Arsenal Contemporary Art Contemporain

03/31/2026

NEW YORK, current exhibition!

03/26/2026

La pratique picturale d’Haley Josephs s’articule autour d’un intérêt envers les notions de féminité, de mortalité et de transformation. Marquée par des tragédies familiales, Josephs canalise ses expériences dans une pratique picturale où la féminité, la mortalité et la transformation occupent une place centrale. Elle peint des figures féminines déambulant dans des paysages colorés et éthérés, offrant une évocation réconfortante de ces thèmes intimes. L’artiste a fait l’objet d’expositions solos à la galerie Almine Rech (Londres, Royaume-Uni) et à la Jack Barrett Gallery (New York, États-Unis).

Haley Josephs pictorial practice revolves around an interest in the notions of femininity, mortality, and transformation. Marked by family tragedies, Josephs channels her experiences into a painting practice where femininity, mortality, and transformation take centre stage. She paints female figures wandering through colourful, ethereal landscapes, offering a comforting evocation of these intimate themes. The artist has held solo exhibitions at Almine Rech Gallery (London, UK) and at Jack Barrett Gallery (New York, USA).

📍: 2020 rue William, Arsenal art contemporain Montréal
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Haley Josephs Mother Water, 2024
Huile sur panneau de bois / Oil on wood panel
152,4 x 122 cm / 60 x 48 in

📷 Photo credit:

03/19/2026

Rashid Johnson aborde des thèmes liés à l’identité culturelle, au récit personnel et à la critique historique. Il fait partie des premiers artistes à avoir qualifié sa pratique d’« art post-noir », un terme né à Harlem vers la fin des années 1990. Ce mouvement affirme que, bien qu’il y soit étroitement lié, le travail des artistes afro-américains n’est pas essentiellement déterminé par des enjeux de races. Ses œuvres ont fait l’objet d’expositions individuelles au Musée des beaux-arts du Canada (Ottawa, Ontario), à la galerie Hauser & Wirth (Hong-kong, Chine) et à la David Kordansky Gallery (Los Angeles, États-Unis).

Rashid Johnson addresses themes related to cultural identity, personal narrative, and historical critique. He was among the first artists to categorize his practice as “post-black art”, a term that emerged in Harlem in the late 1990s. This artistic movement asserts that, although closely linked, the work of African American artists is not essentially determined by racial issues. His works have been featured in solo exhibitions at the National Gallery of Canada (Ottawa, Ontario), at Hauser & Wirth (Hong Kong, China), and at the David Kordansky Gallery (Los Angeles, United States).

📍 : 2020 rue William, Arsenal art contemporain Montréal
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Rashid Johnson, Untitled Bronze Head, 2019 Ed. 3/3
Bronze coulé avec patine noire / Cast bronze with black patina
152,40 x 121,92 x 121,92 cm / 60 x 48 x 48 in

📷 Photo credit: Patrice Lamoureux, Arsenal art contemporain

03/17/2026

NEW YORK: Nadia Myre’s practice is rooted in Indigenous knowledge systems, labour, and collective memory. Through beading, mark-making, and repetition, she transforms everyday and institutional forms into sites of reflection and reclamation. Braiding is present both literally and conceptually: personal, political, and ancestral narratives interweave into objects shaped by resilience and care.

La pratique de Nadia Myre s’ancre dans les systèmes de savoirs autochtones, le travail et la mémoire collective. Par le perlage, le tracé et la répétition, elle transforme des formes du quotidien et des formes institutionnelles en lieux de réflexion et de réappropriation. Le tressage y est présent tant au sens littéral que conceptuel : des récits personnels, politiques et ancestraux s’entrelacent au sein d’objets façonnés par la résilience et le soin.

📷 : 1-3 Nadia Myre. Untitled, Light Assembly: Julie, Untitled.
Woven handmade ceramic bead, stainless-steel wire.
Sans titre, Installation lumineuse : Julie, sans tire.
Perles de céramique tissées à la main, fil d'acier inoxydable.

📅 : February 6th - April 10th

📍: 21 Courtlandt Alley, 2nd Fl, New York, NY, 10013

nadia.myre
faircatherine
d_armstrongsix
claire___colette
melanieschiffstudio
elainestocki

03/12/2026

MONTRÉAL: Lawrence Paul Yuxweluptun est un artiste et un activiste descendant d’Okanagan issu des communautés de la côte Salish. Dans ses peintures, il mêle l'iconographie traditionnelle autochtone de la côte ouest avec le langage visuel surréaliste pour critiquer le colonialisme, le racisme envers les peuples autochtones, le capitalisme et la destruction de l'environnement. Yuxweluptun a également exploré les médias numériques, la vidéo et la performance, souvent à des fins politiques. Il a notamment exposé à Arsenal art contemporain (New York, États-Unis), à la galerie Macaulay & Co. Fine art (Vancouver, Colombie-Britannique) ainsi qu’au Musée des beaux-arts du Canada (Ottawa, Canada).

