière picturale semble respirer : elle se fissure, se superpose, s’efface puis renaît dans une même surface. Les éléments floraux ne sont jamais purement décoratifs ; ils deviennent extensions psychologiques des personnages, traduisant leurs états intérieurs, leurs souvenirs ou leur fragilité. Son travail possède une élégance rare, où la douceur apparente masque une véritable sophistication technique dans la gestion des couches, des glacis et des contrastes chromatiques. L’artiste transforme ainsi la toile en espace poétique, intime et intemporel, où chaque visage semble porter une histoire silencieuse entre beauté, mélancolie et contemplation.

28/05/2026

Co**ha Fernandez développe une peinture de la profondeur et du silence, où la lumière semble émerger lentement d’un espace intérieur plutôt que d’un paysage identifiable. Dans cette composition dominée par des bleus nocturnes, des noirs veloutés et des éclats de blanc ou d’or, l’artiste construit une abstraction atmosphérique qui évoque autant la mémoire que la matière cosmique. Les formes apparaissent puis disparaissent dans des couches translucides, créant un rythme visuel proche de la musique contemporaine ou de la méditation. Rien n’est totalement révélé : tout demeure dans un état de vibration suspendue, entre apparition et effacement.

Ce qui rend l’œuvre de Co**ha Fernandez particulièrement singulière est cette capacité à faire dialoguer puissance chromatique et retenue émotionnelle. Son abstraction ne cherche pas l’effet spectaculaire mais une intensité intérieure, presque spirituelle. Les contrastes lumineux traversent la toile comme des éclats de conscience dans l’obscurité, donnant à la surface picturale une respiration organique. On retrouve dans son travail une sensibilité très européenne de l’abstraction lyrique, enrichie d’une écriture contemporaine plus libre et instinctive. La peinture devient alors un territoire sensoriel où le public est invité non à comprendre, mais à ressentir.

28/05/2026

Rosa Moreno de Castro développe une peinture profondément humaniste où le quotidien devient matière à contemplation. Qu’il s’agisse d’un portrait intime, d’une nature morte silencieuse ou d’une scène urbaine traversée de lumière, l’artiste cherche moins à reproduire le réel qu’à en révéler la vibration émotionnelle. Son travail se distingue par une palette subtile, faite de gris colorés, de bleus poussiéreux, d’ocre doux et de transparences délicates qui rappellent parfois la tradition des peintres intimistes espagnols. Chaque toile semble construite dans une temporalité lente, attentive à la respiration des formes, à la densité de la lumière et à la présence silencieuse des êtres et des objets.

Dans ses portraits, Rosa Moreno de Castro capte avec finesse une vérité intérieure plus qu’une simple ressemblance physique. Les visages portent une forme de retenue mélancolique, presque méditative, tandis que la touche reste libre, sensible et vibrante. Ses scènes urbaines, quant à elles, traduisent un regard profondément cinématographique sur l’espace contemporain : les architectures deviennent des décors de solitude lumineuse où les figures humaines apparaissent fragiles, presque suspendues dans le temps. Même ses natures mortes échappent au simple exercice de style ; elles possèdent une présence calme et méditative qui transforme les objets ordinaires en fragments de mémoire. Cette capacité à unir observation, émotion et subtilité picturale inscrit son œuvre dans une tradition figurative contemporaine élégante et profondément sincère.

28/05/2026

L’univers pictural d’Ines Serna Orts se déploie dans une célébration presque physique de la couleur, où le geste devient énergie pure. Ses compositions, traversées de strates chromatiques fulgurantes et de mouvements en expansion, évoquent une peinture de l’instinct maîtrisé, à mi-chemin entre l’abstraction lyrique et une forme de cartographie émotionnelle. Chaque toile semble animée par une tension interne, comme si la matière cherchait à dépasser les limites du cadre pour devenir lumière, rythme et vibration. L’artiste construit ainsi un espace visuel immersif où la couleur n’est jamais décorative : elle agit comme une force vitale.

Ce qui distingue particulièrement Ines Serna Orts est sa capacité à conjuguer spontanéité gestuelle et construction sophistiquée de l’espace pictural. Derrière l’exubérance apparente des rouges incandescents, des bleus électriques et des éclats orangés se révèle une véritable intelligence de la composition. Son travail dialogue autant avec l’héritage de l’expressionnisme abstrait que avec certaines recherches contemporaines sur la sensation et le mouvement. Les œuvres possèdent une intensité presque musicale, faite de ruptures, d’accélérations et de silences chromatiques. Cette peinture libre, vibrante et profondément incarnée inscrit Ines Serna Orts dans une scène contemporaine où la couleur retrouve une puissance émotionnelle et monumentale rare.