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QPM spanish contemporary art space, El Escorial (2026)

03/09/2026

PARIS.- Marria Pratts “Papallona” Del 10 de septiembre al 14 de octubre2026 Galería Mayoral
Entre los desechos encontrados en la decadencia urbana, Marria Pratts busca destellos de belleza, que plasma de forma instintiva y reflexiva en el lienzo de su estudio. El estudio funciona como un espacio donde se difuminan los límites entre el arte y la vida de la artista, permitiendo que cada impulso creativo, cada fragmento de inspiración y cada acción contribuyan a una simbiosis natural que moldea su proceso creativo.
Su obra puede interpretarse como un desafío a las estructuras sociales, poniendo de relieve las contradicciones que impregnan el paisaje urbano y las dificultades de vivir bajo la constante amenaza de la gentrificación. A través de su enfoque instintivo de la creación artística, Pratts transmite una profunda y alentadora sensación de resiliencia.
A pesar de su relativamente corta trayectoria, Pratts ya ha realizado importantes exposiciones individuales y colectivas en diversas galerías e instituciones. En particular, su exposición individual "1 Possessió Drift" en la Fundació Joan Miró, Barcelona (2022) atrajo una atención significativa y en el Salón de los Espejos del Liceu de la Ópera de Barcelona, Marria Pratts '1 Sardana, 3 Ghosts' (2023). También ha participado en exposiciones colectivas como “Apunts per un incendi dels ulls” presentada en el MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona (2021-2022), y "PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo" que tuvo lugar en el Centro de Arte 2 de Mayo de Madrid; MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona, y Artium, Vitoria (2015-2016). Además, ha exhibido su trabajo en prestigiosas ferias de arte internacionales, incluidas ARCO Madrid, Art Basel Hong Kong, Art Basel Miami.

Galería Mayoral 36 Avenue Matignon, 75008 Paris

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02/09/2026

AMSTERDAM.- “Lita Cabellut x Goya – Las locuras” Del 23 de septiembre 2026 al 14 de marzo 2027. Jan Museum
La muestra reúne 22 obras de Cabellut en diálogo con los grabados de Los Disparates de Goya, uniendo sus visiones sobre el caos, el poder y la vulnerabilidad humana.
El Museo JAN de Amstelveen se convierte en el escenario de un encuentro artístico entre dos artistas, con dos siglos de diferencia. Por primera vez en los Países Bajos se puede visitar la exposición Lita Cabellut x Goya – Las locuras. En ella, 22 obras monumentales de la artista hispano-neerlandesa Lita Cabellut entablan un diálogo visual y conceptual con la misteriosa serie de 22 grabados Los Disparates de Francisco de Goya.
La interpretación que hace Cabellut de esta serie de grabados de hace dos siglos resulta provocadora: las imágenes de Goya sobre la locura, el caos político y la decadencia moral resuenan en su mundo de incertidumbre y desintegración social. Expuestas una junto a otra, entablan un diálogo sobre temas que hoy son más urgentes que nunca: la identidad, el poder, el miedo, la ética y la vulnerabilidad del individuo.
De niña, Lita Cabellut vivió en las calles de Barcelona, hasta que, a los doce años, fue adoptada por una familia que la llevó al Prado, en Madrid. Allí comenzó su fascinación por Goya. Más tarde estudió en la Academia Gerrit Rietveld y, desde entonces, vive y trabaja en los Países Bajos. A través de los personajes de su obra, plasma la vulnerabilidad humana y muestra su crítica social.
Su obra se ha expuesto desde Bombay hasta Shanghái, desde Seúl hasta Madrid. En 2021 fue nombrada Artista del Año en los Países Bajos. En 2024 recibió un doctorado honoris causa por la Universidad de Barcelona y la Encomienda de la Real Orden de Isabel la Católica.
Museum Jan, Dorpsstraat 50, 1182 JE Amstelveen
Museum Jan
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01/09/2026

