Fundacja Alina

Fundacja Alina Fundacja i galeria sztuki współczesnej w Warszawie. ALINA jest nowym miejscem, galerią i fundacją sztuki.

Przestrzeń, w której rozpoczynamy działalność, była w latach sześćdziesiątych XX wieku pracownią rzeźbiarki Aliny Szapocznikow. Używając imienia artystki jako nazwy organizacji pragniemy z jednej strony upamiętnić jej osobę, a z drugiej –poprzez prezentację i promocję współczesnych strategii artystycznych, chcemy odnieść się do postawy twórczej Szapocznikow. Cechowały ją przede wszystkim odwaga w

eksperymentowaniu z materią, formą i tematyką prac oraz przełamywaniem tabu (poszukiwanie namacalności życia, cielesności, przemijalności, transgresji, sprawczości). Traktując historię rzeźbiarki jako ciekawy punkt wyjścia, zakładamy laboratorium wystawiennicze.

Dziękujemy za liczne przybycie na oprowadzanie. Monika Stobiecka zabrała nas w podroż po miejscach naznaczonych ruderaln...
11/01/2025

Dziękujemy za liczne przybycie na oprowadzanie. Monika Stobiecka zabrała nas w podroż po miejscach naznaczonych ruderalnym dziedzictwem, w których powstały prace prezentowane na wystawie "Uziemienie". Oprowadziła nas przy tym po współczesnych strategiach rezyliencji, potrzebie tworzenia niekonwencjonalnych współprac, wartości myślenia przez sztukę i uważności osób zajmujących się pracą twórczą.

W naszym bio opublikowaliśmy link, pod którym znajdziecie teksty na temat poszczególnych projektów, prezentowanych na wystawie "Uziemienie".







Dziękujemy za liczne przybycie na oprowadzanie. Monika Stobiecka zabrała nas w podroż po miejscach naznaczonych ruderaln...
11/01/2025

Dziękujemy za liczne przybycie na oprowadzanie. Monika Stobiecka zabrała nas w podroż po miejscach naznaczonych ruderalnym dziedzictwem, w których powstały prace prezentowane na wystawie "Uziemienie". Oprowadziła nas przy tym po współczesnych strategiach rezyliencji, potrzebie tworzenia niekonwencjonalnych współprac, wartości myślenia przez sztukę i uważności osób zajmujących się pracą twórczą.

Pod poniższym linkiem znajdziecie teksty na temat poszczególnych projektów, prezentowanych na wystawie "Uziemienie".

https://qr.me-qr.com/mobile/pdf/227dbf77-499e-4315-83c9-9fa93f1d7b1e

Przedstawiamy kolektyw Zoe: Małgorzata Gurowska - to artystka wizualna, kuratorka, wykładowczyni i autorka książek, któr...
08/01/2025

Przedstawiamy kolektyw Zoe:

Małgorzata Gurowska - to artystka wizualna, kuratorka, wykładowczyni i autorka książek, która tworzy z myślą o uwzględnieniu perspektywy innych gatunków. W swoich pracach porusza kwestie polityczne i społeczne, poszukując bardziej sprawiedliwych i opartych o empatię scenariuszy. Interesuje ją łączenie różnych perspektyw, osób, dziedzin. Działa na przecięciu sztuki, aktywizmu i nauki. Autorka i współautorka książek, m.in. ZOEpolis. Budując wspólnotę ludzko-nie-ludzką (2020); Mandragora – klasyfikcje(2020); MYKOsystem (2019), Lokomotywa/IDEOLO (2013). Profesorka Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, prowadząca Pracownię Rysunku Interdyscyplinarnego na Wydziale Rzeźby.

