Galerie LeRoyer

08/29/2026

Jean Paul Riopelle: a plane, reduced to line, movement and memory.

In Avion à flotteurs (1971), Riopelle transforms one of the defining experiences of his return to Quebec: journeys into the North with his close friend Dr. Champlain Charest. Their hunting and fishing expeditions by seaplane opened Riopelle to landscapes that would become increasingly present in his work throughout the 1970s.

Painted directly over a lithograph mounted on canvas, the aircraft emerges through heavy black contours against a dense field of colour and gesture. The work was later featured in the Montreal Museum of Fine Arts publication Riopelle: The Call of Northern Landscapes and Indigenous Cultures, dedicated to tracing the profound impact of the North on his practice.

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Dans Avion à flotteurs (1971), Riopelle transpose l’une des expériences marquantes de son retour au Québec : ses voyages dans le Nord en compagnie de son proche ami, le Dr Champlain Charest. Leurs expéditions de chasse et de pêche en hydravion lui font découvrir des paysages qui prendront une place croissante dans son travail tout au long des années 1970.

Peint directement sur une lithographie marouflée sur toile, l’avion se détache par de puissants contours noirs au sein d’un champ dense de couleurs et de gestes. L’œuvre a par la suite été reproduite dans la publication du Musée des beaux-arts de Montréal Riopelle : à la rencontre des territoires nordiques et des cultures autochtones, consacrée à l’influence profonde du Nord sur sa pratique.

📌 “Avion à flotteurs”
1971
Acrylic on lithograph mounted on canvas / Acrylique sur lithographie montée sur toile
62.75 x 47.5 “ / 159.5 x 121 cm

🔗 Available upon inquiry / Disponible sur demande: [email protected]

08/29/2026

08/27/2026

“My entire life has been painted here. Every day, any day.” — Yayoi Kusama

For nearly eight decades, Yayoi Kusama transformed an intensely personal vision into a universe that millions came to recognize, enter, and feel part of. Through infinity, repetition, mirrors, colour, pumpkins and dots, she created a visual language so singular that it became universal.

Her life was one of extraordinary persistence, a continuous return to art, day after day, across generations and continents. Today, we remember not only one of the most influential artists of our time, but a woman who never stopped creating, imagining, and expanding the world around her.

Yayoi Kusama, 1929–2026

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Pendant près de huit décennies, Yayoi Kusama a transformé une vision profondément personnelle en un univers que des millions de personnes ont appris à reconnaître, à traverser et à habiter. À travers l’infini, la répétition, les miroirs, la couleur, les citrouilles et les pois, elle a créé un langage visuel si singulier qu’il en est devenu universel.

Sa vie fut marquée par une persévérance extraordinaire, un retour constant à l’art, jour après jour, à travers les générations et les continents. Aujourd’hui, nous nous souvenons non seulement de l’une des artistes les plus influentes de notre époque, mais aussi d’une femme qui n’a jamais cessé de créer, d’imaginer et d’élargir le monde qui l’entourait.

YAYOI KUSAMA MUSEUM

08/26/2026

Two distinct practices meet through colour, texture, and form at GLR41 🪷

W***y Verginer (.verginer) uses saturated blue to interrupt the realism of a precisely carved body. Zhuang Hong Yi (Zhuang Hong-yi) builds colour into the surface itself, with hundreds of folded rice-paper flowers shifting from cobalt to green and gold as the viewer moves.

In one, colour makes the familiar strange. In the other, it makes the work impossible to see the same way twice.

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W***y Verginer utilise un bleu saturé pour perturber le réalisme d’un corps sculpté avec précision. Zhuang Hong Yi intègre la couleur à la surface même de l’œuvre, où des centaines de fleurs en papier de riz plié passent du cobalt au vert et à l’or au gré des déplacements du spectateur.

Chez l’un, la couleur rend le familier étrange. Chez l’autre, elle fait en sorte que l’œuvre ne se révèle jamais tout à fait de la même manière.

📍 Montréal
GLR41 | 41 rue Saint-Paul O.

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08/23/2026

Now on view at Galerie LeRoyer | 60 Montréal, a Focus exhibition with Valentin Elias Renner 🧵

Working with thread as both line and structure, Renner (Valentin Elias Renner) creates intricate compositions that move between drawing, textile, and relief. Repeated strands fold into interlocking geometries, shifting between order and disruption, flatness and depth.

Colour moves from restrained blues to warmer gradients, while the material remains precise, tactile, and architectural.

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Travaillant le fil à la fois comme ligne et comme structure, Renner crée des compositions complexes à la croisée du dessin, du textile et du relief. Les fils répétés se plient en géométries imbriquées, oscillant entre ordre et rupture, planéité et profondeur.

La couleur passe de bleus retenus à des dégradés plus chaleureux, tandis que la matière demeure précise, tactile et architecturale.

📍 Montréal
GLR60 | 60 rue Saint-Paul O.

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08/20/2026

In Echoes of Autumn, Coderch & Malavia (Coderch & Malavia | Bronze Sculptors) bring patinated bronze and Murano glass into a carefully calibrated tension. The face is held in a state of stillness, while amber glass leaves extend around it, catching light and shifting the sculpture beyond the limits of portraiture 🍁

Rather than treating autumn as a symbol, the work uses it as a formal device. The density of bronze is set against the transparency of glass; the fixed presence of the face against a structure that appears to disperse around it. The sculpture is built through these contrasts, allowing material, light, and space to carry as much meaning as the figure itself.

Joan Coderch Pares & Javier Malavia | Contemporary Sculpture

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Dans Echoes of Autumn, Coderch & Malavia mettent en tension le bronze patiné et le verre de Murano avec une grande précision. Le visage demeure dans un état de calme suspendu, tandis que les feuilles de verre ambré se déploient autour de lui, captant la lumière et déplaçant la sculpture au-delà du simple portrait.

Plutôt que de traiter l’automne comme un symbole, l’œuvre en fait un dispositif formel. La densité du bronze s’oppose à la transparence du verre ; la présence fixe du visage, à une structure qui semble se dissoudre autour de lui. La sculpture se construit dans ces contrastes, laissant à la matière, à la lumière et à l’espace autant de poids qu’à la figure elle-même.

On view📍GLR Toronto | 162 Cumberland Street

🔗 Available upon inquiry / Disponible sur demande: [email protected]

08/18/2026

Fabián Ugalde (Fabián Ugalde) takes familiar images apart to see what they can become.

In Expanded R.M. (2025), he fragments René Magritte’s Man in a Bowler Hat into a precise rhythm of repeated forms, reconstructing the image into something recognizable yet unstable.

This process sits at the core of Ugalde’s practice: breaking down iconic images and rebuilding them to question how art is remembered, reproduced, and transformed over time.

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Dans Expanded R.M. (2025), il fragmente L’Homme au chapeau melon de René Magritte en un rythme précis de formes répétées, recomposant l’image pour la rendre à la fois reconnaissable et instable.

Ce processus est au cœur de la pratique d’Ugalde : déconstruire des images iconiques pour les reconstruire autrement, et ainsi interroger la manière dont l’art est mémorisé, reproduit et transformé au fil du temps.

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