Les Amis du Musée des Impressionnismes Giverny

01/04/2026

21/02/2026

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12/02/2026

Exposition Kandinsky
« La musique des couleurs » – 27 janvier
Cité de la Musique
Nous sommes accueillis par la charmante et très compétente Louise, notre guide, particulièrement spécialisée en musicologie, qui nous invite à nous immerger dans l’univers de la synesthésie : un phénomène neurologique involontaire et automatique consistant à associer plusieurs sens.

Chez Vassily Kandinsky (1866-1944), cette synesthésie relie de façon intime la musique et la peinture.
Né à Moscou dans une famille cultivée, le jeune Kandinsky s’initie dès l’âge de huit ans à la poésie, à la musique et à la peinture. Deux expériences majeures vont révéler ce trait singulier de sa sensibilité artistique :
• En 1896, à Moscou, lors d’une exposition impressionniste, face aux Meules au soleil de Claude Monet,
• Puis lors d’une représentation du Lohengrin de Richard Wagner au théâtre du Bolchoï, expérience sensorielle si intense qu’il dira avoir été submergé par une vision de couleurs évoquant un coucher de soleil illuminant Moscou.
Moscou, la ville aux « quatre fois quarante clochers », restera pour toujours son diapason musical.

Après des études de droit, Kandinsky opère à trente ans une reconversion radicale et entre aux Beaux-Arts de Munich. Il n’aime pas le dessin académique ; ce sont les couleurs qui l’obsèdent. Il fonde sa propre école, ouverte aux femmes, et rencontre Gabriele Münter, sa compagne, dont l’influence marque un tournant décisif dans sa vie artistique.

La peinture évolue vers une polyphonie de couleurs, une simplification progressive des formes, jusqu’à l’abstraction en 1911.
La Vache bleue illustre cette période, où la peinture s’accompagne de résonances musicales : sons de cloches, cymbales et tam-tam. (Goudounov)

12/02/2026

Nous déambulons dans les salles organisées par thématiques. Le thème du cavalier est fondamental chez Kandinsky et apparaît dans de nombreuses Improvisations (environ 35 tableaux). Le Cavalier bleu appartient à cette période pré-abstraite des débuts.

En 1909, Kandinsky assiste à Munich à un concert dirigé par Arnold Schoenberg. Il est profondément marqué par l’audace de cette musique atonale. Une correspondance s’installe entre les deux hommes : une amitié artistique majeure, que Kandinsky qualifiera comme la plus grande rencontre de sa vie.

Dès lors, la route vers l’abstraction totale s’affirme. Pour Kandinsky, chaque couleur possède un timbre, une forme et un rythme :
• Le bleu évoque le calme, la spiritualité, et résonne comme le son grave de l’orgue ;
• Le vert absolu symbolise l’immobilité, associé au violon médium ;
• Le jaune, explosif, est comparable au son éclatant d’une fanfare.

Le but est de s’éloigner du réel pour ouvrir le champ des possibles. L’humanité s’élève, et l’artiste se place à l’avant-garde de cette élévation spirituelle.

En 1916, Kandinsky rencontre Nina, qu’il épouse. Elle deviendra la gardienne attentive de son œuvre et la léguera, après sa mort en 1944, au Centre Pompidou.

12/02/2026

Vers les années 1910, Kandinsky se lie d’amitié avec Paul et Lily Klee. Lily, musicienne, partage elle aussi une vision spirituelle de l’art. Tous font partie de l’aventure du Bauhaus, où Kandinsky enseigne de 1922 à 1933 : couleurs, formes géométriques et rythmes deviennent les fondements de son langage pictural.

Après les 35 Improvisations et une Fugue peinte en 1914 en hommage à Bach, suivront dix Compositions, qui marquent l’aboutissement de sa conquête de l’abstraction et de sa recherche spirituelle jusqu’en 1939.

La fugue, thème de poursuite et de sérialité, se retrouve aussi chez Paul Klee (Fugue en rouge), dans des motifs répétitifs et dynamiques.

Aucune couleur n’est laissée au hasard : toutes répondent à une injonction de l’âme. Dans le chaos apparent des couleurs, la peinture rejoint la musique ; l’œuvre naît entièrement de l’artiste.
Dans la salle Feux d’artifice, l’abstraction atteint son apogée à travers trois toiles monumentales : lignes géométriques, damiers, polyphonie chromatique.