Lawrence Paul Yuxweluptun is an artist and activist from the Coast Salish and Okanagan communities. During his studies, he developed a particular interest in European art. In his paintings, he combines traditional West Coast Indigenous iconography with surrealist visual language to critique colonialism, racism against Indigenous peoples, capitalism, and environmental destruction. In addition to painting, Yuxweluptun explores digital media, video, and performance, often with political intents. He has exhibited at Arsenal Contemporary Art (New York, United States), Macaulay & Co. Fine Art (Vancouver, British Columbia), and the National Gallery of Canada (Ottawa, Canada).

📍: 2020 rue William, Arsenal art contemporain
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Lawrence Paul Yuxweluptun, Wild Fires on Native Land, 2018
Acrylique sur toile / Acrylic on canvas
406,4 x 292,1 cm / 160 x 115 in

📷 Photo credit: Byron Dauncey . Courtesy of Macaulay + Co.

03/10/2026

NEW YORK: A braided river is a living system in motion: a network of channels that split, rejoin, and shift over time.
Shaped by sediment, current, and seasonal change, it refuses a single route forward. Instead, it
moves sideways, building strength through many paths at once. From above, a braided river can look
almost woven—restless, adaptive, and bright with complexity.

NEW YORK: Une rivière anastomosée est un système vivant en perpétuel mouvement : un réseau de chenaux qui se divisent, se rejoignent et se transforment au fil du temps.

Façonnée par les sédiments, les courants et les variations saisonnières, elle refuse de suivre un cours unique. Au contraire, elle
se déplace latéralement, se renforçant par de multiples voies simultanées. Vue du ciel, une rivière anastomosée peut paraître
presque tissée : infatigable, adaptable et d'une complexité fascinante.

📅: February 6th - April 10th, 2026

📍: 21 Courtlandt Alley, 2nd. Fl, New York, NY, 10013

📷: Greg Carideo

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03/05/2026

MONTRÉAL : À l’intersection de la sculpture et de la peinture, le travail de Stephanie Temma Hier fait écho à la consommation alimentaire. Dans son corpus, Hier utilise un langage visuel tiré d’images d’archives web, des vanités du siècle d’or néerlandais, et des éléments de la culture populaire, créant des tensions palpables entre ironie et critique. Son travail sculptural brouille les frontières entre la pièce maîtresse et le cadre, élaborant ainsi un hybride qui recontextualise la peinture à travers des références historiques riches. Son travail a fait l’objet d’expositions solos à Nino Mier Gallery (Bruxelles, Belgique), à la galerie Bradley Ertaskiran (Montréal, Canada) et à la Gallery Vacancy (Shanghai, Chine).

At the intersection of sculpture and painting, Stephanie Temma Hier’s work echoes food consumption. In her body of work, Hier uses visual language drawn from web archive images, Dutch Golden Age vanitas, and elements of popular culture, creating palpable tensions between irony and critique. Her sculptural work blurs the boundaries between the painted artwork and its frame, creating a hybrid that recontextualizes painting through rich historical references. Her work has been featured in solo exhibitions at Nino Mier Gallery (Brussels, Belgium), Bradley Ertaskiran Gallery (Montreal, Canada), and Gallery Vacancy (Shanghai, China).

📍 : 2020 rue William, Arsenal art contemporain Montréal
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temma.hier

Stephanie Temma Hier, Tuesday’s lunch, 2024, Ed. 1/3, huile sur lin et sculpture de grès émaillé/Oil on linen with glazed stoneware sculpture
106,7 x 68,6 x 71 cm / 42 x 27 x 28 in.

📷 Photo credit: Kevin Lowenthal

03/03/2026

NEW YORK: Elaine Stocki shares a sensitivity to process and material response, working with an attentiveness that recalls quilt-making. Recently incorporating silk, velvet, and watercolour alongside her signature dyeing and sewing of canvas, she makes work that feels fleeting yet deliberate. Like the temporary channels of a braided river, her forms seem to appear, fade, and return elsewhere. Stocki treats making as a kind of devotion, asking viewers to slow down and notice subtle shifts in surface and structure.

For Braided River, Stocki presents recent works that explore abstraction through a process uniquely her own—one that absorbs the traditions of Colour Field, Abstract Expressionism, and
Assemblage while pushing materials to their maximum potential.

Elaine Stocki fait preuve d’une grande sensibilité au processus et à la réaction des matériaux, travaillant avec une attention qui rappelle la confection de courtepointes. Incorporant récemment la soie, le velours et l’aquarelle aux côtés de sa technique signature de teinture et de couture sur toile, elle crée des œuvres à la fois éphémères et délibérées. Tels les méandres temporaires d’une rivière, ses formes semblent apparaître, disparaître et réapparaître ailleurs. Stocki considère la création comme une forme de dévotion, invitant les spectateurs à ralentir et à percevoir les subtiles variations de surface et de structure.