Agata Szydłowska – badaczka, autorka książek, kuratorka. Absolwentka historii sztuki na Uniwersytecie Warszawskim, Szkoły Nauk Społecznych przy Instytucie Filozofii i Socjologii PAN, ma doktorat z etnologii. Pracuje w Katedrze Teorii Designu na Wydziale Wzornictwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, gdzie prowadzi zajęcia między innymi z historii wzornictwa. Interesuje się interdyscyplinarnymi badaniami nad dizajnem, w szczególności splotami projektowania z polityką i życiem społecznym. Autorka i współautorka książek o typografii, polskim projektowaniu graficznym i czasopismach z PRL-u, m.in. Futerał. O urządzaniu mieszkań w PRL-u, za którą otrzymała Nagrodę KLIO oraz nominacje do Nagrody im. Marcina Króla i Nagrody Historycznej Polityki, Paryż domowym sposobem i Od solidarycy do TypoPolo, a także artykułów naukowych i popularnonaukowych. Jest również współtwórczynią wieloletniego projektu Zoepolis poświęconego wspólnotom międzygatunkowym, obejmującego wystawy, badania artystyczne i książkę.

fot. nr 2 -
fot. nr 4 -

Oprowadzanie po wystawie Uziemienie - z gościnnym udziałem Moniki Stobieckiej.9 stycznia o godzinie 18.00 zapraszamy spe...
03/01/2025

Oprowadzanie po wystawie Uziemienie - z gościnnym udziałem Moniki Stobieckiej.

9 stycznia o godzinie 18.00 zapraszamy specjalne oprowadzanie i dyskusję, wokół wątków podejmowanych przez grupę pięciu artystek i badaczek na wystawie Uziemienie. Naszą gościnią na tym spotkaniu będzie Monika Stobiecka.

Monika Stobiecka — historyczka sztuki i archeolożka, adiunktka na Wydziale „Artes Liberales" Uniwersytetu Warszawskiego, członkini Akademii Młodych Uczonych PAN. Laureatka „Diamentowego Grantu" MNiSW (2014) i „Miniatury" NCN (2021), stypendystka Fundacji z Brzezia Lanckorońskich (2016), Fundacji Kościuszkowskiej (2018) oraz Fundacji na Rzecz Nauki Polskiej (2019). Finalistka konkursu nagród naukowych tygodnika „Polityka" (2020). Współzałożycielka Central Eastern European Chapter w Association of Critical Heritage Studies. Autorka dwóch monografii dotyczących teoretyzowania muzeów archeologicznych, które ukazały się nakładem Wydawnictwa IBL PAN (2020) oraz Routledge (2023). Redagowała pierwszy w Polsce wstęp do krytycznych studiów nad dziedzictwem (Krytyczne studia nad dziedzictwem: pojęcia, metody, teorie i perspektywy, Wydawnictwa Uniwersytetu Warszawskiego 2023). Interesuje się studiami muzealnymi, krytycznymi studiami nad dziedzictwem, teorią i metodologią archeologii.

Artystki:
Zoe: Małgorzata Gurowska
Agata Szydłowska
Anna Siekiera
Anna Tomkowska
Agnieszka Wach

Tak wyglądały warsztaty Atramentum. Dziękujemy Ani Tomkowskiej za wprowadzanie nas w tajniki tej niezwykłej techniki, a ...
15/12/2024

Tak wyglądały warsztaty Atramentum. Dziękujemy Ani Tomkowskiej za wprowadzanie nas w tajniki tej niezwykłej techniki, a wszystkim osobom uczestniczącym za odważne eksperymentowanie z mieszaniem składników i ciekawe efekty malarskie oraz graficzne.

This is what the Atramentum workshop was like. We would like to thank Ania Tomkowska for introducing us to this unusual technique, and all those who participated for daring to experiment with mixing ingredients and interesting painting and graphic effects.

Publikujemy kilka zdjęć z czwartowego wernisażu wystawy Uziemienie.To był bardzo miły wieczór! Dziękujemy wszystkim za o...
04/12/2024

Publikujemy kilka zdjęć z czwartowego wernisażu wystawy Uziemienie.
To był bardzo miły wieczór! Dziękujemy wszystkim za obecność! Zapraszamy do wizyty w Fundacji Alina od środy do niedzieli w godzinach: 12.00 - 18.00. Wystawa będzie trwała do 19 stycznia 2025 r.
Już niebawem będziemy informować o wydarzeniach towarzyszących.
/
We publish some photos from Thursday's opening of the exhibition Uziemienie.
It was a wonderful evening! Thank you all for your presence! We invite you to visit Fundacja Alina from Wednesday to Sunday from: 12:00 - 18:00 p.m. The exhibition will last until January 19 2025.
We will soon inform you about the accompanying events.

