Galerie Artset

29/08/2026

Figure majeure de la peinture française du XXᵉ siècle, proche de Georges Braque, Roger Bissière développe une œuvre singulière, mêlant abstraction et évocations de la nature.

Pour la première fois, cet automne, nous présenterons plusieurs de ses œuvres des années 1960, dans un dialogue avec Louttre.B — qui occupera une place centrale dans l’exposition — et Jean Messagier.

Trois peintres, trois écritures, un même rapport sensible à la nature, au paysage et au territoire.

Une certaine histoire de l’abstraction française.

RogerBissiere

26/08/2026

Bengt Lindström (1925–2008)
Sans titre, circa 1960
Huile sur toile
81 × 65 cm hors cadre
Signée en bas au centre.

Deux figures s’affrontent dans une matière picturale d’une intensité remarquable.

À gauche, un personnage vu de profil tend sa main vers le visage de celui qui lui fait face. Ce geste, placé au cœur de la composition, installe immédiatement une tension entre les deux figures.

Rouges profonds, jaunes, verts et bleus se heurtent dans une peinture généreuse, travaillée en épaisseur. Chez Lindström, les personnages ne sont pas simplement dessinés : ils semblent surgir de la matière, façonnés directement dans la couleur.

Réalisée autour de 1960, cette œuvre témoigne déjà de ce langage puissant et instinctif qui fera la singularité de Bengt Lindström (1925–2008) : une peinture physique, expressive, à la frontière de la figuration et de l’abstraction.

Les détails révèlent toute la force de la toile : empâtements, strates, creux et reliefs donnent à la peinture une présence presque sculpturale.

25/08/2026

Geer van Velde (1898–1977) est un peintre néerlandais installé en France, figure singulière de l’abstraction européenne d’après-guerre. Frère de Bram van Velde, il développe dès les années 1940 un langage très personnel, à la frontière entre abstraction et évocation du réel. Soutenu notamment par Samuel Beckett et exposé par Aimé Maeght, son travail se caractérise par des compositions structurées où la lumière, l’espace et la couleur occupent une place essentielle.

Composition, vers 1959
Aquarelle sur papiers
20,3 × 20,3 cm — feuille 26,9 × 21 cm
Monogrammée « GvV » en bas à droite
Œuvre répertoriée dans les Archives Geer van Velde sous le n° 222058
Certificat d’authenticité de Pierre François Moget

Une petite œuvre, mais toute la peinture de Geer van Velde semble déjà là.

Dans cette aquarelle de la fin des années 1950, les formes géométriques s’assemblent dans une construction libre. Les ocres, rouges, verts et violets dialoguent avec les réserves du papier, laissant circuler la lumière au cœur de la composition.

Frère de Bram van Velde, Geer développe pourtant une œuvre profondément singulière : plus architecturée, silencieuse, construite autour de la lumière et de l’espace. À la fin des années 1950, sa peinture atteint cet équilibre très particulier entre abstraction et réminiscence du réel.

Une œuvre intime par son format, mais particulièrement représentative de ses recherches.

📩 Disponibilité et prix sur demande

07/08/2026

Toronto ce n’est pas Limoges ! L’Ontario ce n’est pas le Limousin !
Pourtant à plus de 5 000 kilomètres de la galerie, certaines émotions restent étonnamment familières.

Voyager, c’est découvrir d’autres paysages, d’autres cultures, d’autres regards. Mais c’est aussi retrouver, parfois à l’autre bout du monde, ce qui nous anime profondément.

Devant cette œuvre monumentale de Jean Paul Riopelle, à l’Art Gallery of Ontario de Toronto, j’ai ressenti quelque chose de familier. Ce n’était pas une première rencontre. Au fil des années, nous avons eu la chance d’exposer des œuvres de Riopelle, d’en vendre, et d’être régulièrement touchés par la puissance de sa peinture. Pourtant, la découvrir ici, sur sa terre natale, lui donne une résonance particulière.

Cette émotion est aussi nourrie par une autre histoire : celle de l’amitié qui liait Jean Paul Riopelle et Paul Rebeyrolle. Au-delà de leur immense talent, ils partageaient une même conception de la peinture : libre, instinctive, profondément ancrée dans la matière et dans la nature. Ils se retrouvaient régulièrement, notamment au Québec, où Riopelle emmenait Rebeyrolle pêcher. Ces moments loin des ateliers témoignent d’une véritable complicité, faite d’admiration réciproque et d’une sensibilité commune.

Cette photographie les montre ensemble dans les années 1970. Elle nous rappelle que les grandes œuvres naissent aussi de grandes rencontres humaines.

C’est aussi cela, le voyage. Partir loin et retrouver, à des milliers de kilomètres, une histoire qui nous est familière. Comprendre que les liens entre les artistes traversent les frontières et que, parfois, une toile de Riopelle nous ramène naturellement à Rebeyrolle.

Quel bonheur de partager ce moment avec mes enfants. J’espère qu’ils garderont le souvenir non seulement des paysages canadiens, mais aussi de ces passerelles invisibles que l’art tisse entre les hommes, les lieux et les générations.

Les grandes œuvres ont ce pouvoir rare : celui de nous faire sentir chez nous, où que nous soyons dans le monde.

Maintenant allons retrouver, nous aussi, nos amis fraîchement installés à Québec !

23/07/2026

L’ART EN DIALOGUE

À première vue, tout semble les opposer.

D’un côté, Bengt Lindström, dont la peinture éclatante explose en une matière épaisse, vibrante. Chaque coup de brosse modèle la toile et lui donne une présence physique.

De l’autre, Marc Petit, qui sculpte d’abord le plâtre avant de le fondre en bronze dans la plus grande sobriété. Ici point de couleur, point de cri, point de violence. Pourtant chez lui aussi, la matière conserve la mémoire du geste. Chaque empreinte raconte la main de l’artiste.