Vers la fin de sa vie, après le Bauhaus et l’exil en France en 1933, Kandinsky s’intéresse au théâtre. Il imagine des scènes comme il compose ses tableaux. Trop en avance sur son temps, ses drames sans mots, où l’émotion naît de la vibration des éléments, ne verront le jour qu’après sa mort, dans les années 1950.

04/01/2026

Que cette belle carte de Voeux , souvenir de nos riches découvertes 2025 et de nos belles relations amicales, vous invite à renouveler votre adhésion en 2026.

29/12/2025

@

Museum

16/11/2025

JOHN SINGER SARGENT (1856-1925) – Les années parisiennes (1874-1884) Musée d’Orsay 6 novembre 2025

Nous avons été accueillis par une conférencière captivante et avons eu le grand plaisir de parcourir le musée d’Orsay sans la foule habituelle des visiteurs !
Aucune exposition monographique n’avait encore été consacrée à John Singer Sargent. Pourtant, c’est bien en France, et plus précisément à Paris, que le jeune peintre s’est formé, a affirmé son style et s’est constitué un réseau d’artistes.
Cette exposition réunit plus de 90 œuvres de Sargent, dont certaines n’avaient jamais été présentées en France. Elle retrace l’ascension fulgurante du jeune artiste, arrivé à Paris en 1874 à l’âge de 18 ans pour étudier auprès de Carolus-Duran, et couvre son parcours jusqu’au milieu des années 1884.
De nationalité américaine, Sargent est né à Florence, où il reçoit une éducation classique. Son père est médecin, tandis que sa mère, artiste amateur, encourage très tôt son goût pour le dessin au fil de leurs nombreux voyages.
En 1874, il entre à l’École des Beaux-Arts de Paris, soutenu par le portraitiste Carolus-Duran.
À une époque où le monde artistique s’oriente vers l’impressionnisme (dont la première exposition a eu lieu en 1874), Sargent développe un réalisme personnel, tout en s’inspirant brillamment des maîtres tels que Vélasquez et Van Dyck. Il fréquente assidûment les musées, copiant inlassablement ses modèles.

16/11/2025

Durant ses années parisiennes, Sargent multiplie les voyages et remplit des carnets de croquis à la plume, au crayon et à l’aquarelle.

Peintre de la lumière, il réalise des vues de Venise, de Tanger, de Capri, mais aussi des paysages marins. Tous ont en commun un éclairage saisissant, jaillissant soudain d’une flaque d’eau, d’une ruelle vénitienne ou de l’ombre d’un olivier.

On s’émerveille devant la jeune mariée de « Fumée d’ambre gris » : les multiples nuances de blanc enveloppant le visage créent une atmosphère mystérieuse, tandis que les touches précises de rouge des tapis et les reflets argentés des bijoux captent le regard.

16/11/2025

Ses portraits d’hommes et de femmes célèbres se distinguent par un style raffiné et une audace théâtrale. Il obtient des effets saisissants grâce à une grande virtuosité et une touche spontanée, notamment dans le rendu des étoffes et des fonds, tandis que les visages révèlent une précision remarquable dans les regards.

Sa maîtrise technique et son sens du réalisme flattent ses modèles. Les personnages qu’il peint portent des vêtements somptueux, avec une prédilection pour les blancs, les rouges et les noirs : mousselines de Mrs Henry White, taffetas, velours et dentelles du docteur Pozzi, tabliers des jeunes filles… Les mains sont toujours mises en valeur, et les bijoux rendus avec une délicatesse extrême.

16/11/2025

Sargent fréquente ses amis peintes, mais refuse d’intégrer le cercle des impressionnistes. Très vite, il se fait une place dans les milieux mondains. Il répond à des commandes, mais sollicite aussi lui-même les modèles susceptibles d’asseoir sa réputation.
Sargent n’exposera jamais avec ses amis, mais il peindra néanmoins Gabriel Fauré, Auguste Rodin et Claude Monet dans son jardin. En 1884, après les critiques virulentes suscitées par Madame X, il quittera Paris pour s’installer à Londres, mais toujours proche de Paris et de ses mécènes.