Małgorzata Gurowska
Agata Szydłowska
Anna Siekiera
Ania Tomkowska
Agnieszka Wach


UziemienieZoe: Małgorzata Gurowska i Agata SzydłowskaAnna Siekiera,Anna Tomkowska,Agnieszka Wach.otwarcie wystawy: czwar...
19/11/2024

Uziemienie

Zoe: Małgorzata Gurowska i Agata Szydłowska
Anna Siekiera,
Anna Tomkowska,
Agnieszka Wach.

otwarcie wystawy: czwartek 28.11.2024 godz. 18.00

czas trwania wystawy: 28.11.2024 - 19.01.2025
godziny otwarcia: śr. - nd. : 12.00 - 18.00

Czerwień często oznacza żelazo. Czerwona ziemia na terenach pokopalnianych, rdzawy pigment na papierze, czerwona krew i Czerwona Planeta. Żelazo jest jednym z najbardziej rozpowszechnionych pierwiastków na Ziemi. To główny składnik jej jądra, obecny także w skorupie. Pełne żelaza są meteoryty i marsowy regolit. Żelazo zawierają rośliny, bywa obecne rownież w wodzie.

Wystawa „Uziemienie” pozwoli spojrzeć na żelazo jako na pierwiastek witalny – mówiąc językiem Moniki Bakke i Donny Haraway - mineralny gatunek stowarzyszony, który koewoluuje razem z biologicznym życiem.
Oparta na badaniach artystycznych wystawa opowie o gęstym splocie biologiczno-geologiczno-cywilizacyjnym, którego centrum stanowi żelazo, pierwiastek, bez którego życie wielu gatunków byłoby niemożliwe.

——————-

Exhibition opening: Thursday 28 November 2024 at 6 p.m.

28 November 2024 - 19 January 2025
Opening hours: Wed. - Sun. : 12.00 - 18.00

Red often means iron. Red earth in post-mining areas, rusty pigment on paper, red blood and the Red Planet. Iron is one of the most widespread elements on Earth. It is the main component of its core and is also present in the crust. Meteorites and the Martian regolith are full of iron. Iron is contained in plants and is also sometimes present in water.

The exhibition will take a look at iron as a vital element - in the language of Monika Bakke and Donna Haraway - a mineral associated
species, which coevolves with biological life. Based on artistic research, the exhibition will tell the story of the dense biological-geological-civilisational nexus at the centre of which is iron, an element without which life for many species would be impossible.

Presenting 𝓩𝓸𝓲 𝓜𝓲𝓬𝓱𝓪𝓲𝓵𝓸𝓿𝓪In her sound installation 𝘚𝘢𝘳𝘤𝘰𝘱𝘩𝘢𝘨𝘶𝘴, Zoi Michailova explores the internal organ of the throat...
15/11/2024

Presenting 𝓩𝓸𝓲 𝓜𝓲𝓬𝓱𝓪𝓲𝓵𝓸𝓿𝓪

In her sound installation 𝘚𝘢𝘳𝘤𝘰𝘱𝘩𝘢𝘨𝘶𝘴, Zoi Michailova explores the internal organ of the throat, revealing its ugliness and force by placing a monstrous chimaera underneath the staircase of the studio. A concrete pipe, slanted at a 45-degree angle to mirror the stairs above, serves as both a symbolic throat and a metaphorical sarcophagus. This pipe acts as a resonant chamber, shaping and amplifying a carefully crafted soundscape that blends recorded liquid sounds with electronic distortions. The result is a visceral audio experience that echoes the body’s inner workings while simultaneously evoking themes of illness, preservation, and mortality.
 
Liquid sounds, representing bodily fluids, flow through the installation, so they can then fragment and warp. This sonic manipulation mirrors Szapocznikow’s fragmentation of the human form, creating a fluid yet fractured soundscape. The tension between the flowing liquid sounds (symbolising life) and the confining concrete structure (evoking death) invites contemplation of physical transience. Placed beneath stairs, it suggests a hidden chimaera within the architecture, offering an intimate yet unsettling glimpse into internal bodily processes through sound.