Finalement tous deux parlent de la même chose : de l’homme, de sa fragilité, de sa puissance, de son mystère.

L’un construit par la couleur, l’autre par le volume. Mais tous deux donnent à la matière une intensité émotionnelle rare. Leur langage est différent ; leur quête est la même.

C’est précisément ce dialogue entre les œuvres qui guide notre travail.

Depuis plus de 35 ans, la Galerie Artset construit une ligne artistique fondée sur des choix, des rencontres et des convictions. Nous ne cherchons pas à juxtaposer des artistes, mais à créer des correspondances entre leurs univers. Ce sont ces rapprochements, parfois inattendus, qui donnent du sens à une exposition et façonnent peu à peu l’identité de la galerie.

Une galerie est avant tout un regard.

Un regard qui sélectionne, qui rapproche, qui met en lumière des résonances invisibles au premier abord.

C’est cette cohérence, patiemment construite depuis plus de trois décennies, que nous souhaitons partager avec les collectionneurs qui nous font confiance.

Galerie Artset — depuis 1989
📩 infos détaillés sur demande.

18/07/2026

Le plaisir d’un galeriste tient pour beaucoup en cela : pouvoir évoluer d’une œuvre à l’autre, laisser les matières, les formes et les couleurs dialoguer librement.

Ici, une grande toile libre de Claude Viallat répond aux deux œuvres de Guillaume Couffignal. La force et la rudesse de leurs présences trouve un écho dans la délicatesse d’une porcelaine de Nadège Mouyssinat, tandis que la superbe console en bronze de Vincent Dubourg et une sculpture en grès de Mathilde Sauce hypnotisent et prolongent cette conversation entre le geste la matière et la lumière.

Ce sont des univers singuliers, des générations différentes, des écritures artistiques qui, pourtant, semblent avoir toujours été faites pour se rencontrer.

Le métier de galeriste est sans doute moins simple qu’il n’y paraît, pour autant il offre de serieux avantages, comme celui d’être si bien entouré par ce et ceux que l’on aime.

08/07/2026

02/07/2026

L’AMOUR DES FORMES

Deux générations, deux langages, une même fascination pour la forme vivante.

D’un côté, Claude Viallat, figure majeure de l’art contemporain français, qui libère la peinture de son support traditionnel pour laisser la forme se répéter, vibrer et envahir l’espace.

De l’autre, Mathilde Sauce, jeune céramiste révélée par le Prix de la Jeune Création Métiers d’Art 2026, qui fait naître de la terre des sculptures organiques, sensuelles, où la matière semble croître, respirer et se transformer.

Tout les sépare — l’âge, le médium, le parcours — et pourtant leurs œuvres dialoguent avec une étonnante évidence. Chez l’un comme chez l’autre, la forme n’illustre rien : elle existe pour elle-même. Elle se déploie, se répète, se métamorphose jusqu’à devenir un langage.

L’amour des formes, tout simplement.

À découvrir chez nous et sur nos marketplaces.
✉️Infos en DM
Peinture Collectionneur Limoges ArtLovers ContemporaryArt

26/06/2026

Henri Michaux , 1980
Sans titre
Encre de Chine sur papier
17 x 70 cm

Figure majeure de l’art et de la littérature du XXᵉ siècle, Henri Michaux invente un langage plastique unique, à la croisée de la calligraphie imaginaire, du dessin et de la poésie. Ses signes ne cherchent pas à être lus : ils donnent forme à ce qui échappe aux mots.

Notre regard est immédiatement happé par cette géographie flottante. Pas de narration, pas de sujet identifiable, mais une infinité de lectures possibles. Comme dans ses textes, le sens ne se livre jamais complètement : il se découvre, se dérobe, puis renaît.

Plus qu’une peinture, cette œuvre est une invitation au voyage intérieur. Elle témoigne de la capacité rare de Michaux à abolir les frontières entre littérature et arts visuels, faisant dialoguer la rigueur de la pensée avec la liberté du geste.

Les œuvres originales de Michaux sont aujourd’hui rares sur le marché. Nous sommes heureux de vous présenter cette encre destinée aux collectionneurs sensibles à l’une des œuvres les plus singulières et les plus profondes du XXᵉ siècle.

📩 Informations et disponibilité en message privé.

https://www.artsper.com/fr/oeuvres-d-art-contemporain/peinture/2221830/sans-titre

22/06/2026

Kouka expose à l’espace Rebeyrolle 👌

📍 Espace Paul Rebeyrolle – Eymoutiers
📅 Du 21 juin au 1er novembre 2026
🕙 Tous les jours de 10h à 18h (jusqu’à 19h en été) (Visit Limousin⁠)

À la Galerie Artset, nous suivons et exposons le travail de Kouka depuis maintenant une dizaine d’années. Nous sommes toujours heureux d’échanger autour de son œuvre, de son parcours et d’accompagner les collectionneurs souhaitant découvrir ou acquérir une pièce de cet artiste incontournable.

Une très belle raison de faire un détour par Eymoutiers cet été

Kouka est un artiste franco-congolais dont l’œuvre est devenue emblématique grâce à ses célèbres figures de guerriers bantous. Derrière cette image de combattant, son travail porte avant tout un message de paix, d’unité et de dialogue entre les cultures.

Ses personnages, souvent monumentaux, symbolisent la mémoire, la transmission et la dignité humaine. Ils nous rappellent que nos différences peuvent être une force et que l’identité se construit dans la rencontre avec l’autre.

À travers une œuvre à la fois puissante et profondément humaniste, Kouka défend une vision universelle : celle d’un monde plus ouvert, plus fraternel et plus respectueux des cultures qui le composent.