Pour Braided River, Stocki présente des œuvres récentes qui explorent l’abstraction à travers un processus qui lui est propre un processus qui absorbe les traditions du Color Field, de l’expressionnisme abstrait et de l’assemblage,
tout en poussant les matériaux à leur plein potentiel.

1-4 Elaine Stocki “Janice” 2026
Watercolour on linen, silk and velvet / Aquarelle sur lin, soie et velours

📅 : February 6 - April 4, 2026

📍: 21 Cortlandt Alley, 2nd Fl, New York, NY 10013

📷 : Nik Massey

nightgallery
elainestocki
d_armstrongsix
claire___colette
faircatherine
nadia.myre
melanieschiffstudio

02/26/2026

MONTRÉAL: Tom Anholt utilise différentes techniques dans ses compositions et puise dans une multitude de références. Ses œuvres renvoient à un style très organique, spontané, inspiré de tapisseries anciennes et d’illustrations légendaires. La matérialité palpable de ses toiles rappelle quant à elle l’expressionnisme allemand du début du XXe siècle. Son travail a fait l’objet d’expositions à la galerie Josh Lilley (Londres, Royaume-Uni) et à la galerie Blum & Poe (Los Angeles, Californie) ainsi qu’à la galerie Hakgojae (Séoul, Corée du Sud).

Tom Anholt employs various techniques in his compositions and draws from a multitude of references. His works evoke a highly organic, spontaneous style, inspired by ancient tapestries and legendary illustrations. The tangible materiality of his canvases is reminiscent of German Expressionism in the early 20th century. His work has been exhibited at the Josh Lilley Gallery (London, United Kingdom), Blum & Poe (Los Angeles, California), and Hakgojae Gallery (Seoul, South Korea).

📍: 2020 rue William, Arsenal art contemporain Montréal
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Tom Anholt, Icarus, 2022
Huile sur lin / Oil on linen
189,8 x 600,1 cm / 74 ¾ x 236 ¼ in

📷 Photo credit: Sebastian Hahne

02/20/2026

02/12/2026

MONTRÉAL: Jessica Westhafer puise dans ses souvenirs personnels, dont son enfance et son éducation au sein d’une Arkansas religieuse, pour créer des compositions absurdes et expressives. L’artiste met en scène des moments mélancoliques, voire pathétiques, en employant l’humour comme forme de résilience face à ses traumatismes personnels. Westhafer détient une maîtrise en beaux-arts de la Indiana University Bloomington (Indiana, États-Unis). Son travail a été le sujet d'expositions solos à la Vito Schnabel Gallery (New York, États-Unis), à Arsenal art contemporain (New York, États-Unis) ainsi qu’à la galerie DUVE Berlin (Allemagne).

Jessica Westhafer draws on personal memories, including her childhood and upbringing in a religious part of Arkansas, to create absurd and expressive compositions. The artist stages melancholic, even pathetic, moments, using humour as a form of resilience in response to her traumas. Westhafer holds a Master of Fine Arts from Indiana University Bloomington (Indiana, USA). Her work has been the subject of solo exhibitions at Vito Schnabel Gallery (New York, USA), Arsenal Contemporary Art (New York, USA), and DUVE Berlin (Germany).

📍: 2020 rue William, Arsenal art contemporain Montréal
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Jessica Westhafer, Bug Catcher, 2019
Huile sur toile / Oil on canvas
117 x 122 cm / 46 x 48 in

📷 Photo credit: Shark Senesac

10/30/2025

MONTRÉAL: L’artiste canadien Rodney Graham utilise l’humour pour déconstruire les récits qui entourent l’art, la musique et la culture populaire. Il est surtout connu pour ses photos démesurées à la lisière entre fiction et réalité. Graham est membre de l’École de Vancouver, un groupe d’artistes qui, à la fin des années 1970, utilisent la photographie afin de commenter divers enjeux sociaux. Son travail a fait l’objet d’expositions à l’Art Institute of Chicago (Illinois, États-Unis), et fait partie des collections du Museum of Modern Art (New York, États-Unis) et du Centre Pompidou (Paris, France).

Canadian artist Rodney Graham uses humour to deconstruct the narratives surrounding art, music, and popular culture. He is best known for his oversized photos that blur the line between fiction and reality. Graham is a member of the Vancouver School, a group of artists who, in the late 1970s, used photography to comment on various social issues. His work has been featured in exhibitions at the Art Institute of Chicago (Illinois, United States), and is part of the collections of the Museum of Modern Art (New York, United States) and the Centre Pompidou (Paris, France).

📍: 2020 rue William, Arsenal art contemporain Montréal
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Vacuuming the Gallery 1949, Ed. 3/3, 2018
Quatre boîtes lumineuses en aluminium avec impressions chromogènes sur transparents / Four painted aluminum lightboxes with transmounted chromogenic transparencies
119½ x 286 x 7 in

📷 Rodney Graham, In his studio, 2022. Estate of Rodney Graham; Courtesy Lisson Gallery. Photography by Sven Boecker.