SANTO DOMINGO.- Santiago Ydañez “De Güibia a Boca Chica” Del 3 de septiembre al 8 de octubre 2026. Lyle O. Reitzel Arte Contemporáneo
Santiago Ydáñez reinterpreta las fotografías de los años 40 de Kurt Schnitzer "Conrado", transformando la memoria de Güibia y Boca Chica en una realidad paralela vibrante y poética, donde el tiempo vuelve a fluir.
Santiago Ydáñez (Jaén, 1967) es graduado en Bellas Artes en la Universidad de Granada, ha realizado talleres entre otros con Juan Genovés y Mitsuo Miura. Ha recibido importantes distinciones y es actualmente uno de los pintores jóvenes españoles con mayor proyección internacional. Obtuvo entre otros el Premio de Pintura ABC en 2002 y Premio de Pintura Generación 2002 de Caja Madrid, la Beca del Colegio de España en París del Ministerio de Cultura en 2001, la Beca de la Fundación Marcelino Botín en 1998 y la Beca de la Academia de España en Roma. Su obra se encuentra en las colecciones de la Fundación Botín (Santander), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) entre otros. Actualmente vive y trabaja en Berlín y Jaén.
Lyle O. Reitzel Arte Contemporáneo. Av. Gustavo Mejia Ricart #196, Esq. Abraham Lincoln Torre Piantini, Suite 1A y 2A
Torre Piantini, Suite 1A y 2A
Santo Domingo, Distrito Nacional, DO

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31/08/2026

BRUSELAS.- Noemí Rodrigo Sabio “Montes negros, edén” Del 10 de septiembre al 17 de octubre 2026. Lab Embajada de España en Bruselas
Un viaje fotográfico a Los Monegros, donde la artista colabora con el desierto para revelar, a través del mito, la memoria y la ciencia, la historia de una tierra marcada por la desertificación.
La tradición oral cuenta que la Península Ibérica estuvo antaño cubierta por densos bosques de robles, a través de los cuales las ardillas podían cruzar de un extremo a otro.
Hoy día, el 31,5% del territorio español ya está afectado por la desertificación. El 80% del país corre el riesgo de convertirse en desierto a lo largo de este siglo debido al cambio climático. Más del 75% de la superficie terrestre del planeta está degradada, y el 90% podría estarlo para 2050. Clasificado como desierto demográfico por la UNESCO, el desierto de Los Monegros es una zona árida de su tierra natal (Zaragoza, España). La familia del padre de la fotógrafa proviene de un pueblo en su frontera. Ese lugar y sus alrededores se convirtieron en el paisaje de su infancia. Como ella misma dice:
Ya quedan pocos espacios con vegetación, tras una desertificación agravada por la agricultura intensiva y la deforestación. Volver a casa significa redescubrir y reconectar con mis raíces y mi paisaje natal: su dureza, su sequedad y su belleza. En ‘Montes Negros’ Eden’, el desierto y yo colaboramos, desvelando la historia medioambiental de Los Monegros a través del mito local, la poesía y el folclore, así como sus dimensiones sociales y políticas.
Lab, Embajada de España en Bélgica, Rue de la Science 19, 1040 Bruselas

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30/08/2026

ESTOCOLMO.- “Simposio sobre la práctica artística de Cristina Iglesias” 10 de septiembre. Museo Nacional
El 10 de septiembre se celebrará un simposio centrado en la trayectoria artística de Cristina Iglesias. A lo largo de los años, Iglesias ha creado obras de gran formato con materiales como bronce, acero, vidrio y agua, que aluden a la historia de los lugares donde se instalan. Su nueva escultura, Aurora Borealis Star Dome, se ubica en el punto más alto de la zona de Rosendal, conocida como la "estrella cazadora". El evento contará con la presencia, entre otros, del director general Patrick Amsellem y la propia artista.
Nationalmuseum, Stockholm, Södra ljusgården, ground floor

Photo; Cristina Iglesias, Aurora Borealis Star Dome, 2026. Aluminum, stainless steel and coloured glass, 3 feet 3 ⅖ inches × 23 feet × 23 feet. Princess Estelle Sculpture Park on Royal Djurgården Stockholm, Sweden. © Örjan Furberg. © Cristina Iglesias, VEGAP, Madrid, 2026. Courtesy the artist and Hauser & Wirth.

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29/08/2026

PERPIÑAN.- Joan Miró “Mallorca, el taller de los sueños” Del 27 de junio al 31 de diciembre 2026. Museo Hyacinthe Rigaud

La primera gran exposición dedicada al artista catalán Joan Miró (1893-1983) en el museo Hyacinthe Rigaud tiene un carácter muy especial, ya que forma parte del hermanamiento de las ciudades de Perpiñán y Palma de Mallorca, oficializado en 2024. Esta cooperación cultural ha permitido formalizar una estrecha colaboración con la Fundación Pilar y Joan Miró de Mallorca, principal prestamista de la exposición, cuyas colecciones constituyen uno de los conjuntos más importantes dedicados al artista.