____

Zoi Michailova is a Ukrainian music composer, sound artist, and DJ based in Warsaw. She primarily creates music for various art forms, including exhibitions, performances, and theatre. Michailova often works collaboratively, contributing her artistic vision to projects that explore the intersection of sound, choreography, and social practices. In her soundscapes, Zoi largely exposes alienation and ethereality as well as the shifting boundaries between timbre and the rhythm. In 2021, she was awarded a grant by the City of Warsaw to develop a project of acoustic performances entitled “Is it a reverberation of the eternal world? - Sound reflections on acoustic pollution”, which has since been presented at various venues across Europe. Lives and works in Warsaw. 

Presenting 𝓚𝓲𝓷𝓰𝓼𝓵𝓮𝔂 𝓘𝓯𝓲𝓵𝓵Kingsley Ifill’s 𝑅.𝐸 (2024) captures an intimate, contemplative moment of a seated woman, conti...
15/11/2024

Presenting 𝓚𝓲𝓷𝓰𝓼𝓵𝓮𝔂 𝓘𝓯𝓲𝓵𝓵

Kingsley Ifill’s 𝑅.𝐸 (2024) captures an intimate, contemplative moment of a seated woman, continuing the artist’s exploration of process and its potential outcomes. This piece offers a silent meditation on gesture, focusing on the subject’s posture and the enigmatic lines on raw linen that evoke various interpretations, from cityscapes to tears. The fragmented collage effect, with the body seemingly bisected, might reference Szapocznikow’s love letters or serve as a broader metaphor for the incomplete nature of correspondence. Through this work, Ifill transforms a simple moment into a complex visual dialogue, inviting viewers to reflect on the power of subtle gestures and the multiple layers of meaning that can emerge from a focused artistic process, while blending personal intimacy with broader artistic references.

Kingsley Ifill is a British multidisciplinary artist working in photography, painting, printmaking, and sculpture. His process-based practice explores themes of power, representation, and the contemporary condition, with a strong emphasis on hands-on creation. Ifill personally handles all aspects of his work, from developing film to printing and bookmaking, often producing handmade books in small editions. His art has been exhibited internationally at galleries like Eighteen Gallery in Copenhagen and in London and featured in publications such as AnOther and DAZED.

___

Pracując z fotografią, malarstwem i rzeźbą, brytyjski artysta Kingsley Ifill, skupia się na samym procesie, osobiście zajmując się wszystkimi aspektami tworzenia prac, od wywoływania filmów po druk i tworzenie książek, często produkując ręcznie robione publikacje w małych nakładach. W swojej praktyce angażuje się w tematy władzy, reprezentacji i współczesnej kondycji świata. Jego prace były częścią wystaw w galeriach takich jak Eighteen Gallery w Kopenhadze i Hannah Barry Gallery w Londynie, oraz zostały publikowane w magazynach takich jak AnOther i DAZED.

Za nami ostatnie dni wystawy Chimera. Dziękujemy serdecznie wszystkim którzy odwiedzili wystawę i tym obserwującym w med...
14/11/2024

Za nami ostatnie dni wystawy Chimera. Dziękujemy serdecznie wszystkim którzy odwiedzili wystawę i tym obserwującym w mediach społecznościowych! Dziękujemy osobom artystycznym biorącym udział w wystawie i kuratorce !!
Do zobaczenia wkrótce!
—————
These were the final days of the Chimera exhibition. Thanks to all who visited the exhibition and those watching on social media! Many thanks to the participating artists and the curator !!!
See you soon!

Presenting 𝓡𝓮𝓾𝓫𝓮𝓷 𝓑𝓮𝓻𝓰𝓮𝓷 𝓙𝓪𝓶𝓮𝓼 In his new works, Reuben Beren James draws inspiration from Szapocznikow’s technique of e...
14/11/2024

Presenting 𝓡𝓮𝓾𝓫𝓮𝓷 𝓑𝓮𝓻𝓰𝓮𝓷 𝓙𝓪𝓶𝓮𝓼
 
In his new works, Reuben Beren James draws inspiration from Szapocznikow’s technique of embedding photographs in resin, applying it to create an abstracted, disfigured human form. He focuses on one photograph that Szapocznikow used in both her Souvenir and Grand Tumeur series, dissecting and manipulating this image to create a sense of ambiguity and disorientation for the viewer.

In gt, (Szapocznikow, 1970), 2024 the artist digitally fragments the concentration camp victim’s face from Szapocznikow’s photograph, then creates a collage that seems to shift and morph as the viewer moves around it. The result is a haunting, hologram-like image that appears to disintegrate before the viewer’s eyes, evoking the fragility of memory, echoing Szapocznikow’s ability to dance along the tightrope between innocence and trauma.

Reuben Beren James is a British artist based in London. He graduated with a BA from Central Saint Martins in 2018 and an MA in Painting from the Royal College of Art in 2023. His work examines the visual systems that structure power and representation, disrupting habitual narratives and challenging the consumption of images as cultural commodities. Drawing on Deleuze and Guattari’s notions of deterritorialization and assemblage, Reuben examines how aesthetics function as tools of manipulation, concealing the violence, alienation, sexuality, historical trauma, and contradictions embedded in contemporary culture. His work has been included in several group exhibitions, such as “HOME AND AWAY” at Gallery Two in Seoul and “Eurostarz” at Tick Tack in Antwerp (both 2023). Lives and works in London. 

Presenting 𝓐𝓷𝓸𝓾𝓼𝓱𝓪 𝓟𝓪𝔂𝓷𝓮For Chimera Anousha Payne presents three pieces: an ambiguous prehistoric helmet blending wolf a...
11/11/2024

Presenting 𝓐𝓷𝓸𝓾𝓼𝓱𝓪 𝓟𝓪𝔂𝓷𝓮

For Chimera Anousha Payne presents three pieces: an ambiguous prehistoric helmet blending wolf and dinosaur features, supported by cast bronze objects that serve as memory archives; a sculpture combining human, cat, and snake elements, with a face in a state of renewal, referencing Szapocznikow’s stretched cast heads; and a mummified face crafted from salvaged knit material, exploring the concept of multiple selves.

Each sculpture blurs the lines between humans, animals, and objects, reconsidering the boundaries of existence and the fluid nature of identity. Her works depict hybrid creatures that challenge cultural categorisations and embody themes of transformation and identity, echoing Alina Szapocznikow’s pursuit of completeness through fragmentation and abstract juxtapositions.

Anousha Payne is a British artist working in sculpture, painting, text, and sound. Her practice explores the human pursuit of spirituality in object form, navigating the liminal space between personal experience, fiction, and myth. Payne’s work often incorporates found objects, reptile skin, and intuitive mark-making, seeking to establish a personal visual language as a meditative interaction. Recent exhibitions and fairs include a solo presentation at Liste art fair with Sperling gallery (2023), a solo exhibition at Sperling gallery in Munich, and the group exhibition “Tender Mooring” at Deli Gallery in New York (2023). Lives and works in London. 

___

Pracując z medium rzeźby, malarstwa, literatury i dźwięku, w swojej praktyce Anousha Payne bada poszukiwanie duchowości wyrażonej w formie obiektów, poruszając się w przestrzeni pomiędzy osobistym doświadczeniem, fikcją a mitem. W swoich pracach często wykorzystuje znalezione obiekty oraz elementy skóry gadów, akcentując płynność i podobieństwo cech które dzielą ludzie, zwierzęta, świat  przyrody i przedmioty nieożywione.

Presenting  𝓟𝓮𝓭𝓻𝓸 𝓛𝓲ñ𝓪𝓻𝓮𝓼In the presented paintings, Pedro Liñares creates an archeology of personal memory, translating...
10/11/2024

Presenting 𝓟𝓮𝓭𝓻𝓸 𝓛𝓲ñ𝓪𝓻𝓮𝓼

In the presented paintings, Pedro Liñares creates an archeology of personal memory, translating intimate spaces into dreamlike representations. In As flores do corredor (2024), he transforms his studio hallway’s familiar wallpaper into an ethereal image, translating the emotional language of his memories. By naming and preserving the emotional language of memories associated with specific spaces, he creates a bridge between his personal experiences and the universal human experience of nostalgia. Our lives are maps of events, marked by smells, wallpapers, tender gestures and so on. By displaying works about his intimate spaces within another artist’s creative sanctuary, once a home of secrets, tears, and srtories, Linares highlights how environments accumulate layers of memory. 

Born in 1988 in Rio de Janeiro, lives and works between Lisbon and Rio de Janeiro. In his practice, Liñares explores, in a non-narrative approach, how visual information can be reused for new meanings through the relationships between everyday experiences and painting. His research suggests slices of our contemporary reality, its complexity, and ambiguity of meanings from an intimate and personal point of view. His recent solo exhibitions include Atlas at Hew Hood Gallery in London (2024) and a recently opened “Relicário” at Kubik Gallery, Porto, Portugal.

Presenting 𝓜𝓪𝓻𝓲𝓮 𝓗𝓪𝔃𝓪𝓻𝓭In 𝒟é𝓇𝑜𝓊𝓁𝑒-𝓂𝑜𝒾 (2024) and 𝐿𝑒𝓈 𝓂𝒶𝒾𝓃𝓈 𝒸𝓇𝒾𝓈𝓉𝒶𝓁𝓁𝒾𝓈é𝑒𝓈 (2024), Marie Hazard explores the body’s imprin...
08/11/2024

Presenting 𝓜𝓪𝓻𝓲𝓮 𝓗𝓪𝔃𝓪𝓻𝓭

In 𝒟é𝓇𝑜𝓊𝓁𝑒-𝓂𝑜𝒾 (2024) and 𝐿𝑒𝓈 𝓂𝒶𝒾𝓃𝓈 𝒸𝓇𝒾𝓈𝓉𝒶𝓁𝓁𝒾𝓈é𝑒𝓈 (2024), Marie Hazard explores the body’s imprint and absence, echoing Alina Szapocznikow’s focus on corporeal fragmentation and memory. Like Szapocznikow’s casts of body parts, Hazard’s works capture physical traces, celebrating vulnerability and resilience. Both artists transform personal experiences of illness and trauma into universal statements on physicality and impermanence. Through weaving and photography, Hazard creates a dialogue between presence and absence, mirroring Szapocznikow’s poetic rendering of the body’s fragility and strength.

Marie Hazard is a French textile artist based in Paris. Her weaving and printing practice combines ancestral techniques with industrial methods. She weaves a wordless language with threads of paper, h**p, linen, polyester, mohair, and pearls. Her works transcribe flows through the woven line, the folds, the cut-outs, the assemblages, and the partial use of screen printing with Boro Boro or the assemblage of Mexican kitchen tablecloths. Her work reflects elements such as spirals, decontextualized photographs of urban elements, abstract paintings of her memories, the poetry she writes, and her assemblages.

____

Marie Hazard, urodzona w 1994 roku w Le Havre we Francji, łączy w swoich pracach tradycyjne techniki tkania i drukowania z metodami przemysłowymi. Hazard wykorzystuje materiały takie jak nici papieru, konopi, lnu, poliestru, moheru i pereł, od niedawna też robi wydruki własnych fotografii na tkaninach. Do jej znaczących wystaw indywidualnych należy Mobilier National & Institut Français d’Amérique Latine w Meksyku (2024) oraz udział w wystawie grupowej w Muzeum Sztuki Współczesnej w Tokio (2019). Poza działalnością artystyczną, w 2022 roku Hazard zaangażowała się w projekt społeczny, współtworząc inicjatywę Potyra, która wspiera budowę centrum sztuki młodzieżowej w Serra Grande w Brazylii. Mieszka i pracuje w Paryżu.

Adres

Ulica Brzozowa 31/33 00-258
Warszawa

Strona Internetowa

Ostrzeżenia

Bądź na bieżąco i daj nam wysłać e-mail, gdy Fundacja Alina umieści wiadomości i promocje. Twój adres e-mail nie zostanie wykorzystany do żadnego innego celu i możesz zrezygnować z subskrypcji w dowolnym momencie.

Skontaktuj Się Z Firmę

Wyślij wiadomość do Fundacja Alina:

Widea

Udostępnij

Kategoria