Esta muestra que reúne cerca de cien obras, pinturas, esculturas, cerámicas, dibujos, grabados y litografías ofrece a los visitantes una experiencia inmersiva en el universo de Miró y pone de relieve la evolución formal de su obra desde su traslado a Mallorca en 1956.

Este periodo marca un punto de inflexión crucial en la trayectoria del artista. En su estudio mallorquín, Miró cultivó una exploración estética en constante evolución, liberando aún más el gesto, el material y el símbolo. La exposición invita al público a adentrarse en el corazón de su proceso creativo, donde la experimentación, las rupturas y las renovaciones dan testimonio de una obra en perpetua revolución. Desde sus inicios figurativos en Cataluña hasta los grandes lienzos gestuales de su etapa de madurez, la exposición evocará el movimiento interior que impulsó una profunda transformación en la obra de Miró: una búsqueda de lo esencial, de un lenguaje pictórico autónomo, libre de todo detalle superfluo.

Miró se mantuvo firmemente abierto al mundo exterior. Nutrido tanto por las tradiciones de su tierra natal como por los intercambios intelectuales de su tiempo, las creaciones de Miró dan testimonio de una visión universal del arte, donde la poesía, la libertad y la invención ocupan un lugar central.

Museo de Arte Hyacinthe Rigaud 21 rue Mailly 66000 Perpiñan. France

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28/08/2026

WASHINGTON.- Laura Campello y Rosalía Banet “El Bosque de las Luciérnagas” Del 20 de marzo al 31 de octubre 2026. Centro Cultural de España

ART x SCIENCE made in Spain es un programa que reúne a artistas y científicos españoles en colaboraciones individuales para tender puentes entre estos los dos mundos.
En esta tercera edición, la colaboración entre la artista visual Rosalía Banet y la científica Laura Campello explora la interacción entre arte y ciencia, dando como resultado una creación única que encarna ambas disciplinas: la obra titulada El Bosque de las Luciérnagas.

El Bosque de las Luciérnagas se centra en la ceguera y los avances científicos destinados al desarrollo de terapias para mejorar la visión. En concreto, se inspira en la investigación sobre terapias génicas que utilizan virus adenoasociados (AAV) como vectores para introducir copias funcionales de genes en la retina. El objetivo es recuperar la función celular en células dañadas por mutaciones genéticas y restaurar, total o parcialmente, la visión en enfermedades retinianas hereditarias.

A partir de estas investigaciones, se ha creado una obra de arte que representa simbólicamente la mejora de la función visual como una transición de la oscuridad a la luz. La retina —normalmente oculta en la parte posterior del ojo— se transforma aquí en un bosque: un bosque parcialmente inmerso en la oscuridad que, gracias a la dispersión de las luciérnagas —metáforas de los vectores terapéuticos—, recupera la luz, el color y la forma.

Descubre más sobre el enfoque de la científica Laura Campello en esta experiencia (PDF) y cómo la artista Rosalía Banet ha transformado la ciencia en arte (PDF).
Laura Campello: https://www.spainculture.us/.../artxscience_lauracampello...
Rosalía Banet: Rosalía Banet has turned science into art (PDF).
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Spanish Cultural Center, 2801 16th St NW, Washington, DC 20009

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27/08/2026

NIMEGA.- Fernando Sánchez Castillo “Power of the People” Del 6 de junio al 15 de noviembre 2026. Museo Valkhof

Fernando Sánchez Castillo, artista nacido en Madrid conocido por explorar cómo se representa el poder en los monumentos y los rituales públicos, presenta alrededor de treinta obras que abordan la construcción de la memoria colectiva. Su práctica combina la seriedad con el juego, para poner al descubierto las estructuras ocultas de la autoridad.
El artista está creando tres esculturas públicas monumentales que hacen referencia al Limes romano: El emperador Augusto boca abajo con un tobogán, Vespasiano con un columpio y Julio Civilis hundiéndose en arenas movedizas. Se muestran bocetos, maquetas y contexto de la colección arqueológica del museo.
Las obras reinterpretan la Estatua de la Libertad a partir de una investigación que revela sus intenciones abolicionistas originales. Sánchez Castillo propone una nueva versión protagonizada por una mujer afroamericana, presentando un modelo de cera que muestra el proceso artístico de la pieza.
Vídeos como Marbles representan la resistencia estudiantil durante la dictadura de Franco, haciendo referencia al uso de canicas esparcidas para entorpecer a los caballos de la policía durante las protestas.
Esculturas como Tank Man rinden homenaje a aquellas personas que se oponen a los regímenes opresivos, vinculando imágenes icónicas de protesta (por ejemplo, la de la Plaza de Tiananmen) con el tema atemporal de David contra Goliat.
Una nueva instalación participativa rinde homenaje a las Madres de Plaza de Mayo: se ofrecen a los visitantes miles de pequeñas figuras de la activista Nora Cortiñas.
La película Choreographies muestra una bandera blanca monumental —ligeramente más grande que la bandera nacional de España—, que simboliza la paz. Su tamaño viene determinado por la huella de la mano de un superviviente del bombardeo de Guernica, de 1937.
Museo Valkhof, Kelfkensbos 59, 6511 TB Nimega
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26/08/2026

SEÚL.- Xevi Solá. “Un año: Escenas en el tiempo” Del 10 de julio al 20 de octubre de 2026 Centro de Artes, Museo de Caligrafía de Seúl.
Xevi Solá conocido por su enfoque intuitivo y pictórico de la figuración, explora los límites de la percepción a primera vista, creando obras abiertas, cambiantes y de gran resonancia psicológica. Sus pinturas a menudo inspiradas en imágenes encontradas, como fotografías de moda, fotogramas de películas y archivos, no son reproducciones, sino escenas reinventadas, filtradas a través del instinto, la memoria y la emoción.
Formado en la Universidad de Barcelona y afincado actualmente en Girona, Solà pertenece a una estirpe de artistas que priorizan la esencia sobre la fidelidad exacta. Trabajando con rapidez e instinto, abraza la espontaneidad para mantener viva la pintura, permitiendo que el gesto, el color y la composición guíen la imagen tanto como la intención consciente.
Esta exposición refleja una dirección definida en su obra. Al reunir una secuencia de escenas interconectadas, «Un año: Escenas en el tiempo» propone la pintura como un espacio continuo donde el tiempo se despliega. La exposición también marca un regreso al paisaje tras un periodo en el que Solà se centró más en la figura humana. Figuras y paisajes emergen con una intensidad serena, con narrativas deliberadamente inconclusas, invitando al espectador a un espacio de interpretación y reflexión. Interesado en la sugerencia más que en la explicación, Solà construye escenas que permanecen abiertas. Esta contención y apertura ofrecen una visión de su práctica en constante evolución y de su continua exploración de la figuración contemporánea.
Centro de Artes de Seúl, Museo de Caligrafía de Seúl, Sala de Exposiciones 1, 2406 Nambusunhwan-ro, Seocho-gu, Seúl 06757
Imagen: Xevi Solà, "Cold Meeting" (detail), oil on canvas, 130 x 162 cm
Xevi sola
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26/08/2026

SOEST.- Ignacio Uriarte “Últimos trabajos” Del 10 de mayo al 13 de septiembre de 2026. RAUM SCHROTH im Museum Wilhelm Morgner
En su obra multimedia, Ignacio Uriarte (*1972 en Krefeld, vive en Valencia, España) revela la poesía y la gracia de los materiales ordinarios y los procesos repetitivos de la vida laboral cotidiana.
En RAUM SCHROTH, Ignacio Uriarte expone nuevas obras sobre papel e instalaciones especialmente concebidas, así como obras de la Colección Schroth, que han ocupado una posición importante durante más de 15 años. Estas incluyen dibujos mecanografiados o una instalación de reglas. El vocabulario siempre reducido y geométrico pone la ejecución manual y la composición refinada en una tensión viva y dinámica. "Reutlinger Fenster" resulta pintoresca y cálidamente luminosa: la secuencia de 17 partes que muestran un degradado orgánico de color usando los colores clásicos de oficina negro, azul, rojo y verde, con diferentes degradados en cada uno de los densos dibujos con rotulador sobre papel.
Utilizando los factores de tiempo y espacio, el artista transforma los pequeños elementos supuestamente banales como una línea garabateada descuidadamente, un simple signo de puntuación o incluso una diminuta moneda de un céntimo en poesía que transmite destellos de luz y efectos iridiscentes, ilusión de movimiento y espacio, tensión y silencio, así como gran belleza.
RAUM SCHROTH im Museum Wilhelm Morgner
Thomästraße 1, 59494 Soest. Alemania
Imagen: Ignacio Uriarte

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03/09/2026

02/09/